Тема II: Искусство древнего мира 7 страница
Одно из самых замечательных произведений Северного Возрождения – Гентский алтарь – (1426 – 1432, Гент, церковь святого Бавона) было создано Яном ван Эйком возможно совместно с Губертом и закончено Яном самостоятельно после смерти брата. Гентский алтарь – большой многоярусный складень (картина из нескольких складывающихся частей) – ряды картин в нем объединены общей идеей. В работе над алтарем ван Эйк использует библейские сюжеты, но старается трактовать их в живых образах, наделенных плотью и кровью. Однако в Гентском алтаре еще ощутимы готические традиции.
Центральная композиция - "Поклонение агнцу". Приносимый в жертву агнец (ягненок) был символом жертвы Иисуса, отдавшего свою жизнь во имя спасения смертных. Многофигурная композиция решена как жанровая сцена в пейзаже. Некоторые лица из толпы наделены яркой портретной характеристикой. Всадники, пешеходы, среди которых пророки и отшельники, все в едином движении устремились к лугу, символизирующему страну блаженства. Гентский алтарь поражает совершенством живописной техники, ликующим многоцветием красок, с помощью которого мастер воплощает идею красоты и многообразия мира.
В зрелом возрасте Ян ван Эйк создает замечательные портреты: кардинала Альбергати (около 1431 г., Вена, Историко-художественный музей); "Тимофея" (1432 г., Лондон, Национальная галерея); ученого, философа – гуманиста "Человека в красном тюрбане" (1433 г., Лондон, Национальная галерея). В своем творчестве художник утверждает самоценность портрета конкретного человека, раскрывающего неповторимое своеобразие личности изображенного.
|
|
|
Парный портрет молодой четы Арнольфини (1434 г., Лондон, Национальная галерея) ван Эйк решает на фоне обычных, повседневных вещей, напоминая нам о склонности нидерландцев к любовному изображению деталей. Следуя готической традиции, художник наделяет обычные предметы таинственным значением: горящая свеча – символ свадебного обряда, домашние туфли символизируют семейные отношения, собачка – верность, четки – благочестие и так далее. В работах ван Эйка больше интуиции, чем знания, большие чувства, чем рассудочности, но его завоевания в живописи стали откровением не только для Северной Европы, но и для художников итальянского Возрождения.
Отдельные художественные задачи, решенные Яном ван Эйком продолжают разрабатывать нидерландские художники XVI в. К середине XVI в. меняется характер религиозной живописи, активно разрабатываются темы, посвященные жизни низшего сословия, прежде вызывавшие протест со стороны церкви. В росписях, на полотне появляются фигуры крестьян, бродяг, нищих. Развивается бытовой жанр со свойственными ему фольклорными мотивами.
|
|
|
Иероним Босх (1450-1516), создатель мрачных мистических видений, в которых он обращается и к средневековому аллегоризму, и к живой конкретной действительности. Демонология уживается у Босха со здоровым народным юмором "Корабль дураков", "Сад наслаждений". Фантазия художника творит существа из соединения разных животных форм и предметов неорганического мира, и при всем этом сохраняется острое чувство реальности, пронизанное трагическим мироощущением, предчувствием каких-то вселенских катастроф.
Тематику жанровой живописи расширил в своем творчестве Питер Брейгель Старший (около 1525/30 – 1569), прозванный мужицким. Брейгель работает в стиле так называемого "гротескного реализма". Яркий своеобразный художник, он проявляет себя новатором пейзажной живописи. Обращаясь к народным пословицам, живописец создает сатирические произведения, воплощая отвратительные ему качества – скупость, самодовольство, ограниченность, трусость – в образах живых людей. ("Пословицы", 1559, Берлин, Картинная галерея Государственного музея). В этих работах Брейгель обнаружил тяготение к изображению уродливого, бессмысленного, того, что слишком часто попадалось на глаза, проникая в душу художника. Люди казались ему жертвами собственных пороков и суетных страстей. Годы творческой зрелости Брейгеля совпадают с тревожным временем нарастания революционной ситуации. Преодолевая скептическое отношение к миру, художник сосредоточил свое внимание на изображении повседневной жизни крестьянства, органически связанной с природой. Упрощенные массивные фигуры, тяжелые и неповоротливые, грубые одежды, одутловатые бессмысленные лица приобретают в работах Брейгеля черты гротеска.
|
|
|
В живописном цикле "Времена года" ("Месяцы", 1565 г.) смену времен года символизирует крестьянский труд. Сколько всего было картин в цикле, точно не известно. Предполагают, что их было шесть: недошедшая до нас композиция, изображавшая март и апрель; "Сенокос" – май, июнь; "Жатва" – июль, август; "Возвращение стад" – сентябрь, октябрь; "Охотники на снегу" – ноябрь, декабрь и "Сумрачный день" – январь, февраль.
В этих произведениях Брейгель проявил себя как виртуозный живописец. Тонко чувствуя поэзию сельской природы, он подмечает все ее состояния от бурного проявления жизни в месяцы пробуждения до веющего холодом зимнего покоя. В области пейзажа Питер Брейгель Старший опережает свое время, преодолевая аллегорически – абстрактное в изображении природы, обрушивая на зрителя весь спектр жизненных проявлений окружающего мира.
|
|
|
Творчество П. Брейгеля – наивысшее проявление нидерландского Ренессанса. Именно его гений поднял живопись Нидерландов на недосягаемую высоту.
ЛЕКЦИЯ 15
|
К концу XV – началу XVI вв. искусство Возрождения развивалось и в Германии. Богатый опыт итальянского искусства стал тем фундаментом, на котором начинает развиваться ренессансная культура Германии, по своему содержанию более близкая нидерландской.
Наиболее значительные достижения здесь связаны с портретом. В это время в Германии творили такие проставленные мастера как Альбрехт Дюрер, Матис Натхардт, Лукас Кранах Старший, Ганс Гольбейн Младший.
Эпоха Возрождения в Германии совпадает с тревожным временем борьбы буржуазии и крестьянства с феодализмом, который приобретает характер затяжного всеобщего кризиса, что не могло не отразиться в искусстве.
Содержание грозной, трагической эпохи нашло свое отражение в творчестве Альбрехта Дюрера (1471 – 1528), великого художника – философа немецкого ренессанса.
В своем творчестве художник обобщает реалистические поиски предшественников. Чувствуя несовершенство действительности, несоответствие ее идеалом Возрождения Дюрер создал глубоко национальные типические образы своего времени. Он писал портреты, развивал пейзаж, вкладывал новое содержание в традиционные библейские и евангелийские сюжеты.
Дюрер был прекрасным гравером. Он расширяет тематику гравюры, обогащая ее бытовыми сюжетами. Высшее творческое достижение раннего Дюрера – серия гравюр на дереве на тему Апокалипсиса (1498 г.). Многосложность, запутанность композиций, динамизм ритмов созвучны мистификациям Апокалипсиса.
В 1500 г. в творчестве Дюрера произошел перелом. Усилилась роль спокойного повествования, мягким лиризмом отмечены образы (цикл "Жизнь Марии")
В эти годы появляется гравюра на меди "Адам и Ева", в которой художник пытается воплотить идеал классический красоты (1504). С оглядкой на классический идеал выполнен и автопортрет Дюрера (1500 г., Мюнхен, Старая пинакотека). Заметное место в творчестве художника занимает портрет ("Женский портрет", 1506, "Портрет матери", Берлин, Государственный музей).
Творчество Дюрера определило ведущее направление немецкого ренессансного искусства, оказавшего влияние не только на художников Германии, но и на художественную культуру Италии и Франции.
Трагические события Крестьянской войны, наступление феодальной реакции положили конец эпохи Возрождения в Германии. Вторая половина XVI в. для немецкого искусства становится периодом длительного застоя.
ТЕМА V
ИСКУССТВО XVII ВЕКА
Вслед за примерно трехсотлетним периодом эпохи Возрождения наступает
XVII век, ставший одним из наиболее значительных этапов в развитии мировой художественной культуры. Караваджо, Бернини, Веласкес, Рибера, Сурбаран, Рембрандт, Рубенс, Хальс, Рёйсдаль, Мольер, Декарт, Спиноза – таков далеко не полный перечень великих имен, которые дал нам XVII век.
Для изобразительного искусства этого времени в целом характерно расширение тематики, углубление во внутренний мир человека, обогащение старых жанров и появление новых.
Возрождение, сформировавшись, как специфически итальянская культура, распространилось впоследствии на севере от Италии (в Нидерландах, Германии, Франции), но Ренессанс так и не стал единым стилевым направлением мировой культуры. С XVII в. начинает складываться единая мировая художественная культура, обладающая общими чертами при существенных национальных особенностях.
XVII в. не был мирным для Европы, но после трагических событий конца XVI в. наступает сравнительное затишье, происходит определенная стабилизация экономической, политической и культурной жизни. В мировоззрении людей происходит переход от безграничной веры в человека, в его силу, энергию, разум через разочарование и отчаяние, явственно заметное в искусстве конца XVI в., к новому пониманию мира и человека, как частицы бесконечно разнообразного мироздания. Человек рассматривается в сложном соотношении с действительностью, как часть природы и общества, оставаясь центральной фигурой, привлекающей внимание художника, писателя, философа.
В искусстве XVII в. выделяют три основных стилевых направления: барокко, классицизм, реализм.
Часто рациональное начало свойственное классицизму, и изменчивые динамические формы барокко переплетаются в творчестве мастеров того времени, а черты реализма существуют как бы внутри двух основных стилей.
ЛЕКЦИЯ 16
|
В XVII в. Италия уже не является "законодательницей мод" в искусстве. Раздираемая междоусобными войнами, она оказалась во власти иноземных захватчиков, что не могло не отразиться на темпах культурного развития. Но, несмотря на то, что изобразительные искусства в Италии XVII в. развиваются в сложной исторической ситуации, достижения мастеров этого времени были весьма значительны. Многовековой опыт итальянского искусства привлекает к себе внимание европейской культурной общественности. С конца XVI в. Рим становится художественным центром Европы.
Архитектура. Принципы нового стиля – барокко (что в переводе с итальянского означает "причудливый, вычурный"), - складываются, прежде всего, в итальянской архитектуре. Для построек в стиле барокко характерна сложная динамика объемов, наслоение форм, обилие декоративных элементов, тяготение к изогнутой линии. В качестве декоративных элементов используются завитки (волюты), скульптура. Ордер также становится чисто декоративным элементом: колонны стремятся расположиться попарно, иногда устраиваются; фронтоны, антаблементы, карнизы разрываются, приобретая сложную форму. Большое значение получает лестница, подчеркивающая напряженную динамику архитектурных форм. Архитектура барокко властно "втягивает" человека в свое пространство, приобщая к своему эмоциональному существованию. Понятие синтеза искусств по – новому раскрывается в архитектуре барокко. Скульптура, живопись, декоративно – прикладное искусство, как бы продолжая архитектурные формы, участвуют в создании единого ансамбля, объединенного общей художественной идеей.
К прекраснейшим примерам барочной архитектуры относятся загородные резиденции знати (виллы) в окрестностях Рима.
Для зодчества в стиле барокко характерно тяготение к созданию ансамблей. Лучшим из архитектурных ансамблей Италии XVII в. стала площадь перед собором святого Петра, спроектированная Лоренцо Бернини (1598 – 1680) в 1656 – 1667 гг.
Зодчий оформил площадь двумя могучими крыльями монументальной колоннады, которые, по выражению Бернини, "подобно распростертым объятиям" замкнули обширное пространство перед собором. Примыкая к главному западному фасаду собора, колоннада образует трапецию, переходящую в овал. Основу конструкции составляют 284 колонны коринфского ордера и 80 столбов высотой 19 метров каждый. Аттик колоннады украшают 96 статуй.
Архитектура Италии периода зрелого барокко оказала огромное влияние на европейское зодчество.
Скульптура. Бернини, блестяще одаренный архитектор, был не менее великим скульптором. С первых же работ он утверждает новые образные и пластические принципы в скульптуре, видит свою задачу в конкретности изображения. Движение, ставшее для искусства барокко воплощением самой стихии жизни, Бернини воспроизводит в своих произведениях с большой смелостью. В движении показан "Давид" (1623, Рим, галерея Боргезе), изображенный в момент смертельной схватки, готовый метнуть камень в своего врага. Лицо героя полно гнева, взгляд ярости, губы сжаты. "Давид" Бернини резко отличается от ренессансных воплощений этого образа. Тело юного героя воссоздано с небывалой точностью, чувства, отраженные на его лице, приближаются к реальным. Развитие реалистической традиции в скульптуре Бернини показывает характер человека в конкретных проявлениях: его персонажи разговаривают, действуют, страдают. В произведениях великого скульптора чувствуется, свойственная стилю барокко, обращенность к зрителю, стремление вовлечь стороннего наблюдателя в действие, заставить его сопереживать.
Виртуозное владение техникой (мастеру покоряется мрамор, кажущийся мягким, податливым, живым), тонкая наблюдательность ваятеля проявляются в его портретах. Бернини умеет правдиво раскрыть эмоциональное состояние человека, передать глубоко личные чувства, до этого не получавшие воплощения в искусстве (портрет кардинала Шипионе Боргезе, 1632, Рим, галерея Боргезе).
Живопись. На рубеже XVI – XVII вв. в живописи Италии возникает два художественных направления: одно связано с творчеством братьев Карраччи, другое – с именем Микеланджело Меризи, прозванного Караваджо.
Аннибале, Агастино и Лодовико Караччи в 1585 г. в Болонье создали "Академию, идущих по правильному пути", откуда произошло название течения в искусстве – академизм. Аннабале Карраччи провозглашает живопись Высокого Возрождения образцом для подражания, возводя ее в некий художественный "абсолют". С его точки зрения в высоком искусстве нет места грубой натуре, ее надо преображать, "дотягивая" до классического идеала. Искусство противопоставляется жизни, в которой художники круга Карраччи не находят нового идеала. Отсюда условность, отвлеченность образов, подмена истинных чувств театральным пафосом.
В отличие от Аннибале Карраччи и его единомышленников Караваджо (1573 – 1610) безоговорочно признает за реальными образами право быть "воспетыми" в высоком искусстве. Единственный источник творчества для него – окружающая действительность, которую нельзя рассматривать через призму классических идеалов.
Среди ранних работ художника – сцены из жизни изгоев общества – картежников, гадалок, авантюристов (например, "Игроки"), ставшие одним из источников развития бытового жанра в живописи XVII в.
Однако и традиционные библейские темы нашли свое место в творчестве Караваджо. Но, верный себе, художник лишает библейских и евангелийских персонажей условного благообразия – их облик прост и жизненно – достоверен ("Мария Магдалина", "Евангелист Матфей", "Обращение Савла" и др.). Искусство Караваджо породило целое направление, получившее название караваджизма. Передовые художники XVII в. следовали традициям реализма, развитым Караваджо в живописи, однако официально в искусстве Италии XVII в. восторжествовали принципы академизма. Именно академическая система стала основой стиля барокко в живописи, в его формировании сыграло свою роль и реалистическое искусство Караваджо.
ЛЕКЦИЯ 17
|
XVII столетие стало "Золотым веком" испанской культуры – временем расцвета литературы и театра, выдающихся достижений национальной школы живописи. Идеи гуманизма, проникшие в Испанию еще в XVI в. были переосмыслены с учетом национальных особенностей. Большое воздействие на культуру Испании продолжает оказывать католическая церковь, являясь главным заказчиком.
Живопись. Наивысшего расцвета в Испании достигла живопись. Испанской национальной школе живописи свойственна беспристрастность видения. Даже в придворном портрете, получившем широкое распространение, художники остаются правдивыми в передаче облика портретируемого. Наряду с портретом, наиболее развитым жанром в светском искусстве, появляются и произведения бытового жанра, так называемый бодегонес (от bodegon - "трактир", "харчевня"). Примером бодегонес могут служить приписываемая Эррере Старшему композиция "Слепой музыкант с поводырем" (Вена, галерея Чернин).
Об интересе к действительности, желаний выйти за рамки традиционных религиозных сюжетов, говорит также появление еще одного светского жанра – натюрморта, например, "Натюрморт с тыквой" Хуана Санчеса Котана (1600 – 1601 г., Сан-Диего, США, Галерея изящных искусств).
Первая половина XVII в. – время расцвета испанской живописи, озаренное такими именами, как Хусепе Рибера, Диего Веласкес, Франсиско Сурбаран. Испанские живописцы начала XVII в. следуют традициям итальянского караваджизма.
Хусепе Рибера (1591 – 1652), на которого произвело огромное впечатление искусство Караваджо, еще в молодости уехал в Италию, где и прожил до конца дней, оставаясь, все же художником, испанским по духу. В своих поисках Рибера продолжает традиции Караваджо, стараясь изображать действительность без прикрас, не смущает его даже уродливое и отталкивающие. Художник много работает с натуры, выискивая, свои персонажи на берегу моря, в поле, в трактире.
Большинство произведений Риберы создано на религиозные темы, но в библейских персонажах легко угадываются грубоватые лица простолюдинов, которых живописец наделяет высокими нравственными качествами – мужеством, волей, силой духа. Отдавая предпочтение сценам мученичества Рибера, раскрывает величие внутреннего мира своих героев с удивительной убедительностью ("Мученичество святого Варфоломея", 1630, Мадрид, Прадо).
В некоторых работах Риберы ощущаются черты прозаизма, несколько утрированного "натурализма" свойственного произведениям живописи Испании того времени. Получает распространение изображение калек, уродов, больных людей.
В картине Риберы "Хромоножка" (1642, Париж, Лувр) мы видим мальчика – хромоножку, просящего милостыню, оборванного, жалкого, но на лице его – неунывающая улыбка, а глаза полны лукавства.
Хусепе Рибера – первый яркий последователь реалистического направления в испанской живописи XVII в. Его творчество оказало сильное влияние на художественную культуру Испании того времени.
Дата добавления: 2018-04-04; просмотров: 520; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!