Свет в картине. Отражение света от картины.
Светотень. Моделирование объема на картине .
Объемная форма предметов передается на рисунке не только построенными с учетом перспективных сокращений поверхности, но и с помощью света. Свет и тень (светотень) – очень важное средство изображения предметов , их объемов и положения в пространстве. Светотенью так же, как и перспективой, художники пользуются очень давно. С помощью этого средства они научились передавать в живописи форму, объем, фактуру предметов так убедительно, что они, казалось, оживали в произведениях. Свет помогает передать и окружающую среду.
Художники до настоящего времени используют правила передачи светотени, открытые в средние века, но работают над их совершенствованием и развитием.
На картине может присутствовать разное освещение: естественное освещение (природное) солнце и луна; искусственное освещение (созданное человеком) от свечи, лампады. Прожектора и т.д.
Искусством использования света в живописи владел, как никто другой, великий Рембрандт. Его картины всегда озарены внутренним светом. Свет высвечивает из темноты лица портретируемых.
Характер освещенности зависит т от высоты солнца над горизонтом. Если оно находится высоко над головой, то предметы отбрасывают короткие тени. Форма и фактура выявляются слабо. При снижении солнца тени от предметов увеличиваются, фактура проявляется лучше.
Освещение имеет разные виды:
|
|
|
· ФРОНТАЛЬНОЕ освещение это когда источник света освещает объект прямо перед ним. Такое освещение слабо выделяет детали.
· БОКОВОЕ освещение (слева или справа) хорошо выделяет форму, объем. Фактуру объектов.
· КОНТРАЖУРНОЕ освещение – если источник света находится за объектом. Предметы выглядят силуэтно и теряют свой объем.
В картине может быть один или несколько источников света. В этом случае художник прибегает для изображения предметов к световой перспективе.
Освещенность предметов зависит от угла падения, под которым лучи света падают на объект. Если они освещают поверхность под прямым углом, то образуется самое светлое место на предмете, условно оно называется – свет. Там где лучи лишь скользят образуется полутень. В тех местах, куда свет не проникает – тень. На блестящих поверхностях отражается источник света и образуется самое яркое место – блик.
Свет, тень и полутень играют существенную роль на форме предмета, чтобы наилучшим образом передать особенности формы и фактуры объекта.
№19. 1.Шатровые и столпные храмы в русской архитектуре.
На протяжении 16-17 веков Русь превращается в могущественное
|
|
|
централизованное государство со столицей в Москве. Как демонстрация могущества государства, идет строительство больших белокаменных пятиглавых храмов. Характерными чертами белокаменных московских церквей стали силуэты ступенчатых, ярусных пирамид, шлемовидные купола, один из которых возвышался над остальными, килевидные формы арок (так называемые кокошники), окружающие основание барабана купола. Все это предавало архитектуре особую динамичность, легкость и стремительность.
На посадские деньги ведется строительство небольших одноглавых храмов. Ведется строительство каменных храмов на месте бывших деревянных, и перенесение в них форм, свойственных деревянному зодчеству. Например: формирование объемов из четвериков и восьмериков, обнесение храма галереями-гульбищами, шатровое покрытие. Кроме этого в архитектуру переносятся в храмовую архитектуру приемов крепостей строительства, возникают столпные храмы. Примером этого служит церковь Иоанна Предтечи в селе Дъякове под Москвой.
В 16 веке в каменную архитектуру Руси входит новый тип храма – шатровый, с восьмигранным остроконечным завершением. Самым замечательным зданием подобного типа стала церковь Вознесения в селе Коломенское. Главной особенностью коломенского храма, становится постепенный рост здания от нижнего четверика к верхнему, изящному восьмерику. Вокруг храма раскинулись обширные галереи-гульбища и широкие лестницы. Три ряда кокошников украшают гладкие стены храма. 28-метровый шатер, увитый нитями бусин, образующих ромбы, увенчан луковичной главкой на восьмигранном барабане. Этот первый каменный шатровый храм был построен из красного кирпича, на фоне которого отчетливо выделялись белокаменные архитектурные детали.
|
|
|
Сочетание шатровой и столпной конструкции в композиции Покровского собора (Москва, Красная площадь). Черты резного деревянного зодчества начинают проявляться в гражданской каменной архитектуре, например: Теремной дворец Московского Кремля. Здесь первые этажи используются в качестве подклета; а в качестве верхнего этажа используется характерный теремок; прямоугольные, одного размера, внутренние помещения, расположенные по одной прямой – анфиладой; наличники и крыльцо покрыты обильной резьбой.
Популярными становятся храмы, обильно декорированные каменной резьбой, в стиле «русского узорочья», например церковь Троицы в Никитниках или церковь Рождества Богородицы в Путинках в Москве.
|
|
|
Во второй половине 17 века в русскую храмовую архитектуру привносятся черты западноевропейской архитектуры. Такие стили берут свое название от фамилий тех, кто их применял: «голицынское барокко», «нарышкинское барокко». Для этих построек характерны: обилие скульптурного декора; украшение храмов статуями; использование элементов ордеров; ярусная композиция храмов.
2.Композиция картины. Основные композиционные фигуры.
Композиция – это составление, соединение различных деталей в целое, объединенных одной идеей. В изобразительном искусстве композиция – это построение художественного произведения. Слово «композиция» в качестве термина стало употребляться с эпохи Возрождения. От композиции зависит восприятие картины. Веками художники искали наиболее выразительные композиционные схемы, поэтому элементы изображения размещаются не хаотично, а образуют простые геометрические фигуры (треугольник, пирамиду, круг, овал, квадрат, прямоугольник и т.д.).
Для передачи неподвижного образа, подойдет замкнутая композиция, основанная на форме круга, квадрата, прямоугольника.
Для передачи панорамного пейзажа, простора, подойдет тип открытой композиции. Форма композиции – прямоугольная.
Композиция строится по определенным канонам. Основной замысел композиции может быть построен на контрастах (добро и зло, веселье и грусть, новое и старое, спокойное и динамичное, и др.) Контраст – помогает создать яркое и выразительное произведение. Леонардо да Винчи говорил о необходимости использования контрастов величин (высокий и низкий, большой – маленький, толстый – тонкий), фактур, материалов, объема, плоскости и др.
Тональный и цветовой контрасты используются в процессе создания произведения. Светлый объект лучше заметен, выразительнее на темном фоне и наоборот, темный – на светлом.
Для достижения цельности композиции следует выделить центр внимания, где будет расположено главное. Второстепенное на картине приглушается
Важная роль в композиции отводится фону или среде, в которой происходит действие. Окружение героев имеет огромное значение для раскрытия содержания картины.
Итак, целостность композиции зависит от способности художника подчинить второстепенное главному.
Можно выделить следующие композиционные правила:
1. Передача движения (динамика).
2. Передача покоя (статика).
3. Золотое сечение (одна треть).
К приемам композиции можно отнести: передачу ритма, симметрии и асимметрии, равновесия частей композиции и выделение сюжетно-композиционного центра.
На восприятие композиции картины большое влияние оказывают ее формат и форма обрамляющей картины рама Формат картины тесно связан со всей внутренней структурой художественного произведения и часто при его анализе указывает верный путь к его пониманию. Чаще всего формат картины избирается художником до начала работы.
Средства композиции включают: формат, пространство, композиционный центр, равновесие, ритм, контраст, светотень, цвет, декоративность, динамику и статику, симметрию и ассиметрию, открытость и замкнутость, целостность. Таким образом, средства композиции – это все, что необходимо для ее создания, в том числе ее приемы и правила.
№20.
Архитектура, скульптура и живопись итальянского барокко .
Барокко (от ит. – «причудливый») – художественный стиль, зародившийся в конце 16 века в Италии и распространившийся по странам Западной Европы. Всем произведениям искусства стиля барокко свойственны следующие черты: контрастность и динамичность, напряженность и иллюзорность.
Основные особенности архитектурного барокко:
· Тяготение к большим синтетическим городским и садово-парковым ансамблям, где воедино сливаются архитектура, скульптура, живопись. Примером этого могут служить площадь св. Петра в Риме, Версаль, Петергоф.
· Создание нарочито искривленного, почти иллюзорного пространства за счет текучести криволинейных форм и объемов.
· Пышная эффектность, представительность и театральная зрелищность архитектуры барокко.
· Яркое противопоставление конструкции и тектоники здания. Иллюзорное исчезновение стены в массе украшений, скульптур, зеркал, окон.
· Прихотливо изогнутая вертикаль – основа архитектурной тектоники стиля барокко.
· Проявление особой, легко узнаваемой «линии барокко» во внешнем виде и интерьерах зданий, в убранстве улиц и площадей.
· Свободная текучесть воды как естественная аналогия свободно текучей барочной линии и особое пристрастие к фонтанам в эпоху барокко. Например, Фонтан «Четырех рек» в Риме.
Творчество Микеланджело – это своеобразный закат эпохи Возрождения и начало барокко. Им созданы библиотека Лауренциана во Флоренции, купол и интерьер собора Св.Петра в Риме.
Живопись создает иллюзию дополнительных огромных пространств; архитектурное сооружение становится чем-то похожим на гигантскую скульптуру; обильный декор скрывает прямые линии; строители и скульпторы учитывают драматические эффекты света и тени, изменение освещения, умело управляют зрительным восприятием и движением человека в пространстве ансамбля. Текучесть криволинейных форм фасадов зданий, избыточная фантазия строителей (все наличники многочисленных окон и дверей фасада могут различаться по форме и декору), необычная рельефность, натуралистическая проработка деталей, иллюзионистические эффекты, обилие аллегорий – все это способно производить головокружительное впечатление. Впервые в истории неподвижная архитектура так насыщается энергией движения, что порой кажется готовой «сняться с места».
Крупнейшими архитекторами стиля барокко были итальянцы Лоренцо Бернини( создатель ансамбля площади перед собором Св.Петра, церкви Сант-Андреа в Риме, многих произведений в Ватикане) и Франческо Борромини (он строил церкви, дворцы, в течение 20 лет возводил здание Коллегии пропаганды веры в Риме).
Скульптура барокко пронизана напряжением. В ней чувствуется своеобразное сочетание телесности и мистицизма, особенно в знаменитой скульптуре Бернини «Экстаз Св. Терезы», и в картине испанца Ф Сурбарана «Св. Бонавентура». Другая сторона стиля барокко – его размах, пышность «избыточность» и помпезность – находит воплощение в искусстве прославленного фламандского художника П.Рубенса, голландца Рембрандта и испанца Д.Веласкеса.
2.Понятие перспективы. Перспектива линейная, тональная и воздушная.
Фигуры на картине «живут» словно в каком-то символическом, иллюзорном пространстве. В значительной степени эта иллюзия создается благодаря перспективе. Уже в росписи древнегреческих ваз постепенное завоевание пространства. Первым результатом такого изучения способ изображения глубины путем перекрывания одних фигур другими. Однако только с изобретением перспективы художники получили возможность предоставлять глазу зрителя , те же условия, что и при наблюдении реальных предметов.
Перспектива – это не новый способ видения мира, а способ его изображения.
Каковы же основные закономерности перспективного изображения пространства?
· Отношение высоты предмета и его ширины на любом удалении остается одинаковым.
· Все масштабы предметов по мере их удаления от зрителя уменьшаются.
· Все линии глубины, удаляются от плоскости картины, сокращаются по маре их удаления.
· Все линии параллельные глубине, сходятся на картине в одной точке.
· Все предметы располагающиеся одни за другим , скрывают друг друга на картине.
В течение всего 14 века итальянские художники удивительно настойчиво борются за завоевание центральной линейной перспективы. Однако, даже Джотто не удалость добиться единой точки схода для всей картины. В Течение всего 14 века картины так и конструируются по частям.
Первым преодолел это , и ввел строгую центральную линейную перспективу, при которой все линии сходятся в глубине в одну точку, флорентийский архитектор Филиппо Брунеллески. Его перспективное изображение флорентийского баптистерия, поставленное в дверях как в раме, собирало множество народа. Все воспринимали такую точную иллюзию как фокус, лишь для молодого поколения художников (Донателло, Мазаччо) проблемы перспективы сделалась самой актуальной темой для спора.
Линейная перспектива – точная наука, которая учит изображать на плоскости предметы окружающей действительности так, чтобы создалось впечатление такое как в натуре. В переводе с латинского перспектива означает «ясно вижу».
При рассмотрении перспективы важно помнить, что одним законам перспективы подчиняются линии и фигуры другим – цветовые тона. То есть выстроить правильную глубину только по законам линейной перспективы можно лишь в графическом произведении (рисунке, гравюре). Для живописного полотна этого не достаточно. Здесь необходимо учитывать еще законы изменения красочных тонов по мере удаления предметов от наблюдателя (световую, тоновую и воздушную перспективы).
Тональная перспектива позволяет показать глубину пространства. Некоторые цвета имеют свойства восприниматься как выступающие вперед (красный , желтый). Иные же (синяя, коричневая) – отступающими назад. С помощью моделирования плоскостей этими цветами художники подчеркивают впечатление глубины пространства. Закон тональной перспективы – предметы, по мере их удаления от зрителя, приобретают все более №холодный» (синеватый) тон. Наконец, в позднем Ренессансе была открыта воздушная перспектива . сам воздух цвета не имеет , но в нем всегда пресутсвует огромное количество пылинок , которые преломляя свет от дальних предметов изменяют их цвет от более теплого на переднем плане до более холодного вдали ( отсюда поэтическое выражение «голубые дали». Закон воздушной (световой) перспективы – по мере удаления предметов от зрителя их контуры все более расплываются. Основываясь на законах воздушной перспективы художники, начиная с эпохи Возрождения, выработали деление глубины на три плана. Первый план, самый близкий, обычно писали в буроватых тонах, средний – в зеленоватых, а дальний план – в голубых. Такое пространственное деление на три плана упорно удерживалось в живописи вплоть до конца 18 века. И только импрессионистам удалось окончательно избавиться от «гипноза трех планов».
Эффекты перспективы – это не только построение геометрии и колорита. Это весьма сильное средство воздействия на зрителя. В этом отношении сильно, например, различаются фронтальная (прямая) и угловая (косая) перспектива. Прямая перспектива позволяет создавать иллюзию статуарности, возвышенности, строгости. Косая, напротив, основана на принципах асимметрии. Резком контрасте, экспрессии, характерна более для чувственных сюжетов.
Не менее важно и положении горизонта на картине. Оно зависит на только от предпочтения художника, а и от национальных или географических особенностей его родной страны. Так низкий горизонт более соответствует южному темпераменту, а высокий – более популярен на севере Европы.
Положение линии горизонта – это положение линии глаз зрителя. Если взгляд зрителя падает сверху, то линия горизонта будет находиться низкая; если снизу – высоким. Кроме этого «линия горизонта» - это место геометрического и тонального слияния линии земли и линии неба.
№21
1. Возникновение европейской оперы. «Флорентийская камерата».
Опера – это синтетический вид искусства, который объединяет музыкальное искусство. Предшественниками европейской оперы принято считать – итальянскую мадригальную комедию и английскую «маску». Возникает оперное искусство на рубеже 16-17веков во Флоренции в кружке музыкантов и поэтов ( «Камерата») как стремление возродить античную драму. Во «Флорентийской камерате» объединились музыканты, философы, поэты и любители музыки. Среди них был и В.Галилей – музыкант и математик, отец великого астронома Галилео Галилея. Участники этого кружка ставили пасторали на античные сюжеты, театральные интермедии.
Новый музыкально-театральный жанр, где сочетались сценическое действие и музыка, был назван членами кружка «драма на музыке». Основой, как и у древних греков, была возвышенная поэзия. Музыка же помогала раскрытию образов. «дорисовывала» сценическое действие. Мелодия должна была следовать за текстом, передать интонации речи человека. «Драма на музыке» оказалась прогрессивной и дала удивительные результаты, проложив дорогу новому жанру. Уже в 17в. в Риме, Мантуе, Венеции, Неаполе были созданы оперные школы.
Из всех композиторов. Объединившихся в конце 16 века вокруг «Флорентийской камераты», подлинным мастером можно назвать Клаудио Монтеверди.
Он был мастером полифонической музыки, он начал развивать новый стиль, который оказался чрезвычайно жизнеспособным имен в опере. Источником этого нового стиля стала так называемая монодия – одноголосная мелодия, сопровождающаяся ансамблем музыкальных инструментов. Опера Монтеверди «Коронация Поппеи» считается одной из самых первых. Её постановки имели успех во всей Европе, в том числе и в Росси.
Билет экзамен .
Дата добавления: 2018-09-22; просмотров: 431; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!