Итальянская музыка для струнных инструментов.
В музыке итальянских мастеров наиболее ярко выразились образы эпохи, раскрепощённость человеческих чувств. Мелодическое начало, пришедшее из оперы, выходит на первый план именно в скрипичной музыке. Концертирование становится не просто демонстрацией виртуозности исполнителя, а способом высказать глубокие, разнообразные чувства.
Над всеми композиторами, создавшими шедевры струнной музыки, возвышаются имена Арканджело Корелли, Антонио Вивальди и Джузеппе Тартини. Они явились создателями новых жанров: сольного скрипичного концерта (Вивальди), кочерто-гроссо (Корелли), сольной скрипичной сонаты и трио-сонаты (Тартини).
Среди всех итальянских композиторов-скрипачей XVII века мировую славу и признание современников завоевал Арканджело Корелли (1653 - 1717). Его имя в Европе на целое столетие стало синонимом инструментальной итальянской музыки, ее высших достижений.
Корелли создал завершенные художественные образцы трио-сонаты, сольной скрипичной сонаты с сопровождением, concerto grosso. Его творчество проложило путь завоеваниям в области скрипичного искусства Антонио Вивальди, Джузеппе Тартини, Франческо Джеминиани, Пьетро Локателли. Своими «Concertо grossо» Корелли заложил фундамент для развития классической симфонической музыки.
Concerto - в буквальном переводе - «устройство», «согласие». Исполнительский состав оркестра Корелли представляет собой удвоенный струнно - смычковый квартет аккомпанемента и трио солистов - две скрипки и виолончель. Основоположником жанра concerto grosso считается итальянский композитор Алессандро Страделла. Но Арканджело Корелли довел этот жанр до совершенства. Выдающиеся образцы concerto grosso наряду с Корелли создали И.С. Бах, Г.Ф. Гендель, А. Вивальди.
|
|
|
Идея появления concerto grosso как жанра возникла под влиянием духовой вокальной музыки. В начале XVII века были известны роскошные многохоровые композиции - в них мощному пению множества певцов эффектно противопоставлялись голоса солистов. Композиторы болонской школы - хотели повторить подобный эффект в инструментальной музыке, чередуя solo и оркестровое titti. Струнной музыке, напоминавшей человеческий голос, легко было завоевать любовь итальянцев. Новые струнные жанры - камерная трио-соната и concerto grosso - быстро стали популярны.
Развивая и качественно обновляя форму трио-сонаты, расширяя ее исполнительские рамки, Корелли создал свои «Concertо grossо» op. 6. Наряду с концертами Генделя и И.С Баха, эти последние творения мастера представляют собою наиболее совершенные образцы в истории концертного жанра доклассической эпохи.
· Послушаем «Concertо grossо» op. 6 №8 "Рождественский". Basso continuo поручено органу. Здесь цикл пятичастен, с тематизмом и композиционной планировкой частей: Allegro, Vivace, Grave, Adagio, Largo. Музыка патетична, порой в ней слышится лирический напев, ощущается связи с народными истоками.
|
|
|
Музыка барокко, в том числе и музыка Корелли, наполнена многочисленной символикой. В произведении встречаются мотивы - символы: секунды ламенто, мотив «креста» и др., которые связаны с образами страдания, распятия. Они представлены в минорных частях. Символичен и выбор тональностей: бемольные тональности начальных четырех частей с их сумрачной окраской и светлая тональность соль мажор в финале, олицетворяющая само Рождество.
Антонио Вивальди (1678-1741) – итальянский композитор, скрипач, педагог. Учился у Дж. Легренци (композиция) и своего отца Джованни Баттисты (скрипка). С 1714 руководил оркестром и хором консерватории «делла Пиета» в Венеции. Вивальди — крупнейший представитель итальянского скрипичного искусства 18 века, утвердивший новую (драматизированную, так называемую ломбардскую) манеру исполнения. Создал жанр сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо. Автор опер (около 40), кантат, симфоний; свыше 460 концертов, в том числе цикла из 4 скрипичных концертов «Времена года» — раннего образца программной симфонической музыки; церковных произведений и др. Он был блистательным скрипачом-виртуозом, дирижировал оркестром и руководил первой консерваторией в Венеции.
|
|
|
В то время Венеция была признанной в Европе столицей удовольствий: работали многочисленные оперные театры, до глубокой ночи были распахнуты двери модных лавок, на закате дня открывались казино. Атмосфера постоянного праздника, радостного оживления и подъема наполняла концерты Вивальди, как будто пропитанные воздухом венецианского карнавала. Мелодии Вивальди никогда не бывают абстрактными: они напоминают то оперную арию, то светский танец, то военные фанфары. Эти мелодии расчленены на ритмически яркие мотивы – композитор не боится их повторять в виде поднимающихся или опускающихся «гроздьев», которые музыканты называют секвенциями. Слушать такую музыку легко и приятно; она бодрит своей энергией, она не утомляет лишними деталями, в ней прекрасно найдены пропорции между разъясняющими повторениями и яркими контрастами.
|
|
|
А. Вивальди А.Корелли Д.Тартини
Жанр концерта – циклический, означает «состязание». Это музыкальное произведение, в исполнении которого участвуют солист и оркестр. Виртуозная партия солиста противопоставлена красочному звучанию оркестра. Обычно концерты 3-х частны, где части идут в разных темпах: 1 часть – быстрая, 2 часть – медленная, 3 часть – быстрый финал.
В творчестве Вивальди нередки программные концерты: «Буря на море», «Наслаждение», «Ночь», «Тревога» и самые известные – 4 концерта «Времена года».
Музыкальные темы концертов часто связаны с народно-жанровой мелодикой, напоминая итальянские песни и танцы, иногда подражают оперной мелодике (особенно в медленных частях). Музыке Вивальди доступен и подлинный драматизм, и скорбь, и тревога, но они не способны одолеть её жизненной силы и оптимизма.
Прекрасны мирные или бурные пейзажи в трактовке Вивальди. Таковы его знаменитые «Времена года». 4 концерта – «Весна», «Лето», «Осень», «Зима» - изображают разнообразные сцены крестьянской жизни. Пробуждение природы и работа на земле («Весна»), сцену грозы и плач пастушка («Лето»), сбор урожая и картину охоты («Осень»), катание на коньках и мирную идиллию у камина («Зима»). Каждому концерту предпослан стихотворный сонет самого композитора.
Итальянские скрипачи и композиторы эпохи барокко создали законченный классический стиль музыки для струнных инструментов. Он и сегодня остаётся эталоном красоты, возвышенности, совершенства в музыке.
Урок 3. Опера барокко.
Театр в XVII веке становится излюбленным искусством. Он проникает и в живопись, где персонажи выступают как действующие лица драмы, и в музыку, путь которой лежал к опере. Посмотрите на полотна Рембрандта, Эль Греко, Рубенса, Веласкеса. Мифологические сюжеты здесь соседствуют с библейскими, портреты современников – сбытовыми зарисовками жизни крестьян и горожан.
Эпоха барокко в музыке – это время неустанных поисков, время экспериментов в области жанров, выразительных средств, передающих движения чувств личности и их развитие. Личность с её внутренним миром заняла в искусстве главенствующее место. Наверное, потому главным открытием века стало рождение музыкального театра, а точнее – жанра оперы.
Родиной оперы стала Италия. Музыканты считали идеальными жанр древнегреческой трагедии. Первые оперы называли драмами, положенными на музыку. Из Флоренции, которая дала жизнь опере, жанр быстро распространился в другие города – Рим, Венецию, Неаполь, а затем перешагнул за пределы Италии – во Францию, Англию.
Появление оперы знаменовало отход музыки от старинной полифонии. Солирующий голос стал выразителем чувства. Музыка приобрела гомофонно-гармонический склад с особой формой записи аккомпанемента – цифрованным басом.
Опера в Италии. Первый публичный спектакль был дан во Флоренции в 1600 году на свадебных торжествах во дворце Медичи. Он назывался «Сказания в музыке об Орфее и Эвридике». Текст написал О.Ринуччини, а музыку – Якопо Пери, исполнивший в опере главную роль. Вскоре опера распространяется по всей Италии. В ней пробуют свои силы такие известные композиторы, как Д.Каччини, Д.Перголези, К.Монтеверди.
Первые создатели опер пытались возродить древнегреческую трагедию, то есть объединить в одном представлении драму, музыку и танец. Мелодия здесь полностью зависела от ритма стиха и представляла собой нечто среднее между пением и обычной разговорной речью.
· Послушаем фрагмент оперы Якопо Пери «Эвридика». Монолог Орфея и Эвридики.Здесь декламация преобладает над пением.
В 1697-1608 годах в Мантуе появляются новые оперы – «Ариадна» и «Орфей» Клаудио Монтеверди (1567-1643). Этот композитор считается создателем нового «взволнованного стиля». Монтеверди дал героям опер песенные и ариозные по стилю соло. Сольное пение чередовалось с хоровым (мадригальным). Пение чередовалось с оркестровыми эпизодами («ритурнелями» и «синфониями»). Музыке теперь принадлежала ведущая роль.
· Послушаем знаменитый «Плач Ариадны» из оперы «Ариадна». Это один из самых ранних образцов арии скорби (арии lamento). Нежная певучая мелодия, простота интонаций с преобладанием нисходящих секунд и терций, минорный лад – вот особенности таких арий.
Позже появятся арии героические, арии мести, бравурные арии.
К концу XVII века оперные школы возникли в Англии и во Франции. Во Франции блистательного подъема достигли все жанры искусства – театр (Корнеля и Расина), аллегорическая живопись Пуссена и Лоррена, архитектура (дворцы в Версале, Лувр). Господствующим направлением здесь был классицизм. Французская опера – детище эпохи Людовика XIV. Её творцом стал Жан Батист Люлли (1632-1687) – придворный музыкант французского короля, скрипач, друг и соавтор Мольера. Его творения назвали «лирическими трагедиями». Либреттист Кино перерабатывал для Люлли мифологические или историко-легендарные сюжеты. Здесь было и драматическое, конфликтное, и чудесно-фантастическое начало. Мотивы личного счастья приходят в столкновение с велениями долга. Личные трагедии героев разрешаются, как правило, вмешательством волшебных, фантастических сил. Контрасты всегда отчётливо выражены в музыке. Таковы оперы «Армида», «Изида», «Альцеста», «Тезей».
- Послушаем Пролог из оперы «Изида» - торжественный, красочный, славящий древнюю египетскую богиню.
К.Монтеверди Ж.Б.Люлли
Опера в Англии. В XVII веке возрождаются традиции придворного искусства, царившие в эпоху королевы Елизаветы, во времена Шекспира. Оживление художественно-культурной жизни Англии проявляется в целом ряде фактов: входят в моду театральные представления; создаётся Королевская певческая капелла; развивается камерное домашнее музицирование; чаще происходят концерты иностранных артистов (из Франции, Италии); возрождаются традиции «театра масок».
«Маски» - это национальная разновидность придворного спектакля, объединявшего в себе на равных началах поэтическое слово, вокальную и инструментальную музыку, живопись. «Маски», как правило, создавались на основе мифологического и аллегорического сюжетов. Они и стали прообразом английской оперы.
Первым создателем её стал композитор Генри Пёрселл (1659-1695). Он написал первую и единственную свою оперу «Дидона и Эней» в 1689 году. Она совсем не похожа на придворный спектакль, скорее это школьный спектакль. Исполнялась силами любителей музыки в камерной обстановке.
Вся опера построена на контрастных сопоставлениях образов: личной драмы героев и мира сказочной фантастики (ведьм). Сюжет взят либбретистом Тейтом из эпической поэмы Вергилия «Энеиды». Здесь рассказывается о трагической любви царицы Карфагена Дидоны к троянскому герою Энею.
Увертюра проникнута скорбно-драматическим настроением. Она состоит из двух разделов: медленного и быстрого. Печально-лирический строй её музыки предопределяет трагическую развязку всей оперы. Корабли Энея попадают в бурю и гибнут. Дидона, видя это, бросается со скалы в море, чтобы последовать за любимым.
- Ария Дидоны из последнего действия – один из шедевров всей музыки 17 века. Тончайший рисунок скорбной мелодии в соль-миноре сочетается с неизменной темой баса – нисходящей хроматической последовательностью
звуков, образующих basso ostinato. По жанру и форме ария близка пассакалии.
Нервные изгибы мелодии чередуются с возгласами, вздохами, вырывающимися из глубины сердца и достигающими высокой кульминации. По силе экспрессии ария сопоставима с «Плачем Ариадны». Это тоже ария скорби.
Образы фантастики. Судьбами героев вершат не боги, а ведьмы. Ведьмы – излюбленные персонажи английских народных преданий. Немалое место отведено в опере «морским сценам»: в народной и бытовой музыке Англии песни и танцы матросов были очень любимы.
· Например, песня матроса «Эй, моряк!» - близка английским фольклорным мелодиям с четким танцевальным ритмом и структурой.
Опера «Дидона и Эней» воплотила представления Пёрселла о музыкальной драме. От итальянской и французской оперы она отличается большей целеустремлённостью действия, компактным построением (3 действия), ясно очерченным конфликтом между реальными и фантастическими персонажами.
Дата добавления: 2020-11-15; просмотров: 224; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!