Символика частей западноевропейского средневекового храма.

⇐ ПредыдущаяСтр 5 из 8Следующая ⇒

В соответствии с идеологией христианства средневековый храм делился на три части: 1 – притвор, 2 – нефы, 3 – алтарь. При этом части символически уподоблялись человеческому, ангельскому и божественному мирам или телу, душе и духу. Восточная (алтарная) часть храма символизировала рай и была посвящена Христу. Западная – ад и была посвящена сценам Страшного суда. Северная олицетворяла смерть, мрак и зло. А южная часть посвящалась Новому Завету. В то же время сам Христос говорил, что он есть «путь, истина и жизнь». И поэтому проход верующего от западного портала (вход в храм) к алтарю символизировал путь его души из мрака и ада к свету и раю. Интересно, что в средневековых соборах вход устраивали часто не в западной стене храма, а в северной. Тогда путь верующего пролегал из смерти и зла к добру и вечной жизни.

Внутренне пространство храма – это пещера, в которой погребли распятого Христа, и из которого он воскрес. И потому это пространство еще сумрачно и приземисто. За счет узких окон-бойниц в нем господствует резкий контраст яркого света и глубокой тени. Еще в старых римских катакомбах, где устраивали свои храмы, скрывавшиеся от преследования римских властей первые христиане, свет лился сверху через круглые отверстия в потолке. Так и в средневековых храмах, свет в храм устремлялся сверху и ярко освещал только определенные части интерьера. Узкие окна, а потом круглые окна0розы, над западным порталом высвечивали нартекс. Центральная часть храма освещались через узкие окна в башне над средокрестием (пересечением продольного и поперечного нефов).

В средние века церковь четко разделяла три понятия времени (три его уровня). Земное время мыслилось как историческое, линейное. Здесь будущее переходило в настоящее. Этому пониманию времени соответствовали многие повествовательные мотивы в скульптурах и росписях соборов, составляя длинные горизонтальные ленты на темы библейских и евангельских сцен. Время же космоса осмысливалось как циклическое, все время повторяющееся во временах года, движении солнца и звезд. Этот уровень времени пытались передать в многочисленных круглых розетках с изображениями на тему времен года, знаков зодиака и сельскохозяйственных работ. Третьим уровнем времени считалась вечность, где всё всегда присутствует. Этот уровень яснее всего отражен в самой структуре храма, в его форме креста. Уподобление храма телу Христа на кресте иногда доходило до натурализма. И тогда центральная алтарная капелла сдвигалась относительно продольной оси, передовая поникшую голову Христа.

Самыми важными точками на символическом пути верующего в храме становились начало пути (портал) и цель этого пути (престол). Форма средневекового портала уже сама по себе символична. Квадрат двери, перекрытый полукруглым тимпаном, символизировал землю, перекрытую небом.

Входной портал символизировал Силу и Могущество, переход из мирной жизни в священную. Символизировал он и Христа, ведь сам Христос говорил: «Я есмь дверь: кто войдет Мною, тот спасется, и войдет, и выйдет, и пажить найдет». Имел символическое значение и размер двери. Их устраивали суживающимися за счет уменьшающихся арок, опираясь на евангельское: «Входите тесными вратами, потому что широки врата и пространен путь, ведущие в погибель, и многие идут ими, потому что тесны врата и узок путь, ведущие в жизнь, и немногие находят их».

1.Развитие архитектуры итальянского Возрождения.

Возрождение (Ренессанс – франц.) – это эпоха, охватывающая в Италии14-16века.Возникло Возрождение сначала как художественное движение, сплотившее философов, литераторов, музыкантов, архитекторов и художников вокруг центральной проблемы – гуманизма. Возрождение стало новым художественным мировоззрением, которое формировало: 1) буржуазно-личностные идеалы, 2) профессиональное искусство как идеальное оформление светского образа жизни, 3)европейскую национальную культуру.

Все эти причины привели к новому развитию архитектуры, которая приобрела новый облик отличный от средневекового.

1. вертикальные готические композиции сменяются на горизонтальные композиции.

2. в архитектуре появляется ощущение статики за счет многоэтажности здания.

3. в конструкцию здания возвращается стена, которую заменил каркас в средние века.

4. появляется четкость и рациональность в планировке здания, фасада и интерьера.

5. преобладание квадрата, прямоугольника, куба и шара как основных геометрических форм в архитектуре Возрождения.

В строительстве обильно используется такой строительный материал как раствор:

· для скрепления рядов стенной кладки,

· в виде гладкой штукатурки,

· в виде декора, цветных в несколько слоев штукатурки,

· для имитации руста – грубо отесанных камней, из которых складывают первый этаж

· для создания обилия лепных украшений (вначале обильных, затем тонированных и золотых).

Для развития архитектуры итальянского Возрождения характерны три периода:

· I период – 1420 -1500 годы: ведущий архитектор Филиппо Брунеллески, центр – Флоренция.

· II период – 1500 – середина 16 века: ведущий архитектор Д. Браманте, центр – Рим.

· III период – вторая половина 16 века: ведущий архитектор Микеланджело Буонаротти, центр – Рим.

Первое здание ренессансной постройки - здание Воспитательного Дома во Флоренции (Ф.Брунеллески). Уже имеет гражданский, а не церковный характер. Горизонтальная композиция фасада с легкой аркадой на колоннах – наиболее популярный прием в архитектуре Возрождения. Другое здание этого периода – это создание Ф.Брунеллески купола собора Санта-Мария даль Фьоре (Флоренция) как возрождение древнеримского сводостроения. 8-гранный барабан был перекрыт куполом с диаметром в 42 метра. Аналогичную конструкцию использует Микеланджело при постройки купола собора Св. Петра.

К концу 15 в. окончательно складывается тип городского палаццо (дворец итальянской знати), который отличала простота композиции, созданная мощной рустовкой стен и четким членением здания по горизонтали карнизами. Внутренний двор палаццо специально создается более замкнутым для создания уюта и камерности двора.

Именно в эпоху Возрождения возрождается древнегреческая ордерная система в конструкции зданий и в оформлении стен. Влияние античности чувствуется и в таких зданиях как «Темпьетто» Д. Браманте в Риме, «Вилла-ротонда» А.Палладио.

Такое развитие в архитектуре ведет к упорядочиванию ренессансного города:1) создаются симметричные площади и целые поселения, 2) активно используется цвет при создании городской композиции, 3) площади и улицы формируются с помощью связывания фасадов, расположенных на них зданий, например: улица Уффици во Флоренции, площадь Сан-Марко в Венеции. Появляется множество проектов идеальных городов и даже реальное строительство некоторых из них, например: Пальма Нуово по проекту В.Скамоции.

К концу 16 века формируются две основные архитектурные школы:

1. Римская школа – основа будущей архитектуры барокко. Для нее характерно тесная связь скульптуры и архитектуры. Основоположенники ее стали Микеланджело, Виньола.

2. Венецианская – основа будущей архитектуры классицизма. Именно она способствовала возрождению и активному использованию античных ордерных форм, а так же типов античных зданий. Яркими представителями этой школы явились Сансовино, Палладио.

Билет 14

Структура средневековой рукописной книги .

В средние века грамотным обязательно необходимо было быть лишь торговцам и священникам. Но торговые сделки, купеческие записки не требовали прочного долговечного материала для письма, и поэтому до нас они почти не дошли. Другое дело священные писания, над изготовлением которых трудились долго и тщательно. Материал для них выбирали прочный. Именно по таким священным рукописным книгам мы сегодня и изучаем культуру средневекового письма.

Вместо античного папируса в это время появляется пергаментный кодекс (тонко выделанная ослиная или телячья кожа). Листы были большого размера, однако вскоре поняли, что такие большие листы неудобны и стали их складывать вдвое. Такие сложенные вдвое листы получили название диплом. Когда дипломов набиралось много, их складывали и сшивать в кодексы. Так античная библиотека в виде корзин с папирусными свитками исчезла, а появились полки с книгами.

Размером кодексы были разные. Большие называли «ин фолио» - 30-50см. Чаще всего употреблялись четвертушечки большого листа, и поэтому называли их «ин гватро». Однако встречались и крошечные кодексы

4 \ 2,5см, которые шутливо называли «мальчик с пальчик». Фигуры на миниатюрах таких кодексов получалтсь с булавочную головку.

В 11 веке из Аравии стала проникать в Европу бумага.

В средние века существовало три типа орудия для письма:

· Стиль – сохранившийся с античной эпохи, представлял собой заостренную с одного конца металлическую палочку для письма на навощенной дощечке. Другим тупым концом стирали написанное.

· Калам – для письма чернилами европейцы позаимствовали на востоке – заостренную камышовую палочку.

· Перо – самый удобный для написания инструмент, гусиное, лебединое или павье.

Чернила чаще применяли черные. Для легкого смывания их готовили из смеси сажи и камеди (густой смолы деревьев). А для прочных – из чернильных дубовых орешков с той же камедью. Довольно редко применялись цветные чернила. С античности – красные, с 11 в. – красные и зеленые, а с 13в. – красные и синие.

Большее распространение в раннем средневековье получили золотые и серебряные краски. Обычно ими писали священные имена.

Так как и пергамент, и бумага были дорогие, то пространство страницы экономили, старались плотнее вписывать строки. Страницу либо сплошь покрывали текстом, либо текст делили на два столбика.

Новы мысли в тексте всегда выделяли красной краской (отсюда выражение «красная строка»). Но рукопись еще украшал и инициал – большая заглавная буква. Её богато расписывали всевозможным орнаментом, особенно часто такие украшения встречаются на рукописях позднего средневековья.

Сшивали двойные листы кодекса пергаментными ленточками, делая из них книги, и охватывали двумя деревянными дощечками, обтянутыми кожей. На переплеты особо важных книг часто добавляли украшения из золота, серебра и драгоценных камней.

№13.

1. Живопись раннего Возрождения .

Возрождение (Ренессанс – франц.) – это эпоха, охватывающая в Италии14-16века. Возникло Возрождение сначала как художественное движение, сплотившее философов, литераторов, музыкантов, архитекторов и художников вокруг центральной проблемы – гуманизма. Возрождение стало новым художественным мировоззрением, которое формировало: 1) буржуазно-личностные идеалы, 2) профессиональное искусство как идеальное оформление светского образа жизни, 3)европейскую национальную культуру.

Живопись раннего Возрождения формировалась на основе готических традиций:

· Основной вид живописи – монументальный. Фреска.

· Замена шпалер, покрывавших стены готических храмов, живописными композициями.

· Каждая человеческая фигура подчинялась орнаментальному узору.

· Использование реальных архитектурных мотивов в живописном образе.

Постепенно формируются основные принципы европейской картины:

· Появление в 15 веке отдельной, композиционно замкнутой, фресковой композиции, рассчитанной на строго фиксированное положение зрителя (т.е. осмотр с определенной точки).

· Изобретение основ линейной перспективы как стремление познать и измерить пространство.

· Появление новых тем в живописи раннего Возрождения (античные мифы, портреты).

· Активно растет роль контурного рисунка.

Первым живописцем раннего Возрождения вошел в историю искусства флорентинец под прозвищем Мазаччо (1401-1428), что значит «большущий Томмазо». Мазаччо было 21 год, когда он написал в церкви Санта-Мария Новелла фреску «Троица», полную величия и торжественного спокойствия. Начиная с творчества Мазаччо евангельские сцены, стали изображаться на воне городской архитектуры или хорошо знакомой природы своей страны, рядом со святыми нередко портретно были представлены заказчики картины и исполнители; с трогательной тщательностью выписывались ландшафт, животные, предметный мир.

В разных частях Италии на протяжении 15 века сложились местные художественные школы, взрастившие таких выдающихся мастеров, как Пьеро дела Франческо в Урбино, Мантенья в северной Италии, Дж. Беллини в Венеции. Но при этом Флоренция оставалась центром, где работал Сандро Боттичелли, и где начиналась слава Леонардо да Винчи.

Боттичелли (1445-1510) вышел из ремесленной среды. Становление его идеалов происходило во Флоренции в гуманистических кругах, при дворе Медичи. В известном произведении «Весна» в женских образах сочетается реальная натура с фантазией, ясность, гармония и монументальность. Отражается поэтическое мировоззрение художника и его идеал. Знаменитое полотно Боттичелли «Рождение Венеры» – первая большая картина эпохи Возрождения на тему античной мифологии. Боттичелли был прекрасным портретистом, умеющим взять от модели самое существенное. Групповым портретом можно назвать картину «Поклонение волхвов», изображающую сюжет из Евангелия, наиболее почитаемый художниками Возрождения.

2. Основные формы в мусульманской архитектуре .

В VII веке на огромной территории, от Испании до Индии, возникло мощное государство – Арабский халифат. Тогда закладываются и основы ислама – третьей мировой религии, после буддизма и христианства.

Средневековая культура мусульманских стран занимает одно из важнейших мест в истории мировой цивилизации.

Арабская архитектура унаследовала многие достижения древней шей цивилизаций: из Месопотамии – кирпичную кладку и поливные изразцы, из Египта – колонные залы, из Византии – искусство мраморной облицовки и мозаику. И все же зодчество Арабского Востока не лишено своеобразия. Именно здесь были выработаны ранее неизвестные типы зданий: мечети («место поклонения»), минареты (башни), медресе (духовные школы-семинарии), мавзолеи (погребальные усыпальницы), роскошные дворцы и караван-сараи (постоялые дворы), крытые рынки.

Самым ранним созданием мусульманской архитектуры была мечеть, где собирались верующие для молитвы.

Структура мечети такова: мусульманский храм с внутренним двором и основным помещением, перекрытым куполом и с обязательным минаретом. Внутри мечети на одной из стен находится алтарная ниша – михраб, обращенная в сторону Мекки – священного города мусульман; а так же минбар – кафедра для чтения Корана; ритуальный бассейн с проточной водой для омовения. Главный фасад всего сооружения со стороны улицы оформлялся арочным порталом больших масштабов.

Медресе – религиозная школа с внутренним двором, расположенными по его периметру арочными порталами и ярусами келий. От мечети она тем и отличается, что галереи двора делятся на мелкие помещения, где живут семинаристы.

Караван-сарай – постоялый двор с прямоугольным двором, окруженным двух- или трехэтажными постройками.

Для всей мусульманской архитектуры характерны глинобитная или сложенная из сырцового кирпича стена. Именно она является основной конструктивной формой мусульманской архитектуры. Но арабская культура, объединенная исламской религией и общим арабским языком , все же неоднородна, потому что каждый из народов внес самостоятельный вклад в ее общее развитие.

Билет19

1.Поиски идеала в творчестве Рафаэля.

Период наивысшего расцвета искусства в Италии в 16 веке называется Высоким Возрождением. Это «золотой век» искусства, представленный творчеством великих художников – Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне и Тициана.

Наиболее гармоничным и классическим по существу было творчество самого младшего из великих художников Высокого Возрождения – Рафаэля Санти (1483-1520). Сын живописца Джованни Санти, обучался профессии у отца и работал с ним в качестве подмастерья. Позднее он учился у П.Перуджино в Перудже. У него он научился:

· понимать композицию как гармоническое сочетание частей целого;

· упрощать композицию и строить картину по геометрической схеме: крест, треугольник, круг, овал и др.;

· чуткое ощущение ландшафта и архитектуры на картине, тесная связь с ними фигур персонажей.

Испытал влияние на своем творчестве Леонардо да Винчи, Микеланджело и Д. Браманте. Работал во Флоренции и в Риме.

Флорентийский период Рафаэля называют «периодом мадонн». Именно тогда внедрил в свое творчество:

· Подмалевок (рисунок углем на грунте). Начальный этап и конструктивная основа живописного полотна;

· Выработал графическую четкость и гармоничность в линиях картины;

· Принцип уравновешенности масс в композиции картины;

· «Рондо» (круглая форма картины) – как наиболее уравновешенный и гармоничный формат полотен.

В римский период творчества Рафаэль работал в основном по заказу пап в Сикстинской капелле Ватикана. Вместе с тем он решал уже другие задачи – это задача изображение движения. Для этого он стремился с помощью законов перспективы расширить пространство вширь и вглубь; задействовал в изображение и передний план картины, который до этого считался «неприкасаемым»; пытался изобразить движение всего пространства картины навстречу зрителю.

Рафаэль один из первых художников, который выявил на картинах внутренний мир персонажа в портретах и сопоставил его с внешним видом.

Кроме живописи, Рафаэль руководил раскопками античных памятников, изучал их.

Жизнь Рафаэля была короткой, но очень насыщенной, плодотворной с первых произведений. Он смог осуществить свои замыслы в живописи – монументальной, станковой, декоративно-монументальной – и в архитектуре. На протяжении столетий образы, созданные Рафаэлем, являлись эталоном гармонии, совершенства, предметом не только подражания, но и поклонения. Самым прославленным произведением Рафаэля на протяжении столетий остается «Сикстинская мадонна». В этом образе две стороны таланта художника – лирическое и эпическое восприятие мира – объединились в одно целое. Тема мадонн у Рафаэля, здесь, слилась с темой поэтического восхваления прекрасной женщины.

Билет 23

Герб в культуре средневековья. Составные части герба .

Герб – это знак отличия в рыцарской культуре. Герб вобрал и соединил в себе, переработав, с одной стороны, старые родовые или общие для средневековья эмблемы и символы, а с другой стороны, элементы рыцарского и военного обихода.

С течением времени герб сформировал основные составные части, это – щит, шлем, намет, щитодержатель, корона, девиз. В каждой стране герб развивался по-своему. Поэтому нередко и форма щита, и цвет, и др. имели свои различия. Так, например, четырехугольные формы щита были распространены в Испании и Франции; треугольные – в Нормандии, овальный – в Италии, с прихотливо вырезанным краем – в Германии.

Для удобства описания герба его принять на участки. При этом одни из них более важны, другие – менее. Например, правая (со стороны лица, несущего щит) сторона и верхняя часть щита считаются наиболее почетными, что особо важно при сравнении гербов друг с другом.

Со временем в геральдике появляются фигуры людей, зверей, птиц, всевозможные кресты, полосы и т.п. – «гербовые фигуры». Шлем в изображении герба употреблялся преимущественно в личном рыцарском гербе, но он отсутствует в гербах духовных лиц, в женских и городских гербах.

Намёт – это полосы двуцветной ткани, спускающиеся со шлема на герб.

В полных гербах часто используются также щитодержатели – реальные или мифологические фигуры, поддерживающие с двух сторон щит.

Короны в гербах появляются в период расцвета геральдики, которые обозначают принадлежность их хозяина к титулованной знати.

Под щитом, на ленте (хартии)_часто располагается девиз – короткие изречения, либо отдельные слова, выражающие, по мысли написавших их, суть характера человека или рода.

Цвет в гербе не зависит от национальных, исторических или религиозных условий. Символика цвета в гербе самобытна, например:

· золотой – верховенство, величие, богатство;

· серебряный – чистота, радость и мудрость;

· белый – чистота, мир;

· пурпурный – высокородность и власть;

· красный – право, Сида, мужество, любовь;

· синий – искренность, честь и верность;

· зеленый – свобода, радость, надежда;

· черный – постоянство, скромность, покой.

Традиционно считается, что гербы возникли в Западной Европе в 11-12 веках. В Россию герб пришел лишь в конце 16 – начале 17 века.

Билет19

Многогранность таланта Леонардо да Винчи .

Один из основоположенников живописи этой эпохи явился Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописец, скульптор, архитектор, инженер и ученый. Он учился в мастерской А.Веррокьо, работал во Флоренции, Милане, Риме, а также во Франции. Личность Леонардо была и одаренной, и загадочной. Он предугадал изобретение телевидения и летательных аппаратов, проектировал градостроительные сооружения; был одарен во всех видах искусства, включая музыку. Леонардо словно стремился постигнуть все возможности разума человека, понять его место в мироздании.

Главным предметом исследования Леонардо был человек. Он призывал художников к объективному изображению человека. Им была тщательно изучена особенность человека и его движений:

· возрастные особенности человеческих лиц и изменения черт лица, в соответствии с эмоциональным состоянием, с помощью знаменитой леонардовской дымчатой светотени «сфумато», например картина «Поклонение волхвов»;

· анатомия человека, «золотое сечение» в изображении человеческой фигуры, («Святой Иероним»);

· переосмысление горизонтальной композиции картины и попытка построить смысловую композицию, («Тайная вечеря»);

· единая эмоциональная связь между персонажами картины;

· ввел в искусство эстетики понятие безобразного («карикатура»);

· отказ от изображения природы как фона и наделяет ее смыслом, («Мадонна в скалах», «Джоконда»).

Леонардо была создана научная разработка теории живописи для преподавания в Миланской академии художеств. В ней на первое место в обучении он выдвигал искусство перспективы как средство создания на плоскости иллюзии пространства. Таки образом он упорядочил закон перспективы Ф Брунеллески:

· чем дальше предмет, тем он меньше;

· отношение высоты предмета к его ширине на любом удалении сохраняется;

· чем глубже предмет на плоскости, тем короче его линия.

· две линии, идущие в глубину картины, пересекаются в одной точке на горизонте («точка схода»);

· «прямая перспектива» - это один вариант линейной перспективы с точкой схода в центре композиции.

Кроме этого Леонардо да Винчи были открыты законы тональной и воздушной перспективы:

· закон тональной перспективы – чем дальше предмет, тем «холоднее» тон (синеватый);

· закон воздушной перспективы – чем дальше предмет , тем расплывчатей его контур.

«Линия горизонта» у Леонардо – это место геометрического и тонального слияния линии земли и линии неба.

Среди шедевров мирового искусства – «Джоконда» («Монна Лиза») – самая загадочная картина. Она олицетворяет собой материнскую нежность. Картина совершенна, улыбка мадонны загадочна. Кульминация художественного творчества Леонардо – фреска «Тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта-Мария деле Грацие в Милане. Здесь изображен момент из «Евангелия», когда Христос произносит пророческие слова: «Один из вас предаст меня». Леонардо стремится через мимику, жесты, группировку фигур, их силуэты, пластику и колорит выразить происходящую на наших глазах драму Христа. Образ Христа спокоен и ясен. Иуда резко выделяется среди других апостолов. Стремясь усовершенствовать технику фрески, Леонардо прибег к смеси масла и темперы, но она плохо держалась на стене. Поэтому фреска начала стремительно разрушаться еще при жизни художника и дошла до нас благодаря многочисленным реставрациям.

2. Символика православного храма и система его росписи.

Традиционный православный храм имеет определенное деление на части. Каждая такая часть глубоко символична. Так например:

· алтарь, куда входят лишь священнослужители, символизирует царство небесное;

· храм в православии открыт всем верующим;

· притвор храма, предназначенный для оглашенных (готовящихся принять христианство) или провинившихся;

Алтарь ( от лат. «возвышенное место») имеет свое устройство:

· престол – особо освященный стол, на котором во время службы символически присутствует сам Христос;

· антиминс – главный священный предмет храма, помещающийся на престоле – освященный архиереем шелковый плат с изображением положения Христа во гроб и с зашитой в него частицей мощей какого-либо святого;

· «горнее место» - возвышенное место за престолом, считающимся самым святым местом в алтаре, на котором ставится большой семисвечник и запрестольный крест;

· жертвенник – стол, расположенный у северной стены алтаря, на котором все приготовлено для основного таинства христианской церкви – причастия (потир, дискос, со звездицей и покровами, копие и лжица);

· солея – алтарь перед иконостасом с амвоном посередине для произнесения самых значительных слов во время службы и клиросами для певчих по бокам;

· иконостас – алтарная преграда с царскими и дьяконскими вратами. Деление иконостаса на ряды (чины): местный, праздничный, деисусный, апостольский, пророческий.

Символику имеют и объемы храма, например: кубический объем храма со сферическим куполом как соединение земли и неба. Поэтому традиционно в куполе-небе изображают Христа Пантократора («вседержителя») или его лика (Спас Нерукотворный). Там же изображались небесные силы: ангел-«вестник», Херувимы – в виде шестикрылых ликов, Архангелов – в человеческом облике. От купола арочный переход на стены (паруса) – это своеобразный переход от неба к земле, и изображались на нем 4 евангелиста в виде четырех символических животных: крылатый лев – Марк, орел – Иоанн, человек или ангел – Матфей, телец – Лука. На восточной (алтарной) стене: Богоматерь, Восседающая на троне, либо Христос Вседержитель, а так же сцена причастия Апостолов; здесь же изображались святители христианской церкви: Николай Чудотворец, Григорий Богослов, Василий Великий, Иоанн Златоуст и др.;

На остальных стенах разворачивались евангельские истории, начиная с юго-восточного угла. Представлялись основные события в виде иллюстраций 12 основных христианских праздников. На западной стене храма (самой дальней от алтаря): Страшный Суд, Успение Богоматери, Тайная Вечеря.

1.Венецианская живопись Высокого Возрождения (Джорджоне, Тициан).

Венеция – второй по значению культурный центр Италии эпохи Возрождения, со второй половины 15 века. Особенностью венецианского гуманизма был живой интерес к природе, физике и математике. Гуманизм в Венеции, в отличие от флорентийского, сочетал интерес к человеку с не меньшим интересом к природе. В то же время Венеция сохраняла уважение к традициям.

Основоположником Высокого Возрождения в Венеции принято считать Джорджоне (ок.1477-1510).

С творчеством Джорджоне связано превращение Венеции в художественный центр, главной особенностью которого явилось восприятие мира в гармоническом единстве природы и человека. Пейзаж в картинах Джорджоне – сфера бытия человека. Они обычно пребывают в состоянии раздумья, внутренне сосредоточенности. «Спящая Венера» Джорджоне – это идеальное выражение этой гармонии. Пейзаж и Венеру объединяет общая естественность. Поза и силуэт Венеры носит название среди художников – «лодочка», найденная Джорджоне, стала в последующей живописи образной формулой для изображения богини любви.

Главой венецианской школы Высокого Возрождения является Тициан (1476-1576). Он учился у Беллини, испытывал влияние Джорджоне. Работал главным образом в Венеции, но также в Падуе, Ферраре, Мантуе, Риме и др. городах Италии. Он пользовался европейской славой. Творческий путь Тициана охватывает этапы Высокого и Позднего Возрождения. Для его работ характерна свежесть, прозрачность красок, смелая пластическая лепка форм; умелая прозрачная лессировка, которая не скрывает подмалевка и местами обнажает фактуру холста; использование приема «косой перспективы» (резко смещенная от центра композиции точка схода); смелое использование вертикального формата холста; жизненная трактовка мифологических и религиозных сюжетов, например: «Даная», «Кающаяся Мария Магдалина»; тонкий психологизм в портретной живописи.

Искусство Венеции эпохи Возрождения оказало существенное влияние на развитие всех видов искусства, включая музыку, литературу, живопись, декоративно-прикладное искусство и, конечно, архитектуру.

2. Западно - европейская картина. Процесс создания живописного полотна.

Типология живописи по свойствам красок. Функции картинной рамы .

Европейская картина как особый тип изображения возникает в Италии в начале 15 века. Предшественницей картины можно считать – икону. Но между ними есть большие отличия:

· икона обращается к внутреннему миру верующего а картина к глазу;

· икона – это символ, а картина – повествование (рассказ) о чем-либо;

· в иконе преобладает вертикальная композиция, а в картине горизонтально- или вертикально-глубинная;

Картина традиционно строится в несколько слоев:

· Основа картины (дерево, холст, медная доска);

· Грунтовка для выравнивания поверхности и защиты основы от воздействия внешней среды. Бывает двух видов: 1) левкас – белая; 2) болюс – красно-коричневая. Грунт своим цветом сильно влияет на общий колорит картины.

· Красочный слой или красочные слои;

· Защитный слой (лак и олифа).

Живопись всегда делится по типу краски , используемая художником, например:

· ПАСТЕЛЬ – для нее характерно богатство внешнего света, матовая поверхность, мягкость линии. Расцвет постели был в 18 веке и во второй половине 19 века Мастерами постельной техники считались: Шарден, Ренуар, Дега.

· АКВАРЕЛЬ – для нее характерна прозрачность слоев, свежесть и беглость впечатления.

· ЭНКАУСТИКА – восковая живопись. Расцвет энкаустики был в Древней Греции.

· ТЕМПЕРА - на водной эмульсии, в состав которой входило яйцо. Характерна для монументальной живописи – фреске или станковой – икона . Темперная техника применяется для деревянной основы. Это техникой владели первые художники Возрождения: Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль и др.

· МАСЛЯНАЯ КРАСКА – возникла в северной Европе. В Италию пришла по рецептам Яна Ван Эйка. Сначала смешивалась с темперной техникой, но вскоре начинает существовать как самостоятельная техника. Для нее характерна прозрачность красочных слоев. Но с течением времени возникает проблема «старения картины» (трескается красочный слой).

Масляная и темперная техника способствовала возникновению нескольким способам наложения краски на основу:

1. – закраска локальными цветами замкнутых контуров. Такой способ распространен в народном творчестве и в живописи 20 века.

2. – наложение красочных слоев друг на друга так, чтобы нижние слои просвечивали сквозь верхние – это лессировка. Такая техника использовалась художниками Нового времени до конца 19 века.

3. – наложение краски мелкими мазками с тем, чтобы они сливались в единство лишь в восприятии зрителя. Такой способ появляется во второй половине 19 века у импрессионистов.

Немаловажную роль в картине имеет ее формат ( горизонтальный, вертикальный, круглый очень редко квадратный). От этого очень сильно зависят выразительные возможности картины и ее восприятие зрителем. Горизонтальность свойственна для пейзажа, батальных и многоплановых картин, групповых портретов. Вертикальный формат имеет свойство акцентировать внимание зрителя на чем-то важном, поэтому он часто используется в портрете. Круг замыкает пространство картины и концентрирует внимание зрителя в центре композиции. Эта форма была любима художниками Возрождения.

Важную функцию несет за собой картинная рама. Она как бы замыкает пространство картины и отрывает ее от плоскости стены. Недаром картинную раму подчас сравнивают с оконной рамой. Картина – это своеобразное окно в тот мир, который показывает нам художник. Порой рама является смысловым продолжением картины, ее рисунок гармонично сливается с изображенным на картине. Нередки были случаи, когда художник писал картину, отталкиваясь от узора рамы.

№17.

1.Протестантский настольный алтарь (Ян Ван Эйк, Босх).

С приходом протестантизма в земли северной Европы в богослужении упраздняется большинство внешних атрибутов религиозного культа: иконы, алтарь, крест, священство т.д. За основу берется личное общение верующего с богом. Огромные церковные иконостасы заменяются небольшими, как церковными, так и домашними молельными алтарями, в виде небольших деревянных складень.

Настольные складни имели повседневный вид – закрытый, и праздничный – открытый. Самым известным алтарным художником был Ян Ван Эйк – крупнейший нидерландский художник первой половины 15 в. Ему принадлежит заслуга усовершенствования техники масляной живописи Для его алтарей характерна ярусная композиция закрытого и открытого алтаря. Примером служит «Гентский алтарь».

Закрытый алтарь делился на три яруса: верхний, средний, нижний.

· Верхний – изображал персонажи священной истории, которые предсказали появление Христа;

· Средний – сцена Благовещения (архангел Гавриил возвещает деве Марии о том, что она станет матерью Сына Божьего);

· Нижний – заказчики, предстоящие перед Иоанном Крестителем и Иоанном Богословом;

Открытый алтарь имел два яруса:

· Верхний – изображал Бога-отца в центре, справа и слева от него – Мария и Иоанн Креститель;

· Нижний – панорама «Поклонение Агнцу», которая символизирует крестную жертву Христа.

Проникновенность каждого образа, любовь к деталям, почти ювелирная проработка любого фрагмента – характерная манера Ван Эйка.

Некоторые художники уходили от схемы, предложенной Я.Эйком, прибегая к свободной композиции алтаря, внося сои изменения.

Хочется остановиться на алтарях другого художника – Иеронима Босха. Босх сочетал в своих картинах фантастические представления, мрачные демонические образы с жизненными наблюдениями. Источниками фантазий Босха были народные суеверия и фольклор. Преувеличенно высмеянные фигуры людей нарушая гармонию природы. Наиболее известными произведениями Босха являются складни «Искушение св. Антония», «Воз сена», «Сад земных наслаждений».

Алтарь Босха «Сад земных наслаждений» - это священная сатира на греховность человеческого существования. Для нее характерна трехчастная композиция внутренних створок алтаря: слева – Рай, справа – Ад, в центре – искушения земной жизни.

Крупнейшим художником Высокого Возрождения в Нидерландах признан Питер Брейгель Старший по прозвищу « мужицкий», за то, что главными персонажами его картин являются крестьяне и их жизнь. В его творчестве преобладают жанровые картины, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт. Для всех картин свойственна одна тема – «человек - это малая и неразумная часть природы».

Билет экзамен .

Фреска. Её особенности .

Фреска – это вид монументальной живописи, основой которой, главным образом является стена. Фреска любит большие плоскости, широкие линии и предельно лаконичный язык. Фреске нужна темперная краска – это водяная краска, но ее связующим веществом является известь. Живописец пишет прямо на стене по еще не высохшей штукатурке. Отсюда и название: итальянское «fresco» - «свежий». Основной трудностью является необходимость быстро работать. Художник должен докончить начатое, пока штукатурка не высохла, то есть в этот же день. И если происходит ошибка, то живописец вынужден сбивать весь слой штукатурки на соответствующем участке, накладывать и расписывать ее заново. Ясно, что такая техника требует четкого видения всей композиции и уверенной руки.

Во фреске и грунт, и связующее вещество одно – известь. Такое единство препятствует осыпанию краски. Но зато известь подвержена сильной химической реакции, портящая некоторые краски. К тому же, живописец должен предусмотреть значительное высветление красок при высыхании извести.

Фреска известна уже в античности. Правда, античные мастера полировали до блеска горячим воском поверхность готовой фрески, что придавало ей сходство с энкаустикой. В средние века античная техника забывается, но вырабатывается новая. До 14 века очень популярной был фресковый прием «al secco» (ит. «по сухому», то есть по сухой штукатурке). Постепенно именно этот прием приводит к расцвету фрески в 15 веке, когда в школе Джотто создается смешанная техника, получившая название «buon fresco» (ит. «хорошая фреска»). Современники так описывали эту работу Джотто. Сначала наносился первый слой штукатурки, состоящий из двух частей песка и одной части извести, перемешанной с водой. На этом первом, довольно толстом слое по высыхании рисовали квадратную сетку, по которой наносили углем рисунок . Сверху всё это покрывали вторым слоем штукатурки – тонким и гладким, сквозь который просвечивал угольный рисунок. По нему и выполнялся окончательный вариант фрески. А вскоре, в 1400 году, был окончательно введен способ перенесения рисунка с большого картона выполненного в натуральную величину, путем протыкания контура и присыпки его толченым углем. Теперь фреску можно было заранее тщательно подготовить.

С 15 века фреску вытесняет станковая живопись, мене дорогостоящая, простая в исполнении. Фреска остаётся лишь предметом украшения интерьеров церквей и соборов. Особенно в России.

№ 18.

1. Театр английского Возрождения.

Известно, что театр появляется еще в древние времена. Сначала это было праздничное действо, связанное с языческими обрядами. Праздничные мистерии и послужили началом театрального искусства, которое было весьма популярно в античные времена. В эпоху Возрождения, в Англии, театр становится одним из ведущих видов искусства, популярный среди населения. Необычным успехом пользовались представления моралите (театральные действа, основанные на библейских сюжетах) на протяжении 14-15 веков. Затем в моралите появляются «светские» персонажи: Ум, Наука, Природа, Гражданский порядок, Община, Узурпация и т.д. Появляются интерлюдии – «игры между» любыми действующими лицами, как пьесы чисто светского характера. В начале 16 века английская знать начинает увлекаться «античным репертуаром», что сразу же отразилось на репертуаре бродячих театров.

На смену бродячим театрам постепенно приходят стационарные. В городах появляются новые здания – здания театров. Они сразу получают большую любовь и популярность. У каждого театра было свое название: «Лебедь», «Красный бык», «Глобус».

Самым известным драматургом и актером того времени, был Вильям Шекспир. Творческий путь которого начинался просто: актерство, переписывание ролей, переделка пьес, а затем сочинение собственных произведений. Сюжеты Шекспира – это: современная итальянская новелла, биографии греческих и римских деятеле, английские средневековые хроники. Шекспир становится директором собственного театра, не бросая при этом писать пьесы. Его театр, недавно отреставрированный, носил название «Глобус». Примечательно было его устройство – это гостиничный двор с галереями, двухэтажная сцена на столбах. Пространство сцены четко делилось на условные функции:

· Просцениум – сцены на открытом воздухе, во дворцах или залах;

· Пространство перед столбами, поддерживающими второй этаж – сцены внутри домов;

· Пространство между столбами – ночные или интимные сцены;

· Второй этаж – сцены в спальнях.

Театр Шекспира отличался крайне условными декорациями. На пустой сцене висели лишь таблички с надписью, указывавшей место, где разворачивалось действие: «лес», «замок», «дворец» и т.д. Но при крайней условности декораций, костюмы отличались максимальной подлинностью, с тщательно продуманной отделкой дорогих костюмов.

Билет экзамен .

Дата добавления: 2018-09-22; просмотров: 1460; Мы поможем в написании вашей работы!

Поделиться с друзьями:

⇐ Предыдущая 1 2 3 456 7 8 Следующая ⇒

Мы поможем в написании ваших работ!