Тёплые и холодные цвета в живописи. Как научиться отличать

Александр Григорьев-Саврасов 2017-12-25 в 05:12

Скажите, а Вы знаете, как отличить тёплые цвета от холодных, и зачем вообще это нужно живописцу?

Часто наблюдаю, как начинающие художники выкрашивают поверхности своих холстов в локальные цвета. Например, если предмет зелёный, то используют только светло-зелёный и тёмно-зелёный, если предмет красный, то ситуация такая же, отличие только в светлоте тона.

“И где тут живопись?” — спрашиваю я. Ответ примерно такой: если картина выполнена в красках, значит, живопись. Логика железная — не поспоришь. Если человек не видит разницы, не хочет её наблюдать — нет смысла обращать его в свою веру.

Хотите Вы знать или нет, но живопись, прежде всего — игра тёплых и холодных оттенков. Предмет может быть зелёным, но этого мало. Вы должны написать его с учётом освещения, рефлексов, пространства, а значит, разным: где нужно — тёплым зелёным, где нужно — холодным.

Пётр Кончаловский

Николай Фешин

Как писать оттенками, а главное, как научиться их видеть — секрет для начинающих художников. Многим хочется писать живо, как импрессионисты, цветно, но бездумная мазня не даёт таких результатов. Краски либо находятся в диком соседстве по отношению друг к другу, либо все плоскости выкрашены локальными цветами.

Давайте разберёмся, чем отличаются тёплые цвета от холодных, и начнём с аналогии: тёплые, значит, близкие к цвету огня — охристые, оранжевые, жёлтые. Сомневаетесь, посмотрите на пламя свечи — какие цвета будут преобладать?

А если мы будем наблюдать всё ту же свечу, но на фоне, например, окна, за которым зима, снег, сумерки, то фон, окружающий пламя, будет холодным, и чем дальше от горящей свечи, тем больше.

Таким образом, огонь и лёд — яркие примеры двух противоположностей. Весь цветовой спектр мы можем поделить на тёплую и холодную зоны.

Для тех, кто не понял: тёплые — это охристые, оранжевые, жёлтые цвета, а холодные — голубые, синие, фиолетовые. Также важно знать, что наличие одного цвета не даст Вам ответ на вопрос, какой он — тёплый или холодный, потому что в каждом случае нужно сравнить его с близлежащим, то есть увидеть отношения двух оттенков.

Если научиться отличать крайние точки в спектре (жёлтый от фиолетового) по теплохолодности просто, то работать с оттенками, близкими по световому контрасту, но отличающимися по цветовому тону, следует учиться.

Нужно тренировать свой глаз, уметь видеть, как я рассказывал в статье ("Научиться рисовать — значит, научиться видеть), а также знать, как логически вычислить, почему тот или иной цвет будет присутствовать в общей гамме.

Если Вы не видите оттенков, это не значит, что их там нет. Начните рассуждать, и всё встанет на свои места. Ответьте себе на вопрос, какой и где расположен источник света? Если искусственный, то освещение тёплое, естественный — холодное.

Если свет холодный, то тени будут тёплыми, если тёплый — холодными. Пишите, используя категорию не светлее — темнее, а холоднее или теплее, тогда это будет живопись, а не растяжка от светлого до тёмного.

Те, кто считают, что импрессионизм — это когда на картине эффектно уложены мазочки (пёрышками, квадратиками, кружочками), понятия не имеют, о чём вообще идёт речь, какие задачи ставил художник и какими средствами их решал.

Импрессионизм в живописи — это мгновение, переданное в динамике мазка, фактуре, острой композиции пятна, но именно цвет — приоритет для художника, работающего в данном направлении. Там, где мы говорим о цвете, мы говорим о теплых и холодных оттенках, о верно взятых цветовых отношениях, о колорите в целом.

Когда Вы пытаетесь копировать работы известных импрессионистов, не следует уделять много внимания мазочкам. Старайтесь понять, как художник работал с цветом, почему колористический строй картины сложился так, а не иначе, копируйте цветовые отношения, избегая глухих случайных пятен на своей работе.

Вообще, копирование — пустая трата времени, особенно когда Вы подражаете мазкам оригинала, а не цветовой логике. Рекомендую писать с натуры, конструируя колорит согласно тем данным, которые Вы можете наблюдать воочию, а не на фотографии.

Преимущество натуры в том, что Вы уверенно можете сказать, какое освещение — искусственное или естественное, а значит, тёплое или холодное, и из этого выстроить колорит. Не менее важную роль будет играть цвет самих предметов и то, как Вы сначала увидите, а затем возьмёте на палитре верные отношения (тональные и цветовые).

Недавно у меня состоялся разговор с одной из начинающих художниц. Я привёл пример живописи яркой, сочной, звонкой, построенной на цветовых контрастах и сложных замесах.

Сравнив натуру и предложенную мной как пример работу художника, она убежденно сообщила, что так не видит. И откуда взялись все эти яркие цвета, если их там нет, и сколько не пучь глаза, всё равно не увидишь.

Это правда, пучить глаза на натуру — занятие бесполезное, так как мы видим не глазами, а мозгом. К счастью, мозг универсален, его можно научить чему угодно. В нашем случае следует учиться видеть — наблюдать не сам предмет, а как он расположен в пространстве и как взаимодействует с другими предметами.

Важно, когда мы создаём колорит, мы его не копируем. Натура — лишь источник данных, интерпретируя которые, мы берём её логику, но, например, контрастность или мягкость цветовой гаммы выбирается индивидуально, как и общий цвет всей работы (у каждого живописца будет свой).

Один и тот же натурный сюжет живописцы могут написать в разных колористических гаммах, общий цвет их работ будет разным (в одном случае красноватым, в другом — зеленоватым, коричневым). Но отношения в самих произведениях как тональные, так и цветовые в каждом случае будут близки, потому что не выдуманы, а взяты с натуры.

Вывод: нам нужно научить себя видеть так, чтобы натура стала источником данных, а мы при этом не стали их заложниками. Выражение “раб натуры” будет уместным в том случае, если художник всеми силами пытается скопировать то, что он видит.

Если до сих пор Вы меня не услышали, попробую выразиться яснее. Нам не нужна натура для её копирования, нам нужно взять у неё только необходимое, а именно, тональные и цветовые отношения между изображаемымы предметами, их пропорции и характер. Все ненужные детали можно не заметить, также мы не будем повторять невыгодные ракурсы объектов и нарушать логику передних, средних и дальних планов.

Вы хозяин своего холста, Вам решать, кто станет главным героем сюжета, важно лишь не фантазировать абстрактно и не превращаться в “раба натуры”.

Чтобы научиться отличать тёплые цвета от холодных, сначала поймите, в чём их отличие, а затем наблюдайте их в натуре и, конечно, действуйте! Только опыт поможет раз и навсегда разобраться в этом вопросе.

Тёплые цвета и холодные

Спектр, который мы привыкли видеть, как ни крути, делится на теплые цвета и холодные цвета. Восприятие тех и других заложено в их названии. Первые создают атмосферу уюта, настраивают на положительный и спокойный лад. Вторые же выглядят строго, торжественно, немного отчужденно. Исходя из этих параметров, собственно говоря, и подбираются оттенки, с помощью которых оформляют различные помещения, подбирают одежду людям той или иной профессии, создаются шедевры искусства. Как делятся цвета По стандартной схеме теплые цвета и холодные цвета – это оттенки от красного до желтого и от синего до зеленого соответственно. Стоит сказать, что подобное деление весьма примитивно, так как все мы прекрасно знаем, что тот же розовый (казалось бы, оттенок красного) может быть и теплым, и холодным. На самом деле все зависит от так называемого подтона, который придает основному цвету нотки строгости или же, наоборот, делает его более мягким.

Поэтому теперь давайте рассмотрим не теплые цвета и холодные цвета, а соответствующие оттенки, которые и решают все. Итак, теплый спектр создают: красный, цвет охры и оранжевый. Ему противоположный холодный образуется с помощью белого, серого, синего, лимонно-желтого, черного и голубого. Стоит отметить, что в первом случае самым теплым подтоном является охра, а во втором больше всего «льда» любой картине добавляет именно белизна.

Наглядные примеры Сравнить теплоту и холод в цвете можно на примере синего. Если в такую краску добавить белила, чернила или же их смесь (то бишь, серый), то оттенок сразу станет отчужденным, мрачным. В то же время достаточно одной капельки красного или охры, чтобы стандартный синий превратился в яркий тон, который напоминает чистое небо в середине весны. Конечно же, этот цвет будет теплым. Аналогичный эксперимент проводится и с красным. При добавлении в него синьки мы получаем сиреневый, а при смеси с охрой цвет становится теплым, осенним, слегка золотым. Теплые цвета и холодные цвета ярко прослеживаются в картинах известных художников. Полотно Айвазовского «Штиль у крымских берегов» написано с помощью, казалось бы, холодных оттенков – голубой, белый, синий и розовый. Тем не менее в картине косвенным образом присутствует красный цвет, который все вышеупомянутые превращает в теплые. Ближе к берегу море отдает бирюзой, на линии горизонта становится сиреневым. Конечно же, в картине много холодных тонов, но глядя на полную композицию можно с полной уверенностью заявить, что это теплый пейзаж.

Пробуем идентифицировать спектр Человеку, который не имеет отношения к живописи, порой трудно понять, как делятся между собой теплые и холодные цвета. Таблица в таком случае становится наглядным пособием, к которому можно обращаться в случае путаницы. А для того чтобы научиться самостоятельно идентифицировать оттенки, спросите себя: чего больше в картине – белил или золота? Ответ будет очевидным. Зная, какие цвета холодные и теплые, можно наиболее лаконично составить образ человека. Работнику банка под стать будут именно строгие тона. Дизайнеры, музыканты и прочие представители творческих профессий чаще выбирают теплые тона в одежде. Так с ними легче общаться, они своим образом располагают к дружбе и компромиссу.

- Читайте подробнее на FB.ru: http://fb.ru/article/125940/kak-razlichayutsya-mejdu-soboy-teplyie-tsveta-i-holodnyie-tsveta

31. Техника монохромной живописи, гризайль.

Общие сведения. Гризайль – это разновидность живописи, которая традиционно выполняется с использованием одного цвета с его тоновыми вариациями. Изначально данная техника была задумана как некий инструмент, позволяющий детально отображать рельефные фигуры. Позднее ее стали использовать в качестве визуального изображения современного декора в интерьере.

В особенности она незаменима была для проектировщиков, так как помогала сделать предполагаемые макеты объемными и реалистичными. Еще позже техника гризайль начала применяться при оформлении помещений. Например, картины с изображением различных предметов декора, созданные при использовании данного стиля, стали неотъемлемой частью любого интерьера.

На что похожа техника? Используя данную технику, художники старались максимально точно перенести на бумагу объемные изображения. Поэтому картины получались весьма реалистичными. По словам экспертов, все детали настолько четко передавались, что их почти нереально было отличить от настоящих скульптур и рельефных фигур. Если сравнивать такие картины с современными веяниями в живописи, то они явно имеют много общего с рисунками в стиле 3D.

Где раньше использовалась? Спустя некоторое время техника гризайль стала использоваться в так называемой станковой живописи. Но и здесь этот вид искусства вынужден был выполнять лишь второстепенную роль. В большинстве случаев он применялся как вспомогательный инструмент. Например, с его помощью создавались различные эскизы, макеты и даже делалось масштабирование зданий и сооружений.

И только спустя много лет было решено отделить гризайль от станковой живописи, перенести его в отдельную группу изобразительного искусства. Во время славной эпохи барокко, гризайль (техника рисования) играла важную роль при создании различных архитектурных барельефов. К примеру, некие элементы этой необычной техники попали на потолки и стены Эрмитажа. Есть они и на стене Иорданской лестницы. Актуальные элементы техники гризайль применялись при изготовлении человеческих изваяний под сводами, во время создания эффекта резной стены и атриума. Примеры техники в живописи Одним из ярких примеров картин, созданных в этой технике, является полотно «Проповедь Иоанна Крестителя», некогда написанное Рембрандтом. Ныне оно находится в Берлинском государственном музее. Использовал гризайль в живописи известный испанский художник и скульптор Пабло Пикассо. К примеру, именно эту технику он применил в своей «Гернике».

Напомним, что эта картина была создана автором по персональному заказу представителей власти Испанской Республики. Впервые она была представлена на Парижской Всемирной выставке. Полотно выполнено в черно-белой гамме с использованием элементов кубизма. На ней запечатлено одно из самых печальных событий, произошедших в период гражданской войны в Испании, – бомбардировка города. Известные цветовые вариации Как правило, гризайль - это всего один или два цвета, чаще всего бело-коричневый или черно-белый оттенок. Еще раньше, как вариант палитры данного вида искусства, использовалась так называемая сепия. Она представляла собой особое красящее вещество, которое можно было получить, применяя чернильный мешок морской каракатицы. Сепия интересовала художников преимущественно до 18-го века. Со временем в палитре стали преобладать красноватые тона. Современные же мастера используют любой цвет и оттенок, способные передать изначальную авторскую идею художника. К примеру, это может быть работа с использованием сиреневого, серого или коричневого цвета. Помимо этого, во время применения техники гризайль разрешается пользоваться специальными художественными белилами.

Почему так важно освоить эту технику? Поскольку гризайль – это живопись, основанная на передаче тона при помощи тени, света и цвета, ее рекомендуют досконально изучить начинающим художникам. Как говорят опытные живописцы, определять палитру предметов несложно. А вот четко видеть, насколько один объект светлее или темнее другого – это настоящее искусство. Кроме того, использование данной удивительной техники дает возможность выстроить правильный тональный масштаб. Причем делается это при использовании особой тональной шкалы, состоящей примерно из 5, 7 или 9 полутонов. Все это можно освоить, научившись рисовать в стиле гризайль. И только лишь после изучения данной техники стоит переходить к применению многоцветной акварели.

Рисование (гризайль): разновидности Данный вид техники условно можно разделить на две разновидности: художественную и учебную. В частности, первая позволяет создавать невероятные объемные картины при помощи разноцветных красок. А вот второй вариант выполняется либо жирным карандашом, либо угольком. К слову сказать, учебная техника используется при создании базовых эскизов, на которые со временем наносятся различные цветовые оттенки. Считается, что при помощи гризайли можно разбивать условную форму (на бумаге) сразу на несколько видов поверхностей. Это может быть боковое, верхнее, подрезающее и фронтальное изображение. При этом некоторые мастера во время обучающих занятий художников-новичков предпочитают делать гризайль акварелью (одноцветной). Иные же, помимо нее, стараются использовать акрил, масло или темперу. Также рекомендуется применять чернила, жидкий раствор туши либо сепию. Идеальным вариантом в данном случае будет и использование трех тонов красок, которые отбираются по своей цветовой интенсивности или насыщенности. Причем первый из них, как правило, используют при условном обозначении теней, исходящих от предметов, следующий – с целью освещения полутонов, а последний – для отображения ярких бликов и светлых областей изображаемых объектов. С чего начинается обучение? Обучение технике гризайль начинать стоит с традиционных и простых натюрмортных постановок. Примечательно, что при их составлении лучше всего использовать самые обычные модели и предметы. К примеру, это могут быть тарелки с фруктами, цветочные вазы или любые объекты из домашней утвари. И только потом можно переходить к боле сложным элементам, например к фигурам людей.

Как это работает? Рисование в стиле гризайль выполняется по следующей схеме: Делается набросок карандашом. Наносится легкий слой краски - буквально несколько штрихов, исключая светлые места объектов. Работа сохнет. По мере высыхания ученик должен найти на рисунке тени. Он закрашивает их на тон темнее. После высыхания обозначаются места с полутонами. В заключительной стадии светлым тоном выделяются самые освещенные места и блики. Считается, что после нескольких таких занятий у студентов разрабатывается чувство последовательности в работе. Одним словом, гризайль считается первой ступенью на величайшей лестнице современной живописи. –

Читайте подробнее на FB.ru: http://fb.ru/article/276269/tehnika-grizayl---eto-vid-jivopisi-grizayl-v-jivopisi-opisanie-i-osobennosti

В одном из недавних постов об акварельном карандаше я упомянула технику "гризайль", не пояснив что это такое. Оправданием мне может служить невозможность (а может и нежелание ) рассказать в двух словах об этой интересной и мало известной (под своим названием) технике. Исправляю свою невольную оплошность.

Вот что сказано об этой технике в википедии: "Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид однотонной (монохромной) живописи, выполняемой в разных тонах одного цвета, чаще всего сепии, а также техника создания нарисованных барельефов и других архитектурных или скульптурных элементов."

Но мне кажется, этого маловато, чтобы понять о чем речь. Вот выдержки из статьи на весьма интересном сайте Александры:

"Гризайль – это одноцветная живопись. Переходное звено между рисунком и живописью. Первое учебное задание по живописи для тех, кто только начинает обучаться рисованию, это гризайль. Почему так?

Самое сложное для того, кто только начинает работать с краской – это передача тона с помощью цвета. Обычно, любой нормальный человек может легко назвать цвет предмета, хотя бы приближенно – красный, зеленый и так далее. Но с трудом может определить, как несколько предметов соотносятся между собой тонально – что темнее, что светлее, а если светлее, то насколько…Это не всегда легко определить даже профессиональному художнику, поэтому часто используется простая логика, которая присутствует и в рисунке и в живописи: то, что ближе – светлее и контрастнее, дальше – более размыто и однородно по тону. Но, понятно, что решать задачи светотеневой моделировки намного проще используя только один цвет. Скажем, привычный цвет карандаша – тогда переход к краскам будет гораздо легче.

Постепенно гризайль заняла свое место и в так называемой «станковой» живописи – вначале, как вспомогательный инструмент, для эскизов, а потом и как самостоятельный вид живописи. Соответственно, расширилась и палитра. Появилась «сепия» – краска, которую изготавливали из чернильного мешка морского моллюска каракатицы. Использовалась она европейскими художниками с середины 18 века при рисовании пером и кистью. Затем гризайль стала синей, красноватой.

Гризайль сейчас не слишком популярна, она кажется более простой, по сравнению с «настоящей» многоцветной живописью. А мне она напоминает черно-белую фотографию: та же лаконичная выразительность и очарование!"

И немного об истории возникновения этой техники с сайта :

"Гризайлью очень часто пользовались при декоре интерьеров русских дворцов стилей классицизма, ампира, образцы которых сохранились до наших дней, особенно в Москве, Ленинграде, Ярославле, Калуге.

Нужно отметить, что итальянские художники эпохи Ренессанса, работая над буон- фресками- по сырой штукатурке, сначала переводили рисунок с рабочего картона на штукатурку припорохом (на бумаге по рисунку делают дырочки, затем прикладывают припорох к стене и проводят по контурам мешочком с угольной пылью) или нажимом по контурам рисунка на картоне острым предметом: гвоздем, колесиком с зубчиками, после этого писали на стене мягкими кистями однотонными черно- серыми пигментами, разбавляя их водой. Потом по гризайли наносили белые блики известковой водой, а затем уже прописывали цветными лессировками кусок стены до среза- шва. Объем работы на 1-2 часа до затвердения штукатурки, когда она уже не принимает известь и твердеет, а стенопись становится не прозрачной, как во фреске, а мутно- грязной. Постепенно вводили цветные пигменты мазками в разбавлении с известковой водой, при этом фигуры и предметы в тенях прописывали акварельно, лессировочно, а освещенные- корпусно, пастозно мазками. Таким- же методом писали фрески древнерусские живописцы Андрей Рублев, Дионисий и другие. Важно отметить, что обязательным этапом этой работы была гризайль.

А создатели высокохудожественных, виртуозных по исполнению альфрейных стенописей в XVI-XIX веках в интерьерах зданий (Останкинский дворец, Архангельское, Кусково, Братцево и др.) писали клеевыми красками, накладывая их корпусно плотной массой, а не лессировочно, причем составляли основные колера разбеленных тонов от черного к серому и белому или от коричневого до белого. Делалось это для того, чтобы в стенописи раскрывать сразу огромные плоскости в технике темперы или фреско- секко- по сухой штукатурке. Таким образом получалась гризайль. При такой технике не нужно было ограничивать работу художника одним- двумя часами до затвердения штукатурки, как в "буон- фреске" (по сырому), когда штукатурка со временем перестает принимать пигменты, связываться с известью. К тому- же составление основных колеров и работа ими объединяет колористическую гамму всей стенописи, исключая дробность в цвете, когда "выскакивают" из общего цветового решения гризайли отдельные яркие пятна, что особенно важно при создании больших плоскостей. Это не значит, что художники альфрейной живописи писали только колерами. Они вводили отдельные дополнительные цвета, например, при изображении серо- белой гризайли для изображения рефлекса в тенях- желтую охру, английскую красную, зеленую и другие цвета, что придавало живость и разнообразие колориту стенописей.

Художники XVIII-XIX веков, работавшие в станковой живописи масляными красками, во многих случаях переводили рисунок композиции на холст, затем на первом этапе делали гризайль или серо- белую, или сепией, охрой красной, английской красной тонкими слоями лессировочно с прокладкой освещенных частей фигур белилами. Таким образом в живописи выявляются сразу объем, рельефность, соотношение частей композиции в тоне. После просыхания красок в конце этого этапа живописи художник приступал к работе различными цветами, к полихромной живописи. Так писали Александр Иванов- сохранились эти этюды гризайлью к картине "Явление Христа народу"; Карл Брюллов выполнял гризайлевые эскизы к картинам, портретам.

В последующем, начиная с XIX века, некоторые художники живописцы стали писать маслом на холсте методом "а ла прима", то есть сразу без предварительного этапа гризайли и даже без подмалевка. Такие мастера "снайперской" живописи, как швед Цорн, немец Ленбах, расские живописцы К. Коровин, Ф. Малявин, А. Архипов и другие, достигли больших успехов в передаче быстро изменяющейся действительности и особенно активной фактуры живописной поверхности. "

Гризайль

Внешние створки триптиха«Поклонение волхвов» И. Босха

Не следует путать с термином «Глизаль».

Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид живописи, выполняемой тональными градациями одного цвета, чаще всего сепии или серого, а также техника создания нарисованных барельефов и других архитектурных или скульптурных элементов. В гризайли учитывается только тон предмета, а цвет не имеет значения.

Содержание

[скрыть]

· 1В живописи

· 2В архитектуре

· 3Источники

· 4Ссылки

В живописи[править | править код]

Техника гризайли широко использовалась в станковой живописи в Средние века. Примером может служить Алтарь Геллера, созданный Маттиасом Грюневальдом и Альбрехтом Дюрером по заказу богатого франкфуртского купца Якоба Геллера. Кисти Грюневальда принадлежат внешние створки, на которых изображения святых имитируют скульптуру.

Другим известным образцом гризайли является картина Рембрандта «Проповедь Иоанна Крестителя» (1634—1635) из коллекции Государственных музеев Берлина. Для такого рода рельефной техники живописи часто использовалась гризайль.

Стилистические элементы техники гризайли использованы Пабло Пикассо в картине «Герника».

В архитектуре

искусственный барельеф

Для создания искусственных барельефов техника часто использовалась в эпоху барокко. Так, например, потолки и стены некоторых залов Эрмитажа (например стены Иорданской Лестницы) используют эту технику для создания впечатления атриумов, скульптур под сводами и резных стен.

Гризайль - это прекрасно

· 3 май, 2010 в 3:28

Гризайль (франц. grisaille, от gris — серый), вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Игра света и тени достигается с помощью полутонов или сочетания с белым цветом.

Техника гризайль широко распространена в декоративном и прикладном искусстве: набивке (печатании рисунков) тканей и обоев, росписи фаянса. Рисунок углем или сангиной повторяет этот вид живописи.
Разница лишь в цвете: изображение углем черно-белое, сангиной — красно-коричневое, а гризайль — это обычно серый или синий цвет. Гризайль часто применяется в гравюре.

Рисунок на медной пластине, выполненный синей краской, заполняющей вытравленные заранее углубления, называется лавис. Этот прием используется для передачи объемности формы.

«Фрагмент росписи на фасаде старинного дома.(3)» Из альбома Орвието. Умбрия.

«Фасад жилого дома (2).» Из альбома Орвието. Умбрия.

«!!!» Из альбома

«Роспись свода в Миловиде» Из альбома Царицыно. На следующий день после официального открытия
Музей-заповедник "Царицыно"
Роспись цилиндра ложного свода кессонов в технике гризайль в павильоне "Миловида" ...
В архитектуре кессоны (фр. caisson — ящик) — кассеты, квадратные или многоугольные декоративные углубления в потолочном своде или на внутренней поверхности арки.
Кессонированные перекрытия иногда делались из дерева и часто использовались для оформления интерьеров ренессансных дворцов. В Италии в период Ренессанса художники расписывали кессоны сюжетами, как правило, на мифологические темы.

«Над головой не лепка, это гризайль» Из альбома Переяслав-Хмельницкий
Гризайль применяется с 17 в., широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа (дворцы городов Пушкина, Павловска, актовый зал старого здания Московского университета, московские дворцы 18 в. в Останкине, Кускове и др.). Гризайль называют и росписи одноцветной эмалью (серой, коричневой, розовой) с прорисовкой в которых также достигается эффект рельефности изображения.

«Фрагмент плафона» Из альбома Петровский дворец

«Плафон купола» Из альбома Петровский дворец

«Стрельчатые окна» Из альбома Петровский дворец
Центр главного здания образовывает круглый зал, увенчанный великолепным куполом высотой 16 м. В его барабане сделаны стрельчатые окна, придающие залу зрительное ощущение наполненности светом.
Сейчас купол дополнительно подсвечен каймой из электрических свечей.

«Роспись потолка в технике "гризайль"» Из альбома Ватикан

«Ватикан. Плафон галереи. "Гризайль"» Из альбома Рим, Флоренция, Неаполь

«Елагиноостровский дворец. Туалетная» Из альбома Елагиноостровский дворец. Интерьеры
Декоративную роспись потолка и фриза в технике гризайль исполнил художник Дж.-Б.Скотти. Падуги украшают четыре сюжета - игры амуров, символизирующие разные виды искусств, и арабески с камеями.

«Иероним Босх (ок. 1460 -1516) Cцены Страстей Христовых» Обратная сторона картины "Cвятой Иоанн Богослов на Патмосе"
1504-05гг., дерево, гризайль, Берлин-Далем, Государственные музеи, Германия

«Берёзовый домик,Плафон» Из альбома Гатчинский дворец и парк
Плафон "Зефиры" написан масляными красками по холсту.Сердцевину его окружает роспись в стиле "гризайль",имитирующая лепнину.Благодаря этому плафону, небольшие размеры Берёзового домика явно увеличиваются в высоту и даже в пасмурный день плафон лучится солнечным светом.

«Роспись Таврического дворца в технике Гризайль.» Из альбома Музеи

Таврический дворец, Из альбома Музеи

«Роспись Таврического дворца в технике Гризайль.»

«Таврический дворец. Живопись в стиле "гризайль".»

Андреа дель Сарто

Иероним Босх(ок. 1460 -1516)Христос, несущий крест 1505-06 гг., дерево, гризайль
Национальный музей древнего искусства, Лиссабон, Португалия

Иероним Босх

Курт Веннер

Валерия Кравчук Натюрморт гризайль, http://www.artvaleri.ru/work/1/

Mantegna Andrea "Judith with the head of Holofernes"

Каталония, фрагмент церковной росписи, http://art.polisma.ru/Catholic/Chatol9.htm

Андреа Мантенья Самсон и Далила 1495 г.

The three Magi before Herod, France, early 15th century

ВОЗДУШНАЯ ПЕРСПЕКТИВА

Размытость или потеря ясности очертаний отдаленных объектов, вызванная атмосферой. Эффект возникает из-за исчезновения цвета и контрастности яркости между отдаленными объектами и фоном. Это один из монокулярных сигналов для восприятия глубины.

Дата добавления: 2018-06-27; просмотров: 2474; Мы поможем в написании вашей работы!

Поделиться с друзьями:

⇐ Предыдущая 2 3 4 5 6 7 8910 11 Следующая ⇒

Мы поможем в написании ваших работ!