Онтология взаимоотношений персонажей и их семантика в японской анимации

М. Бахтин, рассматривая радикально новые авторские позиции по отношению к воображаемому человеку, отмечал, что дело идет не об открытии каких-то новых черт или новых типов человека, которые могли быть открыты, увидены и изображены, а в том, что представляется возможность создания нового целостного аспекта человека – «личности» (Аскольдов) или «человека в человеке» (Достоевский).[87] В этом плане японская анимация предоставляет показательный процесс творческий создания нового целостного аспекта человека. Конечно, в ней человек представлен в футурологическом, рисованном или гротескном плане, но, как правило, и японские аниматоры стремились и стремятся увидеть человека глазами другого человека, выявить сугубо человеческие психо-эмоциональные, клановые и иные связи. Здесь представительным для исследования материалом являются аниме-сериалы, в которых действуют немногочисленные, но сплоченные группы друзей, одноклассников, воинов и другие команды, объединенные онтологическими признаками. Они могут иметь социальные или профессиональные или жертвенные стержни, но всегда в них просматриваются глубокие сугубо человеческие общие корни. Такого рода аниме-сериалы получили название «сэнтай».

 

Отношения «человека и человека» в японской анимации

 

Рассмотрим анимационный сериал режиссера Тацуо Ёсиды «Команда ученых-ниндзя Гатчамен (科学忍者隊ガッチャマン 劇場版)», созданный на студии «Тацуноко» в 1972–1974 гг. Именно в этом сериале была определена формула «команды из пяти человек», каждый из которых обладает уникальными способностями, но при этом вместе они формируют цельную группу с одной целью или идеей. Эта формула до сих пор успешно используется во многих сёнен-сериалов. Из современных и самых популярных блок-сериалов стоить отметить следующие: 1.One Piece – архетип, определенный по одноименной манге Эйитиро Оды «Одним куском» (ワンピース)» и её аниме-адаптации: OVA, телесериал, одиннадцать полнометражных фильмов. В указанном блок-сериале отношения между основными и второстепенными персонажами следует охарактеризовать как достаточно простые, несмотря на обширный список персонажей. Основные герои являются командой, их связывает что-то среднее между крепкой дружбой и субординацией. Романтическая линия если не отсутствует, то выражено очень слабо. При контакте с отрицательными персонажами главный герой не испытывает никаких других чувств по отношению к ним, кроме неприязни. Даже при сложной структуре представленных сил, или осложненной идеологией, не исключая явный национализм, взаимоотношения между персонажами остаются открытыми и простыми для понимания целевой аудитории – тинэйджеров.

Действие манги и аниме «Одним куском» происходит в эру Пиратов. Следовательно, существуют команды пиратских кораблей. Им противостоит флот мирового правительства, во главе которого стоит Главнокомандующий – адмирал Сэнгоку Будда. Три адмирала Аокидзи, Кидзару и Акаину обладают огромной силой и имеют магические способности. Когда Роджеру – королю пиратов, во время его казни было предоставлено последнее слово, он объявил, что спрятал все свои сокровища в одном, тайном месте. И десятки кораблей отправились на поиски сокровища, которые спрятаны на острове Grand Line и стали известны, как «One Piece». Японский дух (ками) выражен в некой Королевской Воле (覇王色), в Высочайшем уровне Воли, внушающей страх миллионам и миллионам людей.

Архетип «One Piece» присутствует и в анимационных произведениях Лэйдзи Мацумото. В 1974 году появился его сериал «Космический крейсер Ямато (宇宙戦艦ヤマト)», а в 1978 – сериал «Космический пират капитан Харлок (宇宙海賊キャプテンハーロック)». Сюжетные линии сериалов представляют собой масштабные космические эпосы с множеством главных героев, объединенных в команды космических кораблей. Между ними существуют сложные взаимоотношениями, и отсутствует принципиальные отличия положительных и отрицательных персонажей, что упрощает драматургическую задачу киноэпопеей. В тоже время они сохранили «родовое пятно» аниме 1970-х годов – в них векторы добра и зла все-таки не пересекаются. Совершенно очевидно, что источником творческого новаторства для Мацумото послужил европейский романтизм на рубеже XIX–XIX вв.

2. Bleach – архетип, определенный по манге Тайто Кубо «Блич (ブリーチ)», по мотивам которой созданы две OVA, четыре анимационных фильма, появилось большое количество видеоигр и мюзикл. Отношение между персонажами «Bleach» можно определить как динамичные, баланс сил представленных групп в постоянно смещается. Вчерашние друзья через какое-то время становятся врагами, присутствуют частые предательства и неожиданные союзы. Хотя и здесь работает формула команды, но каждый в команде преследует, помимо основной задачи, свою цель. Тоже касается и союзов, они хрупки и тут же распадаются при достижении задачи. Сильно развит индивидуализм персонажей, здесь герои видят потенциал в одиночестве и с неохотой идут на контакт. Романтическая линия развита, но находится в пассивном состоянии.

Действие фильма «Блич» происходит в современной Японии. Центральный персонаж – пятнадцатилетний школьник Ичиго Куросаки. Юноша с детства был способен видеть духов и призраков. И однажды к нему заявляется проводница душ в загробный мир Рукия Кучики. Она удивлена тем фактом, что Ичиго может не только видеть её, но и дотрагиваться. Однако разговор прерывается, за ней приходит сильный злой Пустогой ками, от которого Рукия защищает Ичиго. Она передает Ичиго свои сверхъественные силы и он одолевает Пустого ками. В результате Ичиго сам становится проводником душ. Пережив немало сражений с пустыми духами, Ичиго с друзьями уже всё-таки спасают Рукию. Через полтора года Ичиго сталкивается с таинственной организацией «X-cution». С помощью проводников душ Ичиго побеждает «X-cution», после чего выжившие члены организаций проводников душ вновь расходятся.

Архетип «Bleach», развивающийся в парадигме индивидуализма, интересно проявился в фильме «Паприка (パプリカ)» режиссёра Сатоси Кон. Снят он был в 2006 г. на студии «Madhouse» и раскрыл фантасмагорические отношения «человека» с «человеком» в их снах. Фабула ленты строится на случае изобретении доктором Такита аппарата для лечения психических расстройств – DC Mini ( Dream Catcher – Ловец Снов)). Это устройство позволяет проникать в чужие сны и наблюдать за ними. В центре экспериментов со снами находится обитающая в мире снов восемнадцатилетняя девушка Паприка. Она миловидна, нежна, но в то же время, не следует забывать, что паприка – это приправа из спелого слабожгучего красного стручкового перца. Не случайно у неё ярко рыжие волосы. Понятно, что согласно закону жанра опасное средство должно быть украдено из лаборатории и использовано террористами в своих корыстных целях, что и происходит. Похитители «DC Mini» внедряют сон сумасшедшего человека здоровым людям и, после того, как они стали сходить с ума, пытаются использовать их в своих безумных целях. В конце концов, все сны Паприки сливаются и смешиваются со снами остальных людей и становятся новой реальностью. Как отмечает А. Хачатурянц, фильмы Кона, в каком бы он жанре он себя не пробовал, от триллера до квази-биопика – это паническое буйство воображения, широта применения художественных методов и общее несоответствие происходящего на экране и на личном уровне, творческая манипуляция эмоциональным настроем зрителей. Кона нельзя напрямую назвать нонконформистом, его картины вполне поддаются традиционному художественному анализу.[88]

3. Naruto – архетип, определенный по манге Масаси Кисимото «Наруто (ナルト)» и восьми анимационных фильмов, восьми OVA, видеоигр и романа «лайт-новелл». Главный герой узнает о своей миссии случайно, но с полной ответственностью принимает её на свои плечи. Он с большим трудом, по разным на то причинам, завершает обучение и становится профессионалом. Друзей он находит по мере развития сюжета. Все его товарищи обладают, как и он, необычайными способностями. Противником этой команды является организация, члены которой стремятся захватить все и всех. 

Архетип «Наруто» развил и в 2006 г. режиссёр Горо Танигути, поставивший на студии «Sunrise» фильм «Код Гиасс: Восставший Лелуш (コードギアス 反逆のルルーシュ). В этом аниме-сериале возникшая в фантастическом будущем единственная в мире сверхдержава Священная Британская Империя начинает захват островов прежде известных под именем Япония. Территория островов хранит ресурс сакурайдата, что является основной причиной захвата Японии. Минерал сакурадайт вместе с ураном-235 является основой антропоморфного оружия невероятной мощи – «Фреей». Следует предположить, что сакурадайт является концентратом национального духа японцев, для которых сакура является деревом для священного поклонения. Япония потерпела поражение, потеряла суверенитет и была переименована в Зону 11. Британцы отныне являются в стране привилегированным сословием, а коренные жители – «одиннадцатые» стали подвергаться дискриминации. Некоторые из них, пытаясь отвоевать независимость, встали на путь террора, но безуспешно. Принц Империи Лелуш Ламперуж, сосланный вместе с сестрой Нанналли в Японию за год до войны в качестве политического заложника, случайно попадает в самый центр конфликта между японскими террористами, похитившими капсулу, которая имела ценность для правительства, и британскими солдатами, получившими задание вернуть похищенное и выявить сообщников. В капсуле Лелуш находит таинственную девушку C., которая и получает от неё особую силу – Гиасс. Гиасс, как мистическая сила, способна исполнять все желание своего обладателя. Мощь гиасса может возрастать и выходить из-под контроля обладателя. Когда гиасс достигает максимальной мощности и открывается в глазах владельца, этот человек получает возможность убить того, от кого была получена сила гиасса. В этом случае код переходит к нему, но активизируется только после смерти. Человек теряет гиасс и возвращается к жизни полноценным носителем кода. Лелуш, используя гиасс и скрыв лицо маской, становится лидером одной из террористических группировок. Он формирует сильную мощную организацию под названием «Орден Чёрных Рыцарей» и начинает войну с Британской Империей. Лелуш поднимает бунт, получивший название «Чёрное восстание», многие участники которого будут захвачены. Сам Лелуш исчезает и признается мертвым. Между тем Лелуш Ламперуж забывает о своем прошлом и начинает вести жизнь рядового студента. Остатки Ордена Чёрных Рыцарей проводят операцию, в ходе которой С. выходит на контакт с Лелушем, возвращает ему память, записанную с помощью гиасса его отцом. Он вновь начинает войну с Британией и со всем миром.

Согласимся с мненим А. Хачатурянца утверждающим, что безвозвратно уходит эпоха героев-идеалистов. Слишком долго японская анимация потчевала зрителей десятками положительных героев без страха и упрека сквозь розовые очки взирающих на жестокий мир.[89]

4. Toriko – архетип, определенный по манге Симабукуро Мицутоси «Торико (トリコ)» и TV сериалам. Главного героя и его друзей изначально сближает общая мечта, к воплощению которой они стремятся. У них есть противники, но они не объедены враждой к главному герою, наоборот – конкурируют друг другом. Допустимы комедийные ситуации.

В этом плане показателен и созданный в 1970 г. спортивный сериал студии «Mushi Productions» «Завтрашний Джо (あしたのジョー)» по мотивам манги Тэцуя Тиба и Асао Такамори. Выступающий в качестве главного героя боксер Джо, далеко не пай-мальчик. Он хулиган, груб в общении со всеми окружающими его людьми, невероятно заносчив и себялюбив. Однозначно его следует определить как неприятную личность. Совершенно очевидно, что, несмотря на его успехи на ринге, в конце концов он попал бы в скверную историю и его карьера обрушилась бы. Вместе с тем он лишился бы и своих поклонников, оказавшись в этом мире в полном одиночестве. Впрочем, в силу своего скверного, скандального характера он и так практически одинок. В результате стечения обстоятельств и особенностей характера Джо, оказывается в тюрьме. Хотя, преступление, которое он совершил, не было вызвано неприемлемыми в человеческом общежитии качествами, такими как алчность, садизм и тому подобными. И здесь на сцену выходит пожилой тренер, почувствовавший, что в этом юноше еще сохранились настоящие человеческие качества: доброта, склонность к состраданию, тяга к любви. Тренер начинает работать с Джо не только как спортивный специалист, но и как воспитатель. Следует отметить, что в рассматриваемом анимационном фильме тренер стоит не на позициях европейского христианского нравоучения и просветительства Вольтера, а на принципах сугубо японской традиции. В русле связки сэнсей (рождённый раньше, преждерождённый, старший) – ученик. Предполагается, что сэнсей прожил уже не одну жизнь, и, следовательно, гораздо мудрее тех, что только начинает свой жизненный путь. Показательно само название сериала, в котором японскому имени как бы противостоит англо-американское имя молодого японца – Джо, что говорит об его оторванности от национального контекста. Интересно, что тренер Асита-сэнсей, убеждая в чем-то непослушного Джо, апеллирует не к абстрактным понятиям добра и зла, а действует по-японски – обращает внимание своего воспитанника на духов предков. В них он видит пример для подражания. И ему удается вытащить талантливого парня из тюрьмы и сделать из него не только чемпиона, но и человека, приверженного своим национальным традициям почитания старших и духов предков. Конечно же, Джо меняясь в лучшую сторону, не становится, однако, идеальным. Иначе фильм много потерял бы как художественное произведение, близкое к художественным кинолентам на спортивную тему. Особенный драматический акцент анимационному фильму придал эпизод, в котором в самой последней серии Джо погибает, выиграв свой последний бой. Этот аниме-сериал, как и манга, пользовался невероятным успехом у зрителей. По поводу его финала в стране прошло множество обсуждений в самых различных аудиториях, что указывает на то, что сериал «Завтрашний Джо» стал предметом национальной современной японской культуры.

Конечно же, аниме не ограниченно выше представленными рамками четырех архетипов. Существует также множество сюжетных вариантов и интерпретаций. Зрителю предоставляется возможность свободно интерпретировать образы.[90] К примеру, феномен «сэнсей» следует рассматривать на всем поле японской островной цивилизации. Сэнсеи присутствуют не только в спортивных или религиозных школах, но и в политике, журналистике, торговле – практически во всех видах профессиональной деятельности. И если сэнсей в «Завтрашнем Джо» образ достаточно традиционный для Японии, то фигура сэнсея в уже выше рассмотренном анимационном фильме «Прощай, унылый учитель», снятом по манге Кумэта Кодзи «Прощай, безрадостный сэнсэй», во многом новаторская. Сюжет фильма связан с судьбой и работой школьного учителя Нозому Итосики. Он обладает действительно унылым характером, не ощущает радости общения ни близкими ему людьми, ни со школьниками. Перманентная депрессия приводит его к тому, что он пытается повеситься на ветке сакуры. Но от смерти на дереве его спасает Кафка Фуура – девочка, чьи действия сами по себе несуразны и опасны для окружающих, включая и тех, кого она пытается спасти. Но она по своей структуре психики оптимистка, что отличает её от учителя. Достаточно услышать её монолог, обращенный к самоубийце, в котором она убеждает его, что невозможно и глупо умирать среди красивых деревьев, да еще в такой замечательный, светлый день.

Не менее показателен в этом направлении аниме-сериал «Крутой учитель Онидзука (グレート・ティーチャー・オニズカ ) режиссёра Нориюки Абэ, снятый на студиях «Studio Pierrot» и «SPE Visual» в 1999–2000 годах. Сюжет построен на истории Онидзука Эйкити. Он известный главарь банды «Онибаку». Внезапно Онидзука решает работать учителем в школе. В лицее «Святой Лес» он сразу же ввязывается в конфликт со всеми учителями, в том числе и с заместителем директора. Однако непосредственность Онидзуки, простота поведения, искренний энтузиазм и явный педагогического таланта делают молодого учителя самым популярным педагогом лицея, даже в классе настоящих хулиганов. Преподаватели лицея «Сэйрин», преследующие малообразованного, но талантливого нового учителя, представляют галерею асоциальных типажей. Завуч лицея «Сэйрин» отличается злопамятностью, который готов пожертвовать десятками жизнями учеников, лишь бы официальные показатели лицея были на должной высоте, учитель математики – маньяк, готов, ради достижения своих целей, пойти и на преступление. Профессиональный учитель физкультуры не отличатся большим умом, учитель английского языка – тайный трансвестит, и внешностью, способной вызвать хотя бы некоторое почитание со стороны учеников, подавляющее большинство учителей не отличается. Учитель химии похож на собаку породы «чихуахуа». Е. Крымова обращает внимание на то, что, лицо Онидзуки в минуту удивления медленно принимает формы монстральной физиономии, написанной Мунком в известной картине «Крик».[91]

Сегодня Интернет проник во все сферы человеческой деятельности, разве что еще не подключен к мозгу человека, хотя уже воздействует на сознание индивидуума косвенно, через зрительные образы и вербальные обращения. Этот феномен, конечно же, не могли упустить из сектора своего внимания и японские режиссеры аниме. Режиссёр Рютаро Накамура в 1998 г. выпустил на студии «Pioneer LDC» аниме-сериал «Эксперименты Лэйн (シリアルエクスペリメンツレイン) на эту актуальную тему. Сериал близок к архетипу «Bleach». Тихая, скромная героиня фильма, замкнутая на себе девочка Лэйн получает письмо по электронной почте от покончившей собой одноклассницы Тисы Ёмоды, которая при жизни была далеко не любезна со своими подругами. До этой минуты она уже слышала слова, что как будто бы Тиса лишь покинула своё тело, а её сознание переместилось в компьютерную Сеть (the Wired). Лэйн пытается узнать правду и об этом самоубийстве и о том, что такое Сеть, что или Кто есть бог, зачем она родилась и живет, и возможно ли теперь жить вне Сети, в мире информационных технологий. «Что создало бога Сети, если не сам бог?», – спрашивает себя и... компьютер девочка сегодняшнего дня Лэйн. Характер девочки изменяется. Она становится все более безжалостной к себе и все более нетерпимой к другим. На вопрос «Кто же повлиял на Лэйн: Единый Бог или компьютерный?» – авторы фильма не отвечают. Они просто сопереживают героине, которая как бы приобрела власть над памятью людей, но о которой помнят лишь две: бог и подруга, чаще всех страдавшая от приобретенной Лэйн жестокости»[92]. Фильм «Эксперименты Лэйн» наглядно демонстрирует насколько сложными стали взаимоотношения между подростками сегодня в Японии, да и во всем цивилизованном свете».

Вообще, для столкновения характеров героев японской анимации характерно противопоставления пессимистического подхода к жизни и оптимистического. Причем, эти нюансы наносятся преднамеренно в черно-белых красках, что является отличительной чертой. Понятно, что анимация не обладает теми возможностями, которые заложены в художественных психологических драмах, в которых актеры способны передать живой мимикой лица, тонкими жестами всю гамму человеческих переживаний, иногда скрытых и за маской безразличия. Каким бы мастером рисунка не был бы аниматор, он никогда не нарисует, не скопирует движение, глубину, оттенки глаз живого человека.

Ученица Кафка Фуура в школьном классе унылого учителя оказывается не самой яркой индивидуальностью. Все ученики Нозому Итосики имеют выразительные характеры, правда с некоторыми странностями. И учитель, вынужденный познакомиться с ними и разобраться в них, постепенно меняется, переключая свое внимание от серых страниц своего земного существования на жизнь своих учеников со всеми мечтами, ошибками, поступками и желаниями. Пессимист учитель с ужасом понимает, что его решение повеситься на цветущей сакуре не самое страшное дело в его судьбе. Оказалось, что ежедневная работа с учениками школы, страшнее. И в эту минуту на первый план выступает гипертрофированное в японском обществе чувство – чувство долга. Сэнсей Нозому Итосики понимает, что он обязан сделать все, что бы его ученики выросли образованными и счастливыми людьми, что и его спасает от петли на ветке сакуры, хотя фраза Итосики-сенсея: «Я в отчаянии!» рефреном проходит через весь сериал. Постоянно размышляя о несовершенство мира, включающей в себя неустроенность личной жизни и всю подростковую психопатологию, он сам избавляется от своей печати неудачника. Это позволило ему в конце концов найти понимание и обожание со стороны ставшим почти совершенным класса и перестать быть «унылым учителем».

Ряд кинокритиков относит сериал Симбо Акиюки к полке постмодернистских комедий. Но, на наш взгляд, анимационный фильм «Прощай, унылый учитель, скорее относится к комедиям положений: в начале фильма сэнсей не выглядит как учитель, и, он, скорее сам учится у своих учеников оптимистическим взглядам на жизнь, несмотря на то, что они проявляются в достаточно экстремальных формах. Лишь в финале Итосики вновь становится подлинным сенсеем, соответствующим духу японской жизни, философии и культуры.

В художественных произведениях принято выделять теоретические конструкции взаимоотношений между героями и практические. Теоретические конструкции, как правило, прослеживаются в монологах и диалогах, представить которые можно и в художественных лентах, в которых играют актеры. Однако в силу того, что анимация подает свои персонажи в рисованном виде, ей недоступна вся гамма мимических, жестовых и особенно выразительности глаз героев, являющихся непременным атрибутом, а в некоторых случаях и компасом со стрелкой с постоянно колеблющейся стрелкой, указывающем их душевные колебания. И на первый план в японском аниме вышли практические конструкции, определяющие как и почему герои так или иначе относятся к друг другу.

Рассматривая иерархическую структуру сложных действий человека, П. Рикёр, называя их «практиками», отмечает, что ним относятся «...различные занятия, профессии, искусства, игры и т. д. В отличие от обычных жестов практики складываются из цепочек действий, между которыми устанавливаются отношения координации, прежде всего ­ субординации, благодаря которой одни деятельности оказываются «впаяны» в другие, что позволяет включать практики в жизненные планы, определяющие профессиональную жизнь, семейную жизнь, досуг, социальную и политическую активность человека».[93]

В этом разрезе показателен персонаж фэнтези-манги Кэнтаро Миура. Средневековый наёмник, Гатс, обладатель сильного и целеустремленного характера. Он командир штурмового отряда, сеявшего ужас и смерть во время неопределенной Столетней Войны. Как мастер меча Гатс становится равнозначен берсерку. Так в древнегерманском обществе называли воинов, приводивших себя перед боем в состояние нечувствительности к боли. В 1997 г. режиссёр Такахаси Наохито на студии «OLM» снял аниме «Берсерк (ベルセルク)». Архетип фильма близок «Naruto». Наемник-берсерк Гатс живет в мире, в котором маги подчиняются императору Ганишке. Имеются ведьмы, за которыми охотится Святая Инквизиция. Гатс владеет удивительным артефактами, созданными давным-давно гномами – доспехом подлинного берсерка. Доспех увеличивает физическую силу и не позволяет развалиться переломанным костям, есть и негативное качество – доспехи приводят к состоянию слепой ярости, берсерк перестает отличать своих соратников от врагов. Возможно, действие доспеха и приводит к тому, что Гатс нарушает все практики субординации, что в свою очередь разрушает практики не только его жизненных планов, но и окружающих его людей. Постепенно характер Гатса сильно меняется, из благородного рыцаря он превращается в одинокого мстителя, творящего зло, невзирая на последствия. Он спокойно использует детей в качестве приманки, а мирных жителей в качестве живого щита. И все же рыцарское начало в Гатсе не только сохраняется, но и выкристаллизовывается в новое состояние. Он начинает видеть в верности друзьям верность к ками.

В создании сценария аниме участвовал и автор манги и здесь, как отмечает А. Тупкало: «Миура несколько сместил акцент с эпической истории о трудностях жизни сверхесттественных существ, в которой оказались замешаны его персонажи, лучше вписывающие в рамки голубого экрана тему дружбы, верности и противостояния судьбе»[94].

Аналогичное превращение в TV-сериал ждало и OVA-сериал «Клуб любителей магии (魔法使いＴａｉ！), созданный режиссером Дзунити Сато в 1996 г. на студии «Triangle Staff». Фильм раскрывает историю не особенно удачливых юных магов, сражающихся с инопланетянами. Необычным здесь является сочетание характерно-фантастического мотива «инопланетного вторжения роботов-пришельцев», подчеркнутого активным использованием компьютерной графики, и мистической эстетики «махо-сёдзё» аниме, выражающейся совершенным иным графическим стилем. Различие было настолько разительно, что многие не японские фэны аниме, видевшие только заставку сериала, были убеждены, что произошла ошибка, и им показывают заставки двух разных сериалов. Тем не менее, доминантой сериала были, все же, романтические отношения главных героев – членов школьного клуба любителей магии. У феминистской части публики сериалы сёдзи вызывают симпатию в силу демонстрации в них скрытых и желанных женских возможностях. Б. Иванов видит истоки такой своеобразной концепции в сочетании классических японских патриархальных взглядов на девочку/женщину и пришедшей с Запада новой ментальности, очень внимательной к процессу взросления и становления характера. Двойственность возникших у молодежи представлений о себе и о своей роли в обществе нашла отражение в сериалах о «девочках-волшебницах», а актуальность этой проблемы вызвала огромный интерес к произведениям искусства на эту тему.[95] Конечно, юные волшебницы могли бы с помощью своих магических предметов или способностей разрушить кольцо одиночества, но это сделать им не позволяет сами законы и стиль сёдзё-аниме. Они должны скрывать свои чудесные способности от всех. Грусть, вызванная тем, что им приходится жить двойной жизнью, придает особенное звучание, усиливает симпатии зрителей к ним.

Появление в 1965 г. на студии «Toei Douga»аниме-фильма «Космические путешествия Гулливера (ガリバーの宇宙旅行)», режиссером которого был Курода Масэо, заявило о появлении на арене аниме одного из самых крупных художников и режиссеров в истории аниме – Миядзаки Хаяо (р.1941). И хотя в своем дебютном фильме Миядзаки работал еще фазовщиком, он, благодаря своему креативному таланту, внес некоторые изменения в сценарий. Является ли то, что этот фильм был снят не по персонажам японской манге, а с использованием известного литературного героя Джонатана Свифта случайным или осознанным выбором Миядзаки, неизвестно. Но и в дальнейшем Миядзаки часто приступал к экранизации североамериканской и западноевропейской классики. Известны его фильмы по книгам Урсулы ле Гуин и Астрид Линдгрен. Казалось бы, новатор Миядзаки должен был и дальше развивать японскую анимацию в этом направлении, но, начиная с 1982 г. он возвращается к корням японской культуры и овладевает профессией мангаки. Многие его манги стали основами аниме. В течение всей своей жизни Миядзаки сохранил верность манге. Его знаменитая манга «Навсикая из Долины Ветров» публиковалась в журнале «Animage» до 1994 г. Эта манга стала настолько популярной, что компания «Tokuma Shoten» поспешила представить ему возможность экранизировать «Навсикаю из Долины Ветров (風の谷のナウシカ)». Этот фильм вышел на экраны в 1984 г. и стал классикой аниме. В качестве режиссера Миядзаки создал такие шедевры аниме как «Небесный замок Лапута (天空の城ラピュタ )» (1986 г.), «Ведьмина служба доставки (魔女の宅急便)» (1989 г.), «Принцесса мононокэ (もののけ姫)» (1997 г.). Н. Караев смотрит на классика аниме с вершин восточных религиозных возрений: «Дао совершенномудрого – это деятельность без борьбы. Дао Миядзаки – это фильмы без логики и сценария. Точнее, фильмы, которые обретают то и другое постфактум».[96] И далее приводит цитаты Хаяо Миядзаки, укладывающие, по его мнению, в русло тотального недеяния «Дао Дэ Цзин»: «Я придумываю что-то потому что, близится дедлайн (срок выполнения работы - М.К.), и только потом осознаю, что именно придумал, опасный путь, но к сожалению, я не умею работать иначе – и все остальные должны с этим смириться... Не я создаю фильм. Фильм создает сам себя, мне остается лишь следовать за ним»[97].

К теме божеств «мононокэ» возвращается в 2007 г. режиссер Кэндзи Накамура в своем фильме «Мононокэ (物の怪)», снятом на студии «Toei Animftion». В нем некто Аптекарь с чертами эльфа сталкивается с домовыми дзасики-вараси, бесовским котом, борется с демонами. Эти столкновения, наполненые сценами ужаса, как утверждает А. Хачатурянц, – квайдан, в лучших традициях театра кабуки: «Mononoke окончательно трансформируется из просто занимательного экскурса по японскому фольклору в сериал об одном из самых таинственных персонажей современной анимации, и Аптекарь всё настойчивей привлекает загадкой своей сущности. В итоге завеса этой фантастической личности лишь чуть-чуть приоткрывается, однако именно такая недосказанность дарит сериалу идеальный финальный аккорд, которого так заслуживает эта постановка»[98].

Хаяо Миядзаки отличает широта интересов и желание вести работу с другими творческими людьми. Совместная работа над аниме-проектами на студии «Toei Douga» сблизила его в творческом плане с Такахатой Исао. Они организовали профсоюз молодых аниматоров студии «Toei Douga». Миядзаки стал председателем этой организации, а Такахата – вице-председателем. А созданный в 1968 г. полнометражный фильм «Похождения солнечного принца Гора (太陽の王子)» стал их первым общим произведением.

Творческий почерк Миядзаки отличают точность рисунка и диалога,  пластичность и тщательное создание рисованных пейзажей и городской архитектуры. Он прославился и как гуманистический автор семейных фильмов.

Художественная ценность фильмов режиссера Хаяо Миядзаки представляется настолько значимой в киноискусстве, что вынуждает жюри Берлинского кинофестиваля в 2002 г. признать его аниме «Унесенные призраками (千と千尋の神隠し)» не «Лучшим мультфильмом», а «Лучшим фильмом». Это единственный случай в истории анимационного кино, когда мультфильм получает главный приз (Золотого медведя) в номинации художественных полнометражных фильмов.

В 1986 г. режиссёр Хаяо Миядзаки снял на студии «Ghibli» ленту «Небесный замок Лапута (天空の城ラピュタ)», ставший еще одним достижением японской анимации, ставящим во главу угла исключительно положительные качества человека. Условно кинокритиками эта лента была отнесена к дизельпанку – в силу того, что выполнена была на фоне технического прогресса Европы начала XX века в альтернативной реальности. В этом мире существует летающий остров Лапута, на котором есть город, обладающий военной мощью и легендарными сокровищами. Но найти Лапуту, затерявшуюся среди облаков, возможно лишь с помощью кристалла Летающего Камня. Этим кристаллом обладает девочка Сита. Камень является семейной реликвией и Сита считала его лишь талисманом. Между тем, воздушные пираты начинают охоту за кристаллом и нападают на дирижабль Ситы. Девочка падает на землю, но магическая сила талисмана спасает её. Ситу находит мальчик Пазу. Он сирота и работает помощником мастера шахтной печи. Паза вступает в клан Доры, чтобы спасти Ситу, за которой начинают погоню агенты правительства и военные. Паза отличается сноровкой и решительностью. Он бесстрашно пытается защитить Ситу от солдат и попадает в темницу. Военные, захватившие Ситу, получают и талисман, который привел их на дирижабль «Голиаф», а затем и к Лапуте. Талисман оживляет и боевого робота и придает ему характер злобного ками. Паза помогает Сите бежит из армейской крепости. С этого момента их преследуют и солдаты и пираты, на сторону которых скоро встают Пазу и Сита. Военными преступниками командует один из потомков властителей Лапуты – Муска, оказавшийся и родственником Ситы. Муска стремится стать с помощью талисмана правителем летающего острова и всего остального мира. Сита – девочка Люсита Тоэль ур-Латупа сможет отстоять свой город Лапута, живущий по принципам рая, в котором царит счастье, справедливость и любовь. Ведь она рано, как и Пазу, осиротела, и ей пришлось узнать тяжелый труд пастушка в горной деревни.

Режиссер-аниматор Е. Чернова заявляет, что «Режиссер поразительно чувствует мир детства, причем именно мир девочек и женского взросления – гений Миядзаки раскрывается именно в этом. Я потрясена его уникальной наблюдательностью, пониманием поз, поступков, реакций. Я не знаю больше ни одного такого режиссера, у которого бы столь подробно и ярко была бы передана детская женская сущность. Есть, конечно, «Отец и дочь» Дюдока де Вита, но он и фильмы Миядзаки никогда не будут смешиваться друг с другом»[99]. Всецело соглашаясь с высказанным мнением, добавим, что в маленькой Сите чувствуется еще не полностью проявленный образ матери целой страны, пусть сказочной, но населенной множеством существ. И верится, что она станет настоящей, верной и доброй хозяйкой Лапуты.

Оценивая смыслы ленты, Н. Караев иронично замечает: «Время забавно меняет акценты: «Лапута», конечно же, плоть от плоти стимпанка и приключенческой фантастики, но в первую очередь это гимн пролетариату, пусть даже шахтеры у Миядзаки спускаются в шахты, не снимая шляп. Мораль фильма проста: только каждодневная пахота (в прямом и переносном смысле) создает приличного человека из человека неприличного»[100]. Впрочем, ирония здесь не совсем уместна, так как великий Миядзаки всегда отличался серьезными левыми взглядами. Как, впрочем, и большинство японских режиссеров аниме, не желающих иметь что-то общее с застывшими консервативными структурами Японии, которые всегда испытывали симпатии к угнетенному, по их мнению, трудовому люду.

Насыщенным сугубо человеческими эмоциональными взаимоотношениями является и полнометражный фильм «Люпен III: Замок Калиостро (ルパン三世 カリオストロの城)», снятый на студии «TMS» в 1979 г. был вторым полнометражным аниме-фильмом из цикла о Люпене. Долгое время этот фильм согласно рейтингу, основанному на мнениях читателей популярного японского журнала «Анимейдж» («Animage») определялся как лучшим фильмом в истории аниме. Фильм условно можно отнести к архетипу «One Piece». Приключения благородного вора Люпена и его подельников, хотя и были далеки от принятых в законопослушном обществе моральных норм, вызывали у зрителей сочувственные переживания и симпатию. Как правило, в сериалах о Люпене акцент делался на сексуальности главного героя. Режиссер Миядзаки обратил больше внимание на удачливый авантюризм Люпена, проявляющийся во всех его путешествиях и приключениях, оставив эротические фантазии за рамками экрана. Вместе с тем, ему удалось сохранить всю гамму непростых и страстных чувств между Люпеном и графиней Соней.

Отдельной анимационной полкой являются фильмы, герои которых существуют в мире, наступившем после Апокалипсиса. Под Апокалипсисом (гр. Άποκάλύψις букв. откровение) принято понимать тексты, содержащие в себе не только пророчества о Конце света, а также и мистические рассказы о катастрофическом будущем мира.[101] К апокалипсическим текстам традиционно относят часть Библии, одну из книг «Нового завета». В этом плане мы можем говорить о некоторых писаниях Захарии, Иезекииля, Иоиля и Книгу пророка Даниила, апокалипсис Апостола Петра, «Откровенье святого Иоанна Богослова». Комментируя «Откровения святого Иоанна Богослова» о. Александр Мень отмечал, что понимание Апокалипсиса доступно лишь пророкам, а у апокалиптиков такого понимания нет, потому что тайны истории и судьбы мира не могут уложиться в словестные формулы.[102] Сказанное в полной мере относится и визуальным видам искусства, в частности и рассматриваемому нами творчеству японских аниматоров.

В 1968 г. появился первый аниме-фильм, рассчитанный на взрослую аудиторию. Его создала группа молодых аниматоров студии «Тоэй дога» под руководством художника Хаяо Миядзаки и режиссера Исао Такахатой при патронаже классика аниме художника Ясудзи Мори. Исао Такахата (р.1935) создатель целой серии знаменитых аниме-фильмов, среди которых особенно известны «Могила светлячков (火垂るの墓)» (1988), «Война тануки в периоды Хэйсэй и Помпоко (平成狸合戦ぽんぽこ)» (1994) и «Мои соседи Ямада (ホーホケキョとなりの山田くん)» (1999). Тахаката режиссер, который способен создавать и военные трагедии и комедии.

Один из классиков японской анимации Мори Ясудзи (1925–1992) начинал свою творческую карьеру на студии «Nippon Douga». Мори принимал участие таких аниме-фильмов как «Легенда о Белой Змее (白蛇伝)» (1958), «Путешествие на Запад (西遊記)» (1960). Теоретические выкладки в области манги и аниме Мори Ясудзи и его кинематографический опыт позволили выйти на новый уровень деятельности технического организатора и контролера процесса создания анимации и заявить о такой профессии режиссера-аниматора, как энсюцу.

Во второй половине 1980-х годов на студии «Toei Animation» режиссером Такаси Ватанабе был создан сериал «Кулак Северной Звезды» (世紀末救世主伝説　北斗の拳). Сериал повествует о существовании людей в постапокалиптическом мире. Сериал выполнен в приключенческом жанре, насыщенном жестокими сценами и считается одним из самых кровавых аниме в истории. Этой парадигме соответствует и общий план: жизнь на планете Земля после завершения всемирной ядерной войны находится на краю гибели. По крайней мере, существование человечества. В разрушенных городах остались банды мародерствующих «мусорщиков». Кроме них стремятся выжить и те, кого называют «кочевниками», для которых апокалипсическое чувство исхода через смерть уже является благом. Обездоленные, беспомощные, растерянные люди бесцельно бродят по мрачным пространствам. Единственным их защитником является просвещенный воин Кенсиро – Кулак Полярной звезды. Лишь он способен повести всех через пустыни в новый мир. Но ему противостоят множество коварных предателей и алчных, бессердечных властолюбцев, обладающих силой полубогов.  Главный герой сериала Кен – единственный последователь самого совершенного вида силового противостояния «Хокуто Шинкен». Более того, он способен аккумулировать и использовать в своих целях внутреннюю энергию противника. Его удар в определённую точку тела врага взрывает его в буквальном смысле или парализует. В тоже время эта его особенность обладает и лечебными свойствами.

Интересно, что спутником Кена является персонаж настолько нетипичный для героев японской анимации, что отаку – потребители, крайне вовлеченные в анимационную субкультуру и в силу этого находящиеся вне классики мировой литературы и кино, называют «неяпонский нешкольник». Между тем, понятийные лингвистические затруднения отаку в этом случае достаточно легко разрешимо, если еще раз обратить внимание на то, что земля, после ядерной войны в сериале «Кулак Полярной звезды» напоминает ад. У Данте Алигьери в «Божественной комедии» главный герой проходит ад вместе с Вергилием.[103] Следует предположить, что спутник Кена «неяпонский нешкольник» относиться к архетипическому вергилиевскому ряду. Архетип «Вергилий», являясь равноправным спутником главному герою, скорее не помощник ему, а свидетель его странствий и деяний. Этот архетип использован и японскими создателями компьютерных игр серии «Devil May Cry», в которой действуют близнецы Вергилий и Данте – наполовину люди, наполовину демоны. Оба обладают человеческим обликом и способностью превращаться в демона. Данте занимается тем, что предназначено ему судьбой – истребляет демонов, а Вергилий просто наблюдает за борьбой, занимаясь в основном накоплением артефактов.

Сложные взаимоотношения между людьми занимательно продемонстрированы в необычном сериале режиссёра Хата Масами «Вперед! Школьная секция пинг-понга (行け！稲中卓球部 行け! 稲中卓球部 行け!稲中卓球部)». Созданный на студии «Kitty Films» в 1995 г. сериал является пародией на спортивные сериалы, в которых культивировался культ силы и командной игры. Команда, занимающаяся пинг-понгом, состоит из шести членов: самоуверенного капитана команды Такеда, самовлюбленного красивого парня Киношта, доброго сладкоежки анабе, маленького, закомплектованного на своей сексуальной потенции Танака, неадекватного Маэно и такого же практически сумасшедшего юноши Изава. Фабула фильма заключается в том, что команда мужской секции пинг-понга предпринимает попытки занять спортзал, который они лишились из-за постоянных проигрышей. Зал перешел к женской секции пинг-понга. Внешнее руководство командой находится в руках вица-менеджера молодой красивой женщины Ивашта. Объединённые спортивной страстью к пинг-понгу в одну команду, юноши готовы биться за свой зал и комнату отдыха – раздевалку до последних сил. Они участвуют в различных соревнованиях, в которых проявляется их «командный дух». Сериал наполнен самыми различными смешными ситуациями, иногда просто нелепыми. Интрига заключена еще в том, что если в команде останется меньше чем шесть спортсменов, то клуб будет ликвидирован.

Сериал показателен тем, что в нем нивелирован принцип индивидуализма, а на передний план выдвинута идея коллективного выстраивания и противостояния, характерного для традиционного общества Японии. Эта явная пародия на послевоенные японские произведения, в которых присутствует ностальгия авторов по идеалам тоталитарного имперского сознания. Команда юношей пытается победить команду девушек. Битва идет за некое жизненное пространство: потерянный прежде спортивный зал. Состав команды, отличающийся ненормальностью поведения и характеров, говорит о многом. Как отмечал М. Бахтин: «...пародия пристрастна, и это пристрастие диктуется особенностями пародируемого языка, его акцентной системой, его строем, – мы чувствуем его руку в пародии и можем эту руку узнать, как мы иной раз явственно узнаем акцентную систему»[104]. Высказанное утверждение прослеживается по структуре фильма, несмотря на всю её закамуфлированность сексуальным налетом в мотивации поведения героев. Она была бы слишком очевидна, однако относительно художественно приемлема, так как сценаристы и режиссер внесли в сценарий и сам фильм замечательную, а местами и рискованную, большую дозу юмора и эротической клоунады.

Начиная с 1986 г. по 1988 г. В Японии прошла новая TV-экранизация манги Румико Так ахаси – «Доходный дом Иккоку (めぞん一刻)». Сериал снят режиссером Ямадзаки Кадзуо на студии «Deen» в жанре романтической комедии с элементами семейной драмы заслужено пользовался успехом у поклонников аниме. Здесь в структуре мира героев скорее просматривается не принцип команды, а общежития под знаком архетипа «Bleach». Дом для проживания рядовых жителей города наполнен пассивными и в тоже время неспокойными людьми. После очередного скандала среди жильцов доходного дома Иккоку управляющий дома решает бросить этот форменный бардак, скрывается в неизвестном направлении женщина Кёко Отонаси. Показательно то, что на примере одного доходного дома авторам сериала удалось показать срез японского общества, переживающего сложные социальные и психологические катаклизмы, связанные с полным погружением Японии во все больше глобализирующийся мир западной цивилизации. Вследствие чего, японцы стремящиеся сохранить все ценности прежнего традиционного уклада жизни, неуклонно скатываются на обочину бытия. Особенно страдают семейные узы и отношения между поколениями. Постоянные стрессы, недопонимание между членами человеческого общежития, запрограммированность существования приводят к конфликтам, часто забавным, комичным, но влекущим за собой и драматические развязки. Действенным оружием новой управляющей является её терпимость, столь не характерная для молодых особ, и неотразимая улыбка. Единственное, что Кёко Отонаси не в силах сделать, так это забыть. несмотря на то, что в неё влюбляется проваливающий все экзамены студент Юсаку о своей первой любви и муже Сойтиро. Этот драматургический прием позволяет совершить заглянуть в прошлое героини. Дом семейства Иккоку наполнен разными личностями, с разными судьбами. Все они имеют свои претензии и к управляющей и к своим соседям и к государственной власти. Но качества, которыми обладает Кёко, позволяют ей минимизировать претензии и беды постояльцев.

Говоря о человеческих действиях, определяемых как моральные действия, следует обратиться к мысли Э. Агацци, указывающей, что «поведение людей объясняется не только естественными законами, но и может быть объяснено правилами и нормами. Существование норм зависит от признанных ценностей. Однако, поскольку в известной мере ценности играют роль и в операциях и в исполнениях, то вся человеческая деятельность в конечном счете объясняется наличием определенных ценностей»[105]. Сравнительный анализ позволяет утверждать, что японцы сохранили в характерной для них среде общежития практически все принципы японского традиционализма даже в анимационном сериале близком по стилистике и содержанию к классическим западным телевизионным «мыльным операм». Сериал «Доходный дом Иккоку» убедительно демонстрирует, что ненавязчиво восстановленные Кёко Отонаси конфуцианские принципы почитания старших, уважение к власти. Ей удается вернуть и оживить основное правило поведения людей, которое Конфуций называл сяо – сыновья почтительность. Она, вместе с любовью к старшим являлось основой человеколюбия. Таким образом, достигается гармония в доходном доме Иккоку.

Еще одна история о жизни не связанных родственными нитями людей под одной крышей рассказана режиссёромДэдзаки Осаму в 1988 году. В анимационном фильме «Однофунтовое Евангелие (１ポンドの福音)», снятом на студии «Gallop», юноша Хатанака, страдающий булимией, оказывается в монастырском приюте. Там он встречает монашку Анжелу. Хатанака влюбляется в неё и решает признаться ей в любви. Однако, известно, что монахини дают обет безбрачия. Анжела не может ответить на его чувства, иначе она будет вынуждена уйти из монастыря, в котором заключена вся её жизнь. К тому же Хатанака представляется ей несерьезным и эгоистичным, но несмотря на это, юноша стремиться доказать Анжеле всю искренность своих чувств. И многое изменяет в себе и своей жизни.

Как и в фильме «Доходный дом Иккоку» главных героев окружает множество других персонажей. Происходят и комические и драматические ситуации. Но в отличие от «Доходного дома Иккоку» фильм «Однофунтовое Евангелие» вестернизирован и не содержит традиционных японских аллюзий. Главный герой - боксер не случайно отличается неуемным обжорством. Подтекст этого порока указывает на то, что японец Хатанака «готов» проглотить любую культурную модель поведения, любой образ жизни, здесь – принципы и уклад западноевропейских монастырей. Продолжение демонстрации разрушения традиционных японских ценностей просматривается в сериале «Мальчик-мармелад (ママレード・ボーイ)», снятом на студии «Toei Animation» по мотивам манги Ватару Ёсидзуми. Режиссёр Ябэ Акинори в течение 1994 и 1995 гг. согласно законам «мыльной оперы» рассказал анекдотичную историю о двух супружеских парах с детьми. Отдыхая на Гавайях, супруги Мацуры познакомились с четой Койсикава. Приятное совместное времяпровождения заканчивается адюльтером и на месте прежних супружеских пар путем обмена женами возникает новая семейная пара. Правда, возникает проблема с детьми – старшеклассником Юу Мацуры и его ровесницей Мики Койсикава. Стараясь максимально сохранить родительские связи, отцы и матери снимают большой дом, чтобы жить там всем вместе. Возникает аналогичная доходному дому Иккоку, модель. В одном доме в одной большой семьей девушка Мики становится «сестрой» новоприобретенному «брату» Юу. Несмотря на произошедшие коллизии и заведомо определенную неприязнь, Мики и Юу довольно быстро нашли общий язык и начали сближаться как близкородственные души. У каждого из них до этого была какая-то своя жизнь, какие-то привязанности, которые могли перерасти в любовные чувства. И все это разнообразие любовных треугольников приводит к водевильно-комическим ситуациям в стилистике западных сентиментальных романов.

Новая плеяда японских режиссеров, начиная с «нулевых» годов XX в., ставит акцент в своих фильмах на психологизм. Экспериментируя в формате телесериала режиссер Сатоси Кон на студии «Madhouse» в 2004 г. снимает ленту «Агент паранойи (妄想代理人)». Сюжетная линия лишена с логичной драматургичной структуры, но связана с глубокими личностными переживаниями и комплексами девушкой, страдающей аутизмом, учителем, с шизофреническим раздвоением личности, самоубийцей с маниакальными идеями. А. Тупкало следующим образом расшифровывает замысел фильма: «Этот автор не задает вопросы, чтобы на них отвечать. Он задает их ради самих вопросов, выворачивая людей наизнанку, чтобы они после его фильмов сами проделали с собой тоже самое. <...> Он просто аккуратно переносит на экран мании, для многих составляющие эту самую жизнь»[106]. Н. Караев называет фильм «Агент паранойи» комедией ужасов, перед которой блекнет даже американский сериал-horror знаменитый «Твин Пикс» режиссера Дэвида Линча.[107]

Самым значительным OAV-сериал этого жанра является фильм режиссёра Ятагай Кэнъити «Тэнти – лишний!: Рю-о-ки (天地無用！魎皇鬼), снятый на студии «AIC» в период с 1992 г. по 1994 год. Совершенно очевидно, что этот сериал задумывался как кинопародия на «Звездные войны» Джорджа Лукаса. Правда главного героя Тэнти – забытого наследника трона космической империи Дзюрай, окружает слишком много девушек. Но есть и таинственные персонажи и космические войны и удивительные инопланетяне. Популярность этого сериала оказалась настолько велика, что было снято OAV-продолжение, а потом два TV-сериала и три полнометражных аниме о жизни Тэнти.

В 2007 г. режиссёр Морио Асака на студи «Madhouse» был снят аниме сериал «Нана (ナナ)».Наивная девушка Нана Комацу отправляется в Токио, на поиски своего парня Сёдзе. Случайно она в пути знакомится с Наной Осаки – солисткой панк-группы «Blast». Нана Осаки желает доказать всему миру и себе, своему парню Рэну – гитаристу группы «Trapnest», что она самостоятельно может мечтающей стать в столице известной певицей, хотя она увлечена мыслями о смерти. И всем своим видом пытается выразить эти мысли. Девушки, несмотря на несхожесть характеров, находят общий язык и селятся в общей квартире. Нана Осаки прозвала подружку за её особенность влюбляться с первого взгляда Хатикой – собачкой, которая все время крутится под ногами. Любовь и смерть – столпы изобразительного искусства, и новое японское аниме MANA, снятое по манге Ядзавы, эксплуатирует их в полной мере. «Любовь всегда символизирует настоящее, в то время как смерть – это будущее, то, что скрыто за горизонтом, что мы ожидает в конце каждой истории о любви»[108].

Не могла, согласно законам развития киноискусства, как мирового культурного явления, японская анимация не отозваться на феномен итальянского неореализма. В частности, на опыт художественный фильма режиссёра Витторио де Сика «Похитители велосипедов» (Ladri di biciclette), награжденного в 1950 г. почетной премией «Оскар». Полнометражный аниме-фильм «Могила светлячков» (火垂るの墓) созданный режиссёром Исао Такахаты в 1988 г. на студии «Ghibli» на первый взгляд и по драматургическому материалу и по технологиям его подачи далек от произведения Витторио де Сика. Однако их сближает жанр, а главное – драма одинокого маленького человека в послевоенном городе страны, проигравшей войну, отнявшую у проигравшей нации все ресурсы, как материальные, так и духовные.

Анимационный фильм «Могила светлячков» отмечен высокой наградой на детском международном кинофестивале (1994) и получил Специальный приз японских критиков «Голубая лента». Основой для него стал одноименный автобиографического романа писателя Акиюки Носаки, потерявшего свою сестру из-за недоедания в послевоенном 1945 году. В «Могиле светлячков» рассказывается о 14-летнем Сэйта и его сестренке Сэцуко, ставшими обездоленными сиротами уничтоженном американской авиацией городе. Сэйта, конечно же, далеко не взрослый человек, но его детство закончилось и после гибели родителей, он должен заботиться о маленькой сестрёнке. Возможности выжить в голодном, разрушенном, сожженном городе ему мешает и наследственная гордость сына капитана крейсера. Сэцуко же, хотя и шалит, качается на качелях и играет в свои игрушки, понимает всю безысходность беды, которая обрушилась на них. Правда она верит, что ее старший брат защитит ее от всего. Укрывшись в пещере на пригородном холме, Сэйта и Сэцуко пытаются выжить, но все равно погибают от недоедания, согреваемые лишь огоньками светлячков.

Последние кадры этого, без сомнения, великого фильма показывают нам Сэйта и Сэцуко, сидящими на холме над городом. Но этот город уже не город их жизни, а современный мегаполис с сияющими светом небоскребами на месте когда-то давно сгоревшего их родного города. Теперь умершие от голода дети стали духами детей – страшных жертв военного поражения Японии, как напоминание, что подобные Второй мировой войне трагедии никогда не должны повториться. Выдающийся французский мультипликатор Мишель Осело называет фильм Такахата «Могила светлячков» абсолютно уникальным, утверждая что такого мировая анимация еще не видела, и настаивает, что: «...фильмы Такахаты продолжат смотреть как классическое кино. Именно этим они и будут интересны в дальнейшем»[109].

Романтизм в его зрелом выражении предполагает идею бескомпромиссное противостояние личности объективному миру и социуму. Личность человека мыслиться при этом как последнее прибежище духовности, как единственный возможный потенциал преобразования мира, каким бы проблематичным оно ни представляло в иных персональных вариантах романтического мироощущения.[110] Романтическая концепция личности тяготеет к идеалу, зиждется на чувстве гениальности. Доминирующим знаком исключитель»ности становится собственная оценка, делающая индивида возможно всемогущим, по сути, аналогом богов на земле. Однако романтический настрой героя нивелируется, если нет рядом с ним зеркала – окружения, состоящего из поклонников и противников. Представления о чести и долге перед кланом и соратниками у героев Мацумото схожи с аналогичными представлениями героев Александра Дюма.

Анимационный фильм режиссёра Макото Синкай «Пять сантиметров в секунду» (秒速５センチメートル)», созданный на студия «CoMix Wave Inc.» в 2007 году, В нем тонко, лирично и с чувством легкой боли рассказано о платонической любви девушки Акари и юноши Тоно, не более того. Драматургия аниме охватывает все аспекты взаимоотношений в человеческом сообществе, как в личностном плане, так и в социальном. Аниме, за счет присущих ей анимационных ресурсов, демонстрирует и отношения людей между собой, проникая в их сны и подсознание. Рассмотренный материал позволяет утверждать, что модерн, присущий аниме, привел к эрозии японских традиций в сфере взаимоотношений персонажей между собой. Представляется, что это результат воздействия североатлантической кинокультуры на японских режиссеров. Поставлен под сомнение даже культ учителей – сенсеев. В ученичестве это почитание учителя как сэнсея – человека, связанного с духами предков. Одна чисто японская черта остается без изменений. Во всех сюжетах аниме присутствуют ками. Они или активно вмешиваются, или скрытно наблюдают за героями, или выполняют функции инициации. Даже в мелодраматическом аниме «Пять сантиметров в секунду». Здесь ками присутствуют лишь как рисунки на станицах школьных тетрадок, а также как нэко – Акари и Тоно встречают котёнка по имени Тёби и упоминается кошка Мими. Несмотря на то, что котята являются аллюзиями из аниме фильмов Макото Синкая 1999 года и 2007 гг. «Она и её кот (彼女と彼女の猫)»  – студия «Minori» и «Кошачья сходка (猫の集会) – «NHK», они как бы со приглядывают за влюбленными. Возможно, духи нэко залог того, что юные сердца все же соединятся.

Во второй половине 1980-х годов с появлением первого OAV сериала «Легенда о сверхдемоне (超神伝説うろつき童子) Хидэки Такаямы в сферу интересов создателей аниме вошли сексуальные интересы. Созданный на студии «Phoenix Entertainment» в 1989 г. фильм запутанный сюжет с красочно нарисованными сценами сексуальных отношений людей. Считается, что с этого сериала начался жанр хентай, близкий к порнографии. Порнографические сцены в хентае представлены от стандартного секса до различного рода извращений, вроде яой, юри, сётакон, лоликон. Так как мы не склонны относить хентай к аниме, считая, что этот жанр относится к коммерческой японской анимации, то станем больше рассматривать эту тему.

Таким образом, анализируя сферу человеческих взаимоотношений в японском анимационном кино, приходим к выводу, что для межличностных отношений в человеческом сообществе, выстроенном в аниме, характерен японский традиционализм. Хотя, судя по аниме-лентам, следует отметить, что в сегодняшней Японии конфуцианский принцип отношения «человека и человека» практически исчерпал себя. Почитание учителей учениками в сюжетах аниме осталось в большинстве фильмов в прошлом. Считаем, что низвержение учителей и родителей с их пьедестала было вызвано неприятием тинэйджеров, составляющих основную массу аниме-аудитории, с традиционным для них авторитаризмом. Свою роль сыграла и феменалистическая революция, действуя и взаимодействуя и в японском обществе и в кадрах аниме, В то же время надо отметить, что вызванные к «жизни» новые для японского общества архетипы One Piece, Bleach, Toriko и Naruto и их отношения с другими персонажами имеют много черт характерных для традиционного японского общества.

 

Отношение человека и киборга в японской анимации

В научных кругах психологов существует мнение, что как только в подростковом возрасте складывается личность человека и осознается его «я» его целостность становится объектом его же рефлексии. Продолжая эту мысль В. Рогозин пишет, что в результате в юном существе возникает особая «третья природа», для которой характерно действие «человека в человеке», причем новые структуры психики, складывающиеся в результате такого процесса, подчиняются как логике уникального, так и закономерного, проявляют себя то, как множество относительных персон, то как целостная личность»[111]. Нам представляется, что японские аниматоры нашли и новое вложение «третьей природе» человека в его отношениях с киборгами.

Первые сериалы о боевых роботах появились в 1960-х, благодаря которым в японском языке появилось новое понятие – меха, обозначающее роботоподобные механизмы. Автором этого понятия является Го Нагаю, создавший в 1972 г. мангу «Мазингер Зет (マジンガーＺ)». В след за мангой в этом же году режиссерами Юео Сэрикава, Тосио Кацута, Томохару Кацумата, Токуэ Сиранэ и Нобуо Онуки на студии «Toei Animation» был снят и одноименный TV-сериал. Фабула сериала основывается на истории, в которой двое ученых – доктор Кабуто и доктор Хэлл во время археологических раскопок обнаружили артефакты исчезнувшей цивилизации. Её представители могли конструировать огромных роботов, в которых пилоты находились внутри управляемого им робота. Следовательно, могли в ходе боя погибнуть вместе с механизмом. В этом главное отличие нового продукта киностудии «Тоэй Дога» прошлых сериалов. Ученые сознавали, что технология такого рода может быть использована для завоевания мира. Доктор Хэлл предпринимает такие усилия. В противовес ему доктор Кабуто решает помешать этому проекту и создать своего робота, способного бороться с техно-чудовищами доктора Хэлла. Понятно, что доктор Хэлл стремится убить доктора Кабуто. Убийцам это удалось, но на его место становиться его племянник Кодзи, которому Кабуко успевает показать, как управлять роботом. В результате главным противником Хэлла, стремящегося к всемирной диктатуре, становится юный Кодзи и его робот Мазингер Зет. Рядом с Кодзи действуют его друзья, среди которых находится его любимая Саяка Юми, управляющая роботом «Афродита А», смешной толстый парень по прозвищу Босс и его робот «Босс Борот».

Дружба и единодушие молодых героев в борьбе с всемирным злом оказалось близко сердцам японской молодежи 1970-х. И сериал, в котором даже девушки-героини были скорее «боевыми подругами», чем просто подругами обрел в Японии самую широкую популярность. Она вызвала появление других сериалов о роботах: «Роботы Гетта» («Гетта Робо», 1974-1976), «Инопланетный робот Грендайзер» («UFO Robot Grendaizer», 1975-1977), «Стальной Джииг» («Котэцу Джииг», 1975-1976) в 1976–1977 гг. «Неуязвимый робот Комбаттер-V» ((超電磁ロボ コン・バトラーV)», в 1977–1978 гг. «Межпланетный робот Дангвард Эйс (惑星ロボ　ダンガードＡ)», в 1978 г. «Непобедимый и единственный Дайтарн 3 (無敵鋼人ダイターン3)», в 1979 г. «Далтаниос, робот будущего» (未来 ロボ ダルタニアス)».

В 1979 г. на студии «Sunrise» появляется сериал «Мобильный воин ГАНДАМ (機動戦士ガンダムＳＥＥＤ 機動戦士)». Его автор Ёсиуки Томино объединил космические эпопеи и истории о гигантских роботах, чем положил начало множеству сериалов и фильмов эпопеи «ГАНДАМ». Он заложил основу масштабных научно-фантастических фильмов о космической истории человечества. В предыдущих сериалах жанра «меха-сэнтай» роботы главных героев существовала в уникальных экземплярах, и являлись как бы их друзьями. В сериале «ГАНДАМ» роботы производились на конвейере, что исключало личностного, приближенного к человеческому, отношению к ним героев.

В 1995 г. появляется фильм режиссёра Мамору Осии, снятый на студии «Production I.G», «Призрак в доспехах (攻殻機動隊)». В качестве главного персонажа первого фильма этой серии появляется Искусственный интеллект, созданный правительством 2029 году, благодаря кибер-технологиям. Его задачей является выполнение дипломатических задач любыми методами, включая и провокации. Призрак получает псевдоним «Проект 2501». Основной метод его работы схож с преступной деятельностью хакеров, взламывающих сайты по всему миру. Проект 2501 развивается, повсеместно распространяется по компьютерным сетям, и в нём, как побочный продукт, зарождается собственный непредсказуемый призрак. Следует сказать, что этому времени практически все люди на планете живут с вживленными в них разнообразными нейронными имплантатами. В какой-то степени они сами стали кибергами, и одновременно жертвами кибер-технологий, которые принесли и новые виды угроз для человека. Стало, к примеру, возможным компьютерное проникновение в человеческое сознание – «взлом мозга». Естественно, свою работу усиливает 9-й Отдел «Бюро Общественной безопасности» – государственная организация по борьбе с кибер-терроризмом. Интересно, что майор Мотоко Кусанаги, представляющий 9-й Отдел, является киборгом в женском обличии. Кусанаги определяет главного преступника – таинственного Кукловода, который сам пытается выйти на виртуальный контакт. Кукловод вкладывает свою призрачную структуру в нечто биологическое, схожее с человеческим телом и внедряется, как новый сотрудник в 9-й Отдел. Граница между человеком и машиной почти стирается. Целью Кукловода является эволюционное развитие виртуальных призраков до уровня полноценного человека. Он предлагает майору объединить свой призрак и её, рассчитывая, что результате получится совершенно новый призрак с генами живых существ. Кусанаги соглашается, процесс слияния кибернетических созданий начинается и во время этого процесса снайперы уничтожают их андроидные тела. Но слившееся новое сознание виртуальных призраков остается целым и помощник Кусанаги –офицер с кибернетическими имплантатами Бато, помещает обновленный кибермозг в кибертело маленькой девочки.

Проходит много лет и события первого фильма в 2004 г. будут продолжены во втором фильме Осии Призрак в доспехах: Невинность (Призрак в доспехах: Невинность (イノセンス)». В новом фильме 9-й Отдел» по-прежнему выполняет свои функции. Происходит серийное похищение маленьких девочек. Офицер Бато находит их среди больших кукол в заброшенном заводе. Эти «куклы» нападают на офицера, пытаясь его убить. Но ему помогает оказавшийся среди этих кукол киборг, несущий в себе объединенное сознание Кусанаги и Кукловода. Сюжет, как мы видим, выстроен по детективной линии и, не смотря на множество цитат из китайской, японской и европейской литературной классики, достаточно прост. Остается один вопрос, на который трудно ответить: «А почему в названии второго фильм о призраке в доспехах присутствует и слово «Невинность»? Н. Караев, обратив внимание на слова одного из загадочных персонажей фильма Кима о том, что совершенство доступно лишь существам, лишенным сознания и, возможно, тем, кто наделен бесконечным сознаниям, иными словами: куклам и богам, считает, что «Может быть, потому, что это не о киберпанке кино. И не о полиции будущего, и не о преступлениях против виртуальной личности, и даже не о роботах, как таковых. «Невинность» – фильм о том, откуда в нашем мире берется зло. <...> Куклы невинны по определению, как бы «порочны» они не были»[112]. В то же время, в фильме звучит тема человеческого одиночества. Рассматривая работу Осии, А. Хачатурянц находит, что в нем присутствует дословные цитаты из романа М. Булгакова «Мастер и Маргарита», затрагивающие потерянность одного человека в мире людей.[113] И вполне закономерным является факт появления в 2002 г. на студии «Production I.Gр» фильма режиссёр Кэндзи Камияма «Призрак в доспехах: Синдром одиночки (攻殻機動隊)». Этот сериал, на наш взгляд, интересен тем, что в качестве главного персонажа создан симулякр Холдена Колдфилда – героя романа Сэлинджера «Над пропастью во ржи». Он носит синюю куртку с капюшоном и панаму, скрывающую почти все его лицо, и, конечно же, ненавидит лицемерных людей и любит бейсбол. Он – гениальный хакер, но обитает в гигантской библиотеке, в которой ещё сохранились книги. Кэндзи Камияма на той же студии в 2011 г. снимает и полнометражный аниме-фильм «Призрак в доспехах: «Синдром одиночки – Закостенелое общество (攻殻機動隊)». Это аниме, завершающее сериал по этой теме, наиболее бедное в творческом плане, и несет в себе множество повторов прежде открытых идей и имен и поступков героев.

Как и любой крупный проект, сериалы о роботах стали развиваться в самых различных жанрах. К ним относится и жанр фантастической комедии о киборгах. Одним из первых таких сериалов стал сериал режиссёра Окадзаки Минору «Доктор Сламп (Dr.スランプ アラレちゃん)» студии «Тоэй Дога», снятый в 1981–1986 гг. по мотивам манги Акиры Ториямы. Здесь персонажами являются сумасшедший ученый Сламп и робот в форме девочки Арале-тян, обладающей мало контролируемой сверхсилой. И катастрофической, и в тоже время детской, страстью к разрушению всего, что её окружает. Ученый и девочка-робот не стремятся спасти мир, а просто существуют, попадая при этом во всякие смешные истории, из которых с трудом выпутываются. Следует отметить, что изобретатель, создавший себе подружку, увлекается коллекционированием эротических журналов. И если оставить вне внимания этическую составляющую истории и сконцентрироваться на отношениях человека и робота, то явным становиться появление немыслимых, как кажется, эротических отношениях. По крайней мере, со стороны странного одинокого, смешного изобретателя.

В 2005 г. режиссёр Мурата Масахико снял на студии «Feel» ленту «Боевые роботы Дзинки (ジンキ・エクステンド), в которой рассказана, казалось бы, незамысловатая история о тринадцатилетней девочке Аоба Цудзаки, любящей собирать модели роботов. Оказавшуюся в силу несчастного стечения обстоятельств беззащитной, Аобу похищают и привозят на военную базу. Здесь она сталкивается с гигантским антропообразным боевым роботом Дзинки и вынуждена стать пилотом этого робота. Создатели фильма, конечно, по мнению Е. Крымовой «...не могли обойтись без чертовщины. Происходящее запутанно. Кадры из будущих серий перемежаются с личными воспоминаниями, снами героев и, собственно, настоящими событиями. Место действия скачет между Венесуэлой, Японией и станом неизвестного Врага. А тут еще жуткий совет генералов со звериными головами»[114]. С нашей точки зрения, речь идет не о чертовщине, а об обычных вещах трансформированных в техностиле ками, способных путать пространство и время.

Впервые о Хани Кисараги, как о девочке-роботе заявлено в манге Го Нагая и в фильме режиссера Синго Араки «Милашка Хани (キューティーハニー)». Главная героиня сериала, выпушенного в 1973 г. на студии «Toei Animation», девушка-андроид – симулякр сёдзи. Она исполняет роль дочери создавшей её немолодого учёного. Хани предстает перед зрителями и как робкая школьница, и как красноволосая супергероиня. Стоит девочке произнести фразу «Хани-флэш!» и она трансформируется в красивую женщину, обладающую огромной силой и ловкостью. В последнем качестве она расправляется с злодейской организации «Коготь пантеры», убившей её «отца». Усложнение образов девочек-роботов Е. Бондаренко и А. Тупкало объясняют некоторым влияние на архетип времени: «...по прошествии лет девочки-роботы все-таки слегка менялись. Влияние оказывал «дух времени», заставляющий авторов выбирать те или иные аспекты темы. Скажем, в начале девяностых, в разгар OVA-бума, возник явственный запрос на более сложные и серьезные сюжеты – и авторы не замедлили на него откликнуться, как в легком жанре, так и в более сложных, даже философских направлениях»[115]. К сложно сюжетным фильмам относится и фильм-аниме режиссера Хироси Фукутоми «Сны оружия» (銃夢)», снятый на студии «Madhouse» в 1991–1995 гг. по одноименной манге Юкито Кисиро. Этот фильм, больше известный под названием «Боевой ангел», рассказывает о девочке-киборге Галли, которая пытается вспомнить свое прошлое, существуя в Городе-Свалке постапокалипсического мира. Сюжет настолько драматичен и захватывающ, что известный режиссёр, обладатель кинопремии «Оскар», Джеймс Кэмерон неоднократно заявлял о своём желании снять по мотивам этой манги свой фильм в Голливуде.[116] Цивилизация пережила гибель, выжив, оно отказывается от планеты Земля, как единственного места обитания. Теперь на пустынной теперь планете, где-то на развалинах старого мира, находится город, превращенный в Свалку. На её территории сложно существуют люди и киборги. А над ними возведен сияющий город Тиферет. В нем сохранена прежняя цивилизация и комфорт, уже недоступный обитателям Свалки. Но город в небесах не в состоянии существовать без Свалки на земле. Именно на ней элитные жители Тиферета построили Фабрику. Задачей этой организации- производства является сбор промышленных и пищевых ресурсов, которые по трубопроводам направляются в Тиферет. Для того, чтобы эта работа и несправедливое перераспределение ресурсов было незыблемым, действуют фабричные органы правопорядка, а слежка и ликвидация преступников поручена наемникам Фабрики. Каждое нарушение приказов Фабрики карается смертью.

Главный герой фильма доктор и механик Идо находит на Свалке разрушенного киборга. Оказалось, что человеческий мозг девушки, вживленный в робота, еще сохранил свои основные функции. И доктор Идо начинает лечить этот мозг, заодно и восстанавливая механические конструкции, поддерживающие жизнеобеспечение мозга девушки. Операция проходит успешно, но Идо не удается восстановить память девушки. Ему приходится даже дать ей новое имя – Галли. Что же касается других функций, то они были полностью восстановлены механиком. Галли вновь начинает владеть мастерством «рукопашного», старинного киборг-боя. Здесь мы видим явные аллюзии, связанные с японской литературой, просвещенной мастерам рукопашного боя. Между тем, Идо сам является наемником Фабрики и Галли вынуждена стать его помощником. Но постепенно к ней возвращается память, что создает весьма драматические ситуации и страдания.

Огромный сектор в анимационном мире рассматриваемого ряда занялфантастический сериал «Дораэмон» (ドラえもん) (1973) по мотивам манги Фудзико Фудзио.«Дораэмон» был отмечен престижной премией «Shogakukan» в 1982 году и премией Осамы Тэдзуки в 1997 году. Авторы – режиссеры Мицуо Каминаси (Студия TMS Entertainment), Кодзо Кусуба (Студия Shin-Ei Animation) и Цутому Сибаяма (Студия Shin-Ei Animation) создали фантастическую ситуацию, позволившую жителю будущего прислать в прошлое, когда его дед был еще мальчиком Ноби Нобито кота-робота по имени Дораэмон. Кот весит 129.3 килограмма, его рост 129.3 сантиметра, и он способен пробежать в час 129,3 километра. Кот способен проникать в четвёртое измерение и из кармана, расположенного у него на животе вынимать в нужный момент разные инструменты и приборы, с помощью которых он облегчает жизнь обычного маленького, но очень невезучего мальчика. Комическая нить складывается из таких деталей, как страх огромного кота перед обычными мышками. Кот Дораэмон всегда весел, обожает поесть сладость и обожает свое день рождение, приходящееся на 3 сентября 2112 года – день Динь-Дон. Кот выдумщик и врун, что делает его отличным другом мальчика Ноби Нобито и его друзей. С его помощью сбываются мальчишеские мечты, на отлично выполняются школьные задания на дом, им становится легко и безопасно путешествовать даже во времени.

Увлечение роботами привело к тому, что киборгам стали придавать все больше человеческих качеств. Впервые роботам были приданы творческие специальности людей в фильме OAV «Мегазона 23 (メガゾーン23), появившемся в 1985 г. на студии «Animation International Corporation». Режиссер Нобору Исигуро создал киборгов, которые являлись исполнителями рок музыки. В тоже время в этом кинопроизведении автор так полно передали все условность виртуального мира, что им пришлось использовать тему мотоциклетных банд, что бы достигнуть хотя бы относительную связь с реальным миром.

В 1990 году режиссером Ёсиаки Кавадзирина студии «Madhouse Studios»создается первая серия OAV-сериала «Кибергород Эдо 808 (サイバーシティ OEDO 808)». «Кибер-город» населен кибер-преступниками и их адептами. Им последовательно и достаточно успешно противостоит Отдел по борьбе с кибер-преступлениями. Режиссер Кавадзири смог нарисовать убедительную кибер-панковскую атмосферу ночного города. Но наиболее не это удерживает внимание зрителей. Интерес вызван прежде всего тем, что тюремная власть космической тюрьмы бросает на борьбу с преступниками самих преступников – трех хакеров, которые приговорены к столетним срокам заключения. Они возвращаются на Землю и начинают ловить нарушителей законов.

К концу XX в. жанр киберпанка настолько расширил свои границы, что стал затрагивать не только проблемы молодежи. В 1991 году появляется на студии «A.P.P.P.» полнометражный аниме-фильм режиссёра Китакубо Хироюки «Старик Зет (老人Z)»  по мотивам манги Кацухиро Отомо. В нем в Японии, шагнувшей недалекое будущее, роботы приходят в геронтологическую медицину. Со старением населения столкнулся весь цивилизованный мир, не жалеющий любые деньги на попытки продлить жизнь старикам. Сюжет фильма заключен в том, что робототехники заключают контракт со старым инвалидом Такарадзава. Он становится подопытным субъектом для испытаний оригинальной конструкции медицинского персонала Z-001. Этот кибер-механизм – идеальная сиделка и медсестра. Однако изначально эта техника создавалась как военный меха-скафандр, подключающийся к мозгам пилота. Просканировав тайные мысли ущербного старика, робот-сиделка вновь начинает выполнять функции боевой машины и начинает войну со всеми, кто как-то неугоден или чем-то не нравится старому инвалиду. И теперь только бывшая сиделка Такарадзавы, может остановить этот кошмар. И то, что ею является юная особа студентка Харуко, подчеркивает неосознанный еще конфликт между эгоистичной юностью и не менее эгоистичной старостью. Конфликт поколений не характерен для японского искусства и для кинематографии в частности, поэтому действия студентки даны больше как забота, нежели как противостояние, хотя в её поступках и чувствуется раздражение алчностью к вечной жизни немощных стариков, к их паразитической жизни внутри роботов-нянек.

Сьюзен Напиер (Susan J. Napier) отмечает, что «В японской анимации и комиксах существует практика превращения человеческого тела во что-то гротескное (сериал «Гайвер», «Акира»), так и что-то притягивающее («Луна в матроске», «Cutie Honey»), но всегда запоминающееся. От киборгов и супергероев на стороне добра, до мутантов и монстров на стороне зла. Все эти представлено во множестве сюжетов используют метаморфозы за основу.[117] Особенно сказанное наглядно просматривается в двухчасовом фильме «Акира» (アキラ)», созданном в 1988 г. режиссёром Кацухиро Отомо на студии «Akira Commitee» в условном жанре киберпанк-антиутопии. Действие разворачивается в 2019 году в мегаполис Нео-Токио, стоящем на грани колоссальной технологической катастрофы. В городе происходят митинги, демонстрации и столкновения подростковых банд на мотоциклах. Правительство и полиция в состоянии лишь реагировать на уже произошедшие конфликты. Один из байкеров юный Тэцуо сталкивается с ребёнком с синеватой кожей. Внезапно появляется полицейский спецназ и, применив силу, военные отбирают странного мальчика у Тэцуо. Это ребенок на самом деле являлся мутантом из секретных лабораторий правительства, изучающих возможность стимулирования в людях сверхспособностей. Между тем короткого контакта с мутантом оказалось достаточно, что бы и обычном тинэйджере-байкере начали проявляться силы, которые никто не в состоянии одолеть. Учёные и военные, конечно, пытаются контролировать Тэцуо, но безуспешно. Все помнят катастрофу, которая стёрла с лица земли старый Токио в 1988 году три десятилетия назад. А вызвал её один из мальчиков-мутантов по имени Акира, который теперь заморожен глубоко под землей в стальной сфере. Поклонники аниме «Акира» называли фильм эпохальным, т. к. в нем были использованы самые совершенные технические приемы. Были применены впервые в истории анимационного производства компьютеры и сложнейшие компьютерные программы и для создания графики и синхронизации движений губ персонажей с голосами актеров.

В. Иванов утверждает, что «У человека имеется астрономическое число нейронов и их соединений (около 10¹⁴), что в принципе может позволить одному человеку хранить в уме запас сведений, накопленный всем человечеством. Но для этого нужно вовремя начать использовать эти возможности»[118]. При всем уважении к ученому, следует сказать, что никогда, ни на каком уровне развития технологий и цивилизации, человеку невозможно будет использовать все 100% возможностей своих нейронов, т.к. это противоречит элементарной физиологии мозга. Однако в японской анимации это возможно.

В 1987 году на экраны Японии вышел не совсем обычный двухчасовой полнометражный аниме-фильм режиссера Хироюки Ямаги «Крылья Хоннеамиз» (王立宇宙軍 オネアミスの翼) на студии «Gainax». Фильм излагает историю первого космического полета и первого космонавта фантастического государства Хоннеамиз. Необычность его была не только в мастерстве, с которым молодые аниматоры создали альтернативный мир, неуловимо похожий на реальный, а в том, что этот мир рассмотрен глазами обычных фанатов аниме. Новое поколение творцов, так ярко заявив о себе зрителям, постепенно начало диктовать индустрии свои правила игры. И относилось это даже не столько к самой «Gainax», сколько ко всему множеству молодых аниматоров, пришедших в эти годы в бизнес коммерческого аниме.

Обозревая пристрастия постиндустриального общества, А. Генис пишет, что «Сегодня старая техника вошла в моду. Более того, техника прошлого заменила технику будущего, и новая фантастика пользуется паром и электричеством с немевшим успехом, чем Жюль Верн. Весь модный жанр «стимпанк» работает на ностальгии по внятному , как в школьном учебнике, миру, устройство которого можно понять, объяснить и полюбить – хотя бы за бесполезность. Шестерня, ненужная как фиалка, становится объектом эстетического любования»[119]. Японские аниматоры, отличающиеся чутким вниманием ко всем тенденциям современного мира, уделили свое внимание и на это парадоксальное явление.

Представляется интересным положение инопланетных существ в японской анимации. В отличие от не имеющих общих черт ни одним из народов Земли образов, представленных в мировой научной фантастике, инопланетяне в аниме имеют сильный японский этнокультурный акцент. Инопланетяне японской анимации все немножко ками, как демоны, прибывшие из космоса в экранизации манги Румико Такахаси «Эти несносные пришельцы (うる星やつら)». Многосерийный фильм был создан в период с 1981 г. по 1986 год на студии «Studio DEEN» режиссером Кадзуо Ямадзаки. В нем демоны-инопланетяне обладают технологией, превосходящей земную. Они собираются завоевать Землю. Землян спасает от порабощения главный герой – Атару Моробоси. Он оказался человеком, выбранным компьютером инопланетян и смог прикоснуться до рожек главной героини по имени Лам – дочери главы инопланетных захватчиков. Она обладает всеми признаками небесной ками – умеет летать и поражать молниями, иногда в минуту сильного волнения помимо своей воли. Однако, сериал не об ужасах межпланетной войны, а вполне укладывается в рамки востребованного зрителем сёдзё-аниме. В этой истории скорее повествуется о любовном треугольнике, так как у героя Атару есть прежняя возлюбленная – Синобу, ревнующей его к инопланетянке. Лам также не остается равнодушной и пытается разлучить Атару с Синобу ударами молнией.

Отдельного разговора заслуживает сериал «Евангилион (新世紀エヴァンゲリオン)» или сокращенно «Ева» — аниме жанра «меха» режиссёра Хидэаки Анно, выпускавшееся студией «Gainax» с 3 октября 1995 года по 27 марта 1996 года. Первые серии стали экранизацией одноименной манги «Евангелион» Ёсиюки Садамото, публикуемой с 1 февраля 1995 года и не завершенной до сих пор. Впоследствии сюжет сериала обогнал мангу, и уже манга стала создаваться под влиянием сериала. Автор манги Садамото также стал и дизайнером персонажей аниме. Сценарий же писался шестью сценаристами, включая Анно. При этом в написании сценария четвёртой серии Анно участия не принимал. Сопродюсерами сериала выступили TV Tokyo и Nihon Ad Systems (NAS). Впоследствии выходило множество произведений по мотивам сериала, таких, как аниме, игры и манга. Аниме и манга повествуют о борьбе организации Nerv с таинственными созданиями — «Ангелами», по неизвестным причинам нападающими на человечество. С целью защиты от вторжения Ангелов используются биороботы «Евангелионы», разработанные предшественницей Nerv – Gehirn. Управлять этими роботами могут только некоторые 14-летние подростки, именуемые «Детьми» или «Дитя», когда речь идет об отдельном пилоте. При этом аниме и манга имеют некоторые расхождения в сюжете. Так, например, в манге появляется лишь 12 Ангелов вместо 17-ти в сериале, и в первом бою, в отличие от аниме, участвует Рей Аянами на Евангелионе-01. После выхода сериал получил ряд наград. Также обрели популярность и его отдельные элементы. Так, Синдзи Икари и Рей Аянами занимали первые места гран-при журнала Animage в номинациях на самых популярных мужского и женского персонажей соответственно и в 2010 году признаны журналом Newtype самыми популярными мужским и женским аниме-персонажами 90-х годов. Открывающая тема сериала «A Cruel Angel’s Thesis» стала хитом. К 2007 году вышло до 6 тысяч разновидностей сопутствующих сериалу товаров, а выручка студии за счет этого сериала составляла более 150 миллиардов иен (около 1,2 миллиардов долларов США. Различная сувенирная продукция, связанная с сериалом, выпускается до сих пор. Так, например, выпускалась серия фигурок Ангелы-XX, связанная с образом Рей Аянами и Ангелов.[120]

Н. Караев высказываясь о сериале «Евангилион» достаточно иронично отзывается так: «Братья-режиссеры Вачовски признались однажды, что «Матрица» – кино о «роботах против кунг-фу». В свою очередь, «Евангилион» – японский мультик о том, как гигантские роботы на батарейках дерутся с ангелами[121]. В другой своей статье автор по этому же поводу говорит вполне серьезно, понимая, что библейский мотив в этом аниме-сериала совершенно очевиден – тела Ангелов из «Евангилиона» состоят из световой материи. И последователь идет дальше в развитие своей сакральной мысли. Основываясь на том, что в сериале постоянно появляется рисунок Древа Сфират – отражения каббалистических десяти чисел божественных качеств, в частности, на потолке кабинета Гендо Икари, Н. Караев утверждает, что «В каждом персонаже доминирует качество Его сферы. Например: Синдзи – основание (последняя надежда человечества; Рей – непреходящее сияние (по-японски его имя означает и «ноль», как в Еве-00, и «луч», от английского «ray»); Аска – победа (стремление побеждать) и так далее»[122].

В течение всего лишь нескольких лет сериал «Евангелион» становится классикой японского аниме. Влияние «Евангилиона» в мире японской анимации становится настолько значительным, что появился целый ряд подражателей. Их творения выстраивались иногда на близком к «Евангилиону» художественном уровне, но чаще на гораздо более низком, но все они стали называть клонами «Евы». В этом ряду действительно оригинальной работой считается аниме-сериал «Argento soma (アルジェントソーマ), созданный в 2000–2001 гг. режиссёром Катаяма Кадзуёси на студии «Sunrise».

«Argento soma» переводится с латинского языка как «Серебряное тело». Действие разворачивается в 2059 г., в центре истории двое молодых людей: Макки Агаты и студент Такта Кениширо. Они любят друг друга. Но любовь не самое нужное чувство, когда идет война с пришельцами. Так случается, что любящие становятся заложниками экспериментов доктора Ногучи. Ученый задумал воскресить пришельца Франка, тело которого состоит из механизмов и биологического материала. В ходе эксперимента все исследователи погибают, кроме Такта Кениширо. Инопланетянин же оказывается на свободе. Главный герой, изувеченный пилот Такт не в силах простить смерть любимой девушки и начинает жить лишь ради мести. Он заключает договор с незнакомцем по имени Рю Сома. Этот странный человек оказывается пилотом спецотряда «Морг». Рю Сома убежден, что пришельцы готовы уничтожить всех людей на Земле. Он не знает и знать не желает, что сбежавший пришелец Франк стал заботиться о сиротке – странной девочке, что подчеркивает присутствие в нем элементов ками – наначастицы души погибшего астронавта. Между тем выясняется причина, которая заставила пришельцев вторгнуться на Землю. Оказалось, что когда-то в космосе погиб астронавт. Его бессмертная душа разделившаяся на наначастицы, инфицировала инопланетян и они вынуждены были прилететь на Землю, на которой осталась возлюбленная погибшего. Не успокоившаяся душа таким образом решила побывать дома и простится со своей любимой, от которой смерть любимого человека была скрыта. Появлением на Земле воспользовались генералы и начали так нужную им войну. Между тем не восстановленный полностью Франк полностью подчинился маленькой девочке, считающей его волшебником из страны чудес. Её беда стала его трагедией.

Великий режиссер Мамору Осии однажды беседовал со своим учеником, создателем «Rah Xephon» Ютакой Идзубути, и сказал ему следующее: «В мире больше не существует по-настоящему оригинальных идей, и каждое созданное в наши дни художественное произведение обреченно на то чтобы стать копией копии»[123].

В отличие от «NGE» и «RahXephon», в «Argento soma» среди героев нет тинэйджеров со своими неадекватными проблемами. Поведение персонажей выдает в них зрелых людей. А. Хачатурянц отмечает харизматичность и необычность главного героя, добавляя, что: «Argento soma – это не «Евагелион. Однако в своем уверенном сознании того, что он является копией копии, «Argento soma» оказывается способным вознестись над презрительным прозвищем клона «Евы», а в некоторых моментах даже подняться над «Евангилионом» в части удовольствия от просмотра. Режиссер, сценарист и аниматоры своей хорошей, качественной работой поднимают его на недосягаемую раньше высоту, в этом их главное достижение»[124].

Экзистенциональная кибер-история представлена и в фильме режиссёра Сюко Мурасэ «Эрго Прокси (エルゴプロクシー), созданного в 2006 г. на студии «Manglobe». В городе Ромдо на неопределенном пространстве постапокалиптической Земли люди и андроиды представляют собой массу, называемую «Авторейвами» – от английского слова «автоматическая жизнь». Условия для жизни человека поддерживаются благодаря Куполу, нависшему над городом. Власть в городе принадлежит Советникам, которые строго контролируют жителей. Искусственный рай на Земле разрушается серией жестоких убийств. Инспектор из Бюро Расследований Рил Мэйер со своим андроидом расследует это дело. В это же время загадочный вирус «Когито», воздействуя на андроидов, придает им человеческие души. В процессе расследования Рил узнает о существовании Эрго Прокси, который не относится ни людям, ни к андроидам. Кроме Рил свое расследование проводит иммигрант из Москвы Винсент Лоу, работающий на Центр Контроля Авторейвов Ромдо, созданный для розыска и уничтожения зараженных андроидов. Он знаком с Рил и питает к ней романтические чувства.

А. Хачатурянц отмечает, что «В ходе простора можно заключить, что «Egro Proxy» включает все четыре основных сюжета, описанных Хорхе Луисом Борхесом: осаду крепости, поиск, возвращение домой и самоубийство Бога. <...> Четвертую историю символизирует сам Эрго Прокси, блуждающий бог, чудовище в маске, самопровозглашенный посланник Смерти, непрерывно, будто тень, преследующий Винсента и Рил, оставляя за собой вереницу смертей других, не менее чудовищных Прокси»[125]. Несмотря на неяпонские имена, фильм «заселен» японским режиссером множеством ками ­ демонами типа Эрго Прокси, андроидами с душой вроде Пино и др. В силу этого факта, думаем, что ни о каком самоубийстве «Бога с большой буквы» в этом аниме не идет речи. Мы не видим Единого Бога, а видим лишь страшные, могущественные, конечно, стилизованные согласно законам киберпанка, божества синтоистского ряда.

Из фантастических и киберпанк-OVA упомянем два – сериал режиссера Оти Хироюки все той же студии «AIC» «Армитаж III» (アミテージ ザ サード)» – классический киберпанк, Фильм (1995 г.) вновь поднимает философский вопрос о возможности существования человеческой души в теле робота. Центральной идеологемой, основанной на предположении, что у роботов в программе заложена ошибка, дающая право на уничтожение завода по производству роботов на Земле и могущая привести к восстанию против людей. Фантастический OVA-сериал «Могучая Бёрди (鉄腕バーディー) режиссера Ёсиаки Кавадзирии, произведенный на студии «A-1 Pictures Inc.» в 1996г. по мотивам манги Масами Юки, больше внимания уделяет отношениям между людьми и киборгами. В основу истории жизни простого японского парня взят случай внедрения в его тело агента Галактической полиции. Агенты борются с незаконно проникшими на Землю пришельцами. Такое положение вынуждает человека превращаться в девушку-киборга.

Общая тенденция во взаимоотношениях людей и киборгов в аниме просматривается не только в очеловечивании последних, но и придании роботам и кибер-системам некоторых признаков ками. Способы, к которым прибегают авторы различны: робот может выглядеть как Будда – «Боевой ангел Алита: Последний приказ» (銃夢) или обладать божественными силами – «Конец Евангелиона» (新世紀エヴァンゲリオン劇場版).

Таким образом, отношения человека и киборга в японской анимации в основном схожи с отношениями между людьми, так как в большинстве аниме киборгам приданы человеческие качества такие, как мстительность, любовь, депрессия, сострадание. В некоторых случаях поведение киборгов напрямую зависят от психологического состояния человека, будь он пилотом, или же просто партнером. Важно отметить, что роботам придаются мистические качества, обусловленные вживлением в них духов – ками. Замечательно, что аниме позволяет иногда киборгам найти себя, то есть приобрести самость, собственно «Я».

 

Отношения человека и мистических существ в японской анимации

 

Мифы и история являются сообщающимися сосудами. Известный философ М. Мамардашвили отмечал, что «В нашем языке история – это то, что было, и поэтому мифы – это тоже история»[126]. Мифы Японии наполнены различными существами и призраками. Кроме собственно японских персонажей, в них действуют и китайские герои и творения религиозного воззрений народа Айны, в основе которых лежит первобытный анимизм. Из айнской мифологии в японский фольклор вошла разновидность водяных – призрачный получеловек-полузверь минтути. А из китайской – водный тигр суйко, так же отнесенный японцами к водяным каппам. Северный буддизм (распространенный в Китае и Японии) привнес в японскую мифологию сюжеты о бодхисатвах – людях, достигших Просветления, но продолжающих спасать живые существа, еще живущих на Земле. Китайский след очевиден и в сюжетах о драконах – рю. Они остались на Земле самыми могущественными существами, после богов. Драконы обладают огромными знаниями и мудростью. Отличает их от европейских драконов красота, тела у них длинные и тонкие, они лишены крыльев, а голова похожа на голову лошади с огромными усами и без ушей, с двумя рогами. От китайских драконов драконы рю отличаются игривостью. Играя с облаками, они вызывают дожди и ливни. Мир драконов Японии открыт. Драконы знают место в горах с огромным, чудесным водопадом. Даже рыба, добравшаяся, прыгая из одного водного источника в другой, может стать драконом.

Драконы активно действуют в анимационном фильме режиссёра Хаяо Миядзаки, снятого на студии «Ghibli» в 2001 г. «Унесённые призраками (千と千尋の神隠し)». Фильм сразу же вошел в список классики аниме и стал предметом постоянного критического анализа в среде исследователей аниме. Нам представляется, что во многом за счет плотной наполненностью мифическими существами. Иллюстратор и режиссер анимационных фильмов И. Максимов отмечает наличие в фильме «Далтаниос, робот будущего» всего двух полноценных антропоморфных героев – мальчика и девочки»[127]. А режиссер мультфильмов Н. Березовая отмечает, что при кажущейся похожести аниме «Унесенные призраками» на другие аниме-фильмы, видно, что у Миядзаки лимитированная анимация лишена условности движений. Это скорее, полноценная анимация без лишнего. Но, главное, что есть в его фильмах, это воздух, дыхание»[128].И данный выбор далеко не случаен. Воздух есть стихия драконов, «дыхание» воздуха – суть дыхание драконов. Они как бы присутствуют во всей атмосфере фильма.

Свой фильм «Ходячий замок Хаула» Миядзаки снял по мотивам волшебной сказки Д. Уиин-Джонс «Ходячий замок». Сценарий фильма построен на истории десятилетней девочки Тахиро, приезжающей вместе с родителями в новый город, в котором Тахиро ожидают новый дом и новая школа. Капризная, разбалованная девочка заранее считает, что её ждет скучная жизнь. Поступая неуважительно к особенностям этого города, родители девочки превращаются в свиней. Спасая родителей Тихиро становится ответственным, терпеливым и бескорыстным маленьким человеком. Именно последняя черта её характера привлекает к ней драконов рю, которые помогают ей во всем. Девочке встречается мальчик Хаку. Его имя говорит о том, что он божество янтарной реки. Если бы не Хаку, то Тихиро, упав в реку вслед за своей туфелькой, могла утонуть. Общаясь с Тахиро сознание Хаку постепенно меняется, и он вспоминает о том, каким он был, и почему он здесь. В действительности Хаку не человек, а дракон – хранитель реки в человеческом облике. Его настоящее имя – Нигихаями Кохаку Нуси, Хозяин реки. Н. Березовая подчеркивает интересный факт, что «…во всех фильмах Миядзаки кто-нибудь обязательно летает. И это делает атмосферу еще более сказочной. Да и сами истории похожи на сны, где сквозь реальный мир вдруг проступают непонятно откуда взявшиеся вещи, появляются волшебные персонажи. Но у Миядзаки всё сделано таким образом, что, как и во сне, ты полностью уверен, что так и должно быть. Просто миг – именно такой он есть»[129]. Приняв облик человека, дракон Нигихаями Кохаку Нуси вместе с Тихиро сокрушает колдовство колдуньи Юбабы. А. Хачатурянц, отталкиваясь от позиций футуризма и «Утопии» Т. Мора, утверждает, что и книгу, и фильм «Ходячий замок» можно отнести к искусству иллюзии. Они повествуют о том, каким Миядзаки и Уиин-Джонс видят XX век с точки зрения людей века девятнадцатого»[130].

В 1995 году студией «Pierrot» был создан анимационный фильм «Таинственная игра (ふしぎ遊戯)» – режиссёр Камэгаки Хадзимэ. Согласно сюжету две лучшие подруги Миака Юки и Юи Хонго находят в архиве рукописей книгу «Вселенная четырёх богов». В ней рассказывается о таинственном мире, напоминающем феодальный Китай. В нем расположены четыре государства: на севере, на юге, на западе и на востоке. Восточное государство находится под покровительством водного дракона Сэйрю. Девушки чудесным образом оказываются в этом удивительном мире и теперь от них зависит судьба этих стран. Миака становится жрицей государства Конан, а Миака Юи – жрицей Сэйрю, покровительствующего империи Куто. Покровитель Куто голубой дракон Сейрю устанавливает с ней сильную эмоциональную связь и во многом ведет её к победе над приятельницей, вдруг ставшей её самым опасным врагом. Как мы видим, схема выстроена согласно китайской астрологии, в которой четыре мифических животных считаются правителями небесных царств. Небо разделяется на четыре области – северную, южную, восточную и западную. Каждое из божеств владеет одной из этих областей, в каждой из которых есть по семь созвездий. Жрице необходимо собрать Семерых воинов, чтобы призвать божество на землю. Имена воинов совпадают с названиями созвездий.

Если анимационное искусство Японии в целом развивалось и развивается согласно критериям и направлениям мирового анимационного искусства, то аниме имеет ряд сугубо национальных черт. Прежде всего, аниме невозможно отделить от искусства манги. Сьюзен Напиер так описывает свое первое впечатления от знакомства с мангой: «В 1989 году один из моих студентов класса Японской культуры, принес мне на обзор комикс Акира. Воспитанная на таких простых и понятных комиксах как «Супермен» я увидела антиутопическую Японию, закрученный сюжет и персонажей с невероятно проработанными характерами. Эта манга вдохновила меня на посещение Лондонской премьеры аниме «Акира»[131].

Очевидно, такое понятие как манга, требуют анализа с позиции семантики, т.е. как продукта культурной и творческой деятельности человека, в области отношений между реальным миром и воображаемым, и совокупности таких отношений. В этом плане наша попытка не является инновационной. В 2009 году И. Смирнов проанализировал кинопродукцию с теоретических позиций семантики. Ученый исследовал семантику кино с историко-эволюционой лестницы киноискусства, ведущей от начала XX века вплоть до 1960-х гг., учитывая и парадигмообразующее развитие технических изобретений, определяющих собой смыслы.[132] Его работа открыла возможности увидеть более глубокие связи между кино, как индустрии современной цивилизации и древними фольклорными культурами различных народов, проецирующих свои реалии и реализующих свои фантазии в области киноискусства. Таким образом. манга (漫画, マンガ) – это неотъемлемая часть японской художественной традиции. Само слово означает «гротески», «странные (или весёлые) картинки»[133]. Мангу, изменившуюся в какой-то степени под влиянием американских комиксов иногда называют японскими комикку.

Художник-аниматор и режиссер Е. Чернова справедливо отмечает, что «Если в российской мультипликации зачастую присутствует чрезмерность движений, то у японцев создается лишь допустимый минимум. Из-за этого я воспринимаю аниме как оживший комикс»[134].

Следует еще раз подчеркнуть, что манга явилась одним из самых важных факторов, выдвинувших аниме из мирового контекста анимационного киноискусства. Наиболее точно и практически исчерпывающе определил связь между мангой и аниме российский режиссер и преподаватель анимации С. Меринов: «...аниме – это минимально оживленные картинки с текстом: красивые фоны, по которым почти не двигаются герои...»[135].

Собственно манга имеет корни, уходящие в глубину тысячелетий. Достаточно вспомнить о керамике и женских фигурках догу Дзёмон, датировка которых определяется на уровне 10 тыс. лет до н. э. Древняя японская живопись отличается разнообразием жанров и стилей. Для неё характерно обожествление природы, и как следствие, антропологическая персонализация, и ввод богов в художественный контекст. С X века японские живописцы создают направление ямато-э. Выполнимыми в этом стиле картинами они иллюстрировали литературные произведения.

В IX в. в истории культуры японского народа произошло событие огромного значения: была создана собственная письменность – кана. Её появление способствовало развитию литературы, особенно художественной прозы, основу которой составляли народные легенды и рассказы. Два наиболее выдающихся произведений последовавшего времени – «Повесть о Гэндзи» Мурасаки-сикубу и «Интимные записки» Сэй-сёнагон[136]. Для детального осмысления выбранной нами научной задачи важно отметить, что в Японии широко распространились лаконичные и достаточно абстрактные поэтические формы: хайку, и короткая песня – танка. И даже на первый взгляд, очевидно, что они отразились и на манеру сочинения, и на форму текстов, сопровождающих рисунки комикку. и если поэтичность хайку и танка отошла на второй план, то лаконичность и тяготение к абстрактным фразам сохранили свое присутствие.

Термин «манга» переводится с японского языка как «гротески» – развлекательные истории в картинках. Первым истории в картинках в Японии нарисовал буддийский монах Тоба в XII веке. Принадлежащие его кисти четыре юмористические истории, рассказывающие о животных-людей и о нерадивых буддийских монахах, представляют собой четыре бумажных свитка с рисунками тушью и подписями к ним. Монах Тоба создал и основные принципы манги. Его манера изображать бег человека через расставленные ноги бегуна, продолжает присутствовать и в современной манге.

Не могла не отразиться на рисунке манги и искусство каллиграфии, Особенно каллиграфия новогодних поздравительных открыток – нэнгадзё, появившихся в 1876 г. (9 год эры Мэйдзи). Каллиграфия преподавалась в школах в Японии наравне с рисованием и, следовательно, изготовление нэнгадзё имело массовый народный характер. Для письменного заполнения открыток, как правило, применялось вертикальное письмо. Текст манги также расположен справа налево и сверху вниз. Каждая следующая вертикаль строчки пишется и читается ниже предыдущей. В новогодних открытках присутствовали и абстрактные пожелания, выраженные, к примеру, в тексте: «Пусть этот год тоже будет хорошим» сопровождался изображением веера – символом удачи. А запись на открытке: «Я в прошлом году был очень вам обязан, прошу вас не отказать в любезности и в этом году»[137], несет в себе не только поздравление или благодарность, но поведенческие события, как в рисунке манги, который непременно должен нести скрытые, как шифр, и явные, как письмо, смыслы. В японской анимации как утверждает А. Волков, необходимо понять визуальный язык, в котором важен «принцип перекодирования – замены традиционного образа неким условным знаком»[138].

Герои мангоподобных гравюр и их действия изображались в чёрно-белом стиле укиё-э. Для них было естественным изображение сцен из обыденной жизни горожан. В этом плане указанный вид искусства во второй половине XVII века стал развиваться параллельно с городской литературой. Картинки манги рассказывали о неотразимых гейшах, борцах сумо и известных актёрах театра кабуки.

Само слово «манга» приобрело терминологический статус в конце XVIII – вначале XIX веке. В это время появляются работы художников Канкэй Судзуки (1771), Санто Кёдэна (1798), Минва Аикава (1814) и Кацусики Хокусая – автора появившихся в 1814–1834 гг. иллюстрированных альбомов «Рисунки Хокусая». Чуть позже, художников, работающих в этом виде искусства, стали называть мангаки.

Еще одной важной особенностью манги, является то, что сюжетная линия в ней играет второстепенную роль. Герои в манге взаимозаменяемы и иногда, то не мотивированно исчезают, то неожиданно появляются, как в сериал «Tenchi», в котором представлены более тридцати автономных сюжетных линий с одними и теми же героями.

Выход Японии из политической и экономической самоизоляции в XIX в. внес в ткань манги существенные элементы культуры и искусства североатлантических стран. Манга стала приобретать черты комиксов, издаваемых в США. Считается, что первым японским комиксом, выпущенным в сериальном формате и скроенном по лекалам американских комиксов, является появившийся в 1902 году в журнале «Дзидзи Манга» манга-комикс «Тагосаки и Макубэ осматривают Токио» художника Ракутэна Китадзавы. Дебют имел не только развлекательно-юмористический сюжет, он поднял и сложный психо-социальный вопрос. Героями комикса были двое бродяг – вчерашние крестьяне, которые не способны были понять быстрые экономические и культурные перемены, которые охватили вчера еще закрытую от всего мира страну.

Однако, несмотря на то, что манга испытала сильное влияние со стороны американских комиксов, она отличается от западных образцов и своеобразной драматургией и оригинальным расположение кадров. Особенно по графическому стилю. Акцент в комикку делается на изобразительных линиях рисунка. Он может копировать фотографию, как черно-белую, так и цветную, может быть и гротескным и романтическим.

Японская анимация существенно повлияла на национальную идеологию японцев. Затрагивая этот вопрос Б. Иванов, подчеркивая, что Япония демократическая страна, поддерживающая свободу слова, все же указывает, что тем не менее «...как и в любой массовой культуре, в аниме прослеживаются общие идеологические тенденции, которые поддерживаются за счет внутренней «самоцензуры» его творцов, а также под влиянием их представлений о том, что может быть близко и интересно зрителям. В аниме редко поднимаются вопросы внутренней и внешней политики страны, а также национальный вопрос. Последний ограничивается (если действие, конечно, не происходит за пределами Японии) периодическим появлением персонажей-китайцев и американцев, иногда немцев. «Табу» считаются темы, связанные с положением в Японии корейской диаспоры и сохранившейся с эпохи Эдо касты «неприкасаемых» – традиционные «больные» вопросы японского общества»[139]. Далее автор пишет, что свой расизм и национализм японские аниматоры перенесли на пришельцев, эльфов, демонов и на других звероподобных существ. В Японии нет закона о расизме, но везде гайдзинов (иностранцы) готовы встретить без предубеждений.

Не отрицая право на существование определений, принятых в европейском политическом пространстве, следует сказать, что та форма национального превосходства, существующая в Японии, больше связана не с расовыми признаками человека и с «неспособностью» этих рас конкурировать на уровне достижений современной цивилизации, а с религией и мифологией. А эти сферы требуют особенного внимания и анализа. Если проконспектировать монографию «Синтоизм» Сокио Оно и Уильям Вудард, посвященную стержневой религии японцев, то можно прийти к более неоднозначным выводам, касающихся, в частности, японского национализма и расизма в японских анимационных фильмах. И вполне закономерным является то, что авторы аниме, как патриоты своей Японии, изначально пытались и пытаются сгладить ряд слишком острых углов в этой области. Показательным является фильм режиссёра Нисита Масаёси «Moкэ (もっけ)», снятый на студии «Madhouse Studios» в 2007 году. В нем сестрички Шизуру и Мизуки, одна из которых способна видеть духов, гоблинов и другие мистических существ, другая – младшая способна управлять ими. Эти необычные способности приводят сестер к множеству неожиданных встреч, научило их уважать и оберегать жизнь, удивляться красоте и гармонии природы. Казалось бы, обычный романтический сюжет, однако Н. Караев разглядел в фильме глубокий смысл, заявляя, что «Синтоистский ликбез отлично сочетается с доктриной национальной исключительности, кою министерство пропаганды <страны> восходящего солнца не устает внедрять в сознание рядового японца второй век подряд. В этом смысле Mokke идеально заполняет брешь между героическим самурайским прошлым японского народа и его отчетливо квазиевропейским настоящим»[140].

А. Лапшин справедливо указывая на то, что есть аниме «очень «японские», пишет о существование таких «странных комедий» этого направления, которые плохо поддаются восприятию иностранцев и в которых «...для комического эффекта ведущими персонажами являются совершенно невероятные существа или, к примеру, люди со странностями»[141] . И в качестве примера приводит фильмы «Ранма ½ (らんま½)» и «Космическая семья Карлвинсонов (宇宙家族カールビンソン)». Семью Карвинсонов в фильме режиссера Митиру Симада, созданном на студии «DOGA Producion» в 1988 г., составляют Пушистый шар, гигантский робот, Нервная система, Ушастая девушка и Глаз на ножках. Действительно, для гайдзинов это странные футуристические фигуры. Японцы же, с их синтоистским сознанием, видят в них всего лишь ками. Трансформированных, модифицированных фантазией авторов в соответствии с космическими представлениями, но все равно ками.

Мифологический мир и образ жизни японцев определяет культ ками – богов, к которым, прежде всего, относятся бог небес Аме-но-минака-нуси-но-ками и затем – боги зарождения Така-мимусуби-но-микото и Ками-мусуби-но-микото. Два божества Идзанаги-но-микото и Идзанами-но-микото создали Восемь Великих Островов и все существа, которые населены ими, не исключая остальных, менее значимых ками. К главным ками относятся еще богиня Солнца Аматэрасу-о-миками, её брат Сусаноо-но-микото – бог Земли, богиня Луны Цукиёми-но-микото, которой принадлежит царство Тьмы. Боги следили друг за другом, сорились, время от времени погружая небеса и землю в тьму, то вновь возвращая в мир свет. Внук богини Солнца Ниниги-но-микото стал править самой Японией, а его внук Ниниги-но-микото стал императором японского государства[142]. Собственно, здесь речь идет о нациоформирующему синтоизму, которому по определению свойственно идея исключительности. В тоже время множество ками, к которым относятся и японские демоны, явленные в аниме, как герои фольклора – культуры, созданной в среде простонародья, вряд способны отражать идеи расизма и национализма в государственной политике. А креативное появление в одном анимационном котле высших небесных богов Солнца и Луны и простецких, незамысловатых зайцев-усаги и аистоподобных тэнгу привело к упрощению образов первой группы мифических персонажей и к повышению значимости второй группы. В результате возникла тенденция профанация идеи божественной исключительности японцев, что и привело, на наш взгляд, к выработке и установлению в японском обществе терпимости к иностранцам и инородцам.

Сказанное можно отметить как первый результат воздействия аниме на национальную идеологию японцев.

Другие ками – духи каппа обитают в водных источниках – реках и озерах. Они похожи на черепах, с панцирем, плоским клювом и зеленой кожей. Каппа очень любят борьбу сумо и заставляют всех, с кем встречаются вступать с ними в борьбу. Единственный способ победить их это – поклониться каппе. Каппы вежливы, они тоже готовы поклониться в ответ, и тут проливают воду, которую они носят у себя в блюдцеобразной макушке головы. Лишившись воды, они быстро умирают. Каппы защитники чистоты водных бассейнов. Что же касается их отношений с людьми, то они могут быть весьма коварны и при удобном случае готовы высасывать у человека его кровь. В 2007 г. режиссёр Кэйити Хара на студии «Dentsu Tec» создал анимационную ленту «Волшебное лето (河童のクゥと夏休み)», в которой разворачиваются приключения токийского мальчика и найденного им маленького зелёного существа, просуществовавшего в виде камня последние три века. Каппу зовут Ку и он, вновь ожив, стремится найти своих собратьев на севере Японии. И каппа с мальчиком отправляются в путь. Во времена Эдо самурай убил каппу-отца. Смерть каппы вызвала землетрясение, и осиротевший каппа провалился в образовавшуюся в земле трещину. Долгие столетия он провел там. Маленькое зелёное существо из далёкой эпохи станет для нового друга проводником в неведомый ему мир, и его волшебные способности не раз выручат новых друзей.

В 2010 г. режиссёр Акиюки Симбо на студии «Shaft» создал аниме-сериал «Мост аракава (荒川アンダー ザ ブリッジ)» по манге Хикару Накамуры. В этом произведении показана зеркальная и в какой-то степени пародийная «Волшебному лету» история. Фильм знакомит зрителей с Ко Итиномия, он студент и наследник огромного состояния. У Ко независимый характер, он стремится лучшим в Университете. У него есть одна особенность: если вдруг по какой-то причине он оказывается не в состоянии вернуть долг, у него начнается астма. Эти приступы могут привести его смерти. Ко падает в глубокую реку, Его спасает девушка Нино, живущая в общине, которая обитает под мостом. Живущие там люди ведут странный образ жизни. Некоторые из них относят себя к народу пчел, другие считают себя каппами. Глава общины одет в зеленый костюм каппы, и поэтому считает себя каппой. И эту имитацию замечает один лишь студент Ко Итиномия. Но в конце концов он понимает, что отверженные обществом преуспевающих граждан люди представляются каппами, что бы найти себе, пусть и под мостом, новых собратьев. Следует сказать, что в современной Японии каппы уже воспринимаются как милые, не злые существа. И богатый студент сам уже готов остаться под мостом с любимой девушкой и каппами.

С глубокого Средневековья японцы стали воспринимать сгустки тумана как явление духов – о-бакэ. Они неприятны, любят пугать людей, появляясь в различных ужасных видах. Широко известны два типа духов: Кицунэ – лисица, и Тануки – барсук. Лисица способна принимать образ человека. А барсук умеют превращаться в ношеную обувь, старый котелок и даже в луну над веткой дерева.

В 1979 г. режиссёром Кириро Ураяма на студии «Toei Doga» был снят полнометражный аниме-фильм «Таро — сын дракона (龍の子太郎)». Маленький сирота Таро любил поспать и поиграть с лесными зверями. Но, узнав, что его пропавшую мать в наказание за жадность превратили в дракона, Таро отправляется на ее поиски. Путешествуя, он встречается с о-бакэ, что придает фильму увлекательнейший и комический сюжет.

Демоны в японской мифологии близки к европейским типажам. Конечно же, демоны живут в аду – дзигоку. Они злобные, клыкастые и рогатые, могут превращаться в людей, очень сильны и способны к регенерации. Могут иметь красную, голубую и чёрную кожу. Считается, что злобные люди превращаются в они, особенно женщины. Опасное для обычных людей их существование демонстрирует сериал режиссёра Дзюндзи Нисимура «Отныне Мао, король демонов! (今日からマ王!)», снятый на студии «Deen» в 2004 году. Обычный школьник обладает именем, который дал ему таинственный странник, случайно встреченный его беременной матерью – Шибуя. Возможно, это странное имя открывает перед ним перемещаться в другие миры. Один из которых – Истинное королевство демонов, похож на Средневековую Европу. В этой стране проживает раса демонов и Юри становится королём демонов – Мао. Теперь он вынужден постоянно воевать с другими странами, населенными тоже демонами – мадзоку. Этот сериал особенно замечателен тем, что в нем представлены не только известные в японской фольклористике демоны, но и демоны, являющиеся плодом художественной фантазии авторов: коцухидзок – летающие демоны-скелеты (служат мадзоку, могут обмениваться друг с другом сигналами; когёдзоку – рыба в виде скелета (находится на грани вымирания); мишкопчёлы – медвежата с крылышками пчелы (летают роем, совершенно безобидны); песчаный медведь – панда огромных размеров; адско-райская гоала – огромная коала темно-серого цвета (мирное животное пока сидит на дереве, но превращающееся в ужасного монстра с огромными зубами, если её согнать с этого дерева).

Интересны и персонажи японской анимации, представленные как полудемоны. В 2004 г. на студии  «Sunrise» режиссёры Масаси Икэда и Ясунао Аоки содади анимационный фильм «Инуяся (犬夜叉)». Инуяся – полудемон (ханъё), существовавший период Сэнгоку Дзидай. Его отцом был демон-пёс, а а родила его обычная женщина. Инуяси обладал серебристыми, длинными волосами, которые скрывали собачьи уши. Собачью натуру в нем выдавали и ногти, похожие на когти, и клыки. В то же время Инуяся имел характер обычного подростка во время переходного возраста, он был вспыльчив и обидчив. Как и каждый ханъё Инуяся иногда терял свои демонические силы. Так случилось, что Инуяся полюбил девушку имени Кикё, охранявшую волшебный Камень, и ради неё он решает стать человеком. Очевидно, желание авторов очеловечить мифические существа.

Очеловечивание происходит и с существом с длинными красными носами и иногда крыльями – тенгу. Тенгу – помесь человека и аиста и зачастую выглядят как странствующие монахи. Их относят к духам гор, среди которых они и живут. Считается, что тенгу вмешиваются в ход истории человечества, устраивая войны и катастрофы. Японский герой полководец Минамото-но-Ёсицунэ, согласно легендам, учился военному искусству у тэнгу, так как они прекрасные воины.

В 2005 г. режиссёр Сато Кэйити на студи «Tatsunoko Production» поставил анимационный фильм «Карас (鴉)», в котором использовал тэнгу. Со времен японской живописи Средневековья тэнгу изображается как существо, похожее на злобного ворона. Зачастую тэнгу приобретает тело человека с маленькой головой, с лицом крючковатым носом и крыльями за спиной. Тэнгу похищает детей и устраивает пожары. Тех же, кто сам сжигает леса, он разрывает на части. «Карас» переводится с японского языка как «ворон». Сюжет фильма «Карасу» построен на том, что одном Городе выбирают своего духа-хранителя Юринэ, который в свою очередь обращается для борьбы с монстрами к Ворону (Караса). Но однажды один из воронов организовал восстание, так как был не в силах смотреть на разрушение своего мира, призвал нескольких могущественных духов с целью напасть на человечество. Карас владеет боевым искусством якудзы и способен легко менять облик. Символы на оружии Караса придают ему несокрушимую, мистическую силу.

К внешнему образу тенгу близки оборотни цуру – журавли. Встретив цуру можно принять их за все тех же странствующих монахов. Однако внутренне они кардинально отличаются от тенгу уже в силу того, что ненавидят насилие. Об этом говорит их очень добрый, сострадающий.

Журавли цуру относятся к фольклорному классу животных-оборотней – хэнгэёкай. Среди них выделяются енотовидные собаки – тануки. В Японии тануки являются популярными персонажами детских сказок. Они не обладают большим умом, непоседливы, как дети. Тануки – большие фантазеры, достаточно им положить голову на что-то мягкое, к примеру, на листья, они могут превратиться в кого захотят. Японские звери-оборотни – тануки, представляют традиционный мир простолюдинов Японии. Тануки выглядит как енотовидная собака. Оборотнями являются или могут стать лишь тануки, лисы и кошки. Главным признаком оборотней считается наличие нескольких хвостов. Скульптуры тануки украшают фасады домов, магазинов и ресторанов. Пузатые фигурки тануки привлекают к ним счастье и благополучие.

В 1977 г. режиссёр Эндо Сэйдзи на киностудии «Nippon Animation» создал анимационный сериал «Енот по имени Раскал (あらいぐまラスカル)». Однажды мальчик по имени Стерлинг Норт нашел в лесу маленького енота Раскала и подружился с ним. Раскал проказник, но именно его присутствие спасает и семью мальчика и все селение от бед и катастроф.

В 1994 г. режиссёром и сценаристом Исао Такахата на студии «Ghibli» был снят анимационный фильм «Война тануки в периоды Хэйсэй и Помпоко (平成狸合戦ぽんぽこ)». Известно, что в современной Японии, как, впрочем, по всей планете, люди, вырубая леса, лишают мест обитания диких животных. В аниме «Война тануки в периоды Хэйсэй и Помпоко» пострадало от лесных вырубок сообщество енотовидных собак-оборотней. И, защищая свои дома на холмах в предместьях Южного Токио, тануки, используя свое искусство превращения, начинают войну с лесорубами. К ним на помощь должны прийти знаменитые старые тануки магии. А пока тануки входят в союз с лисами-оборотнями. Лисы уже смогли адаптироваться в городской среде и вместе с тануки отстаивают свой мир.

Кошки – нэко, занимают в японской анимации более чем значительное место. Они в отличие от тануки и лис не только фольклорные мистические персонажи, но и храмовые. Самая знакомая для японцев фигурка кошки это сидящая кошка с поднятой передней лапкой – Манеки-нэко. Её приглашающий жест представляет собой действие кошки, готовящейся почистить свою мордочку. Так ведут себя многие кошки перед дождем. Одна из старинных легенд гласит, что таким образом кошка спасла князя Ии, расположившегося на отдых под деревом. Пригласив его в храм, увела его от молнии, ударившей в дерево. Существует и легенда о кошке, сидевшей у буддийского храма, в котором почти никогда не было молящихся. Она поднимала переднюю лапу, словно зазывала людей. И монахи, и прихожане посчитали это небесным знаком, и храм стал пользоваться повышенной популярностью. Нэко считаются добрыми существами, волшебными помощниками, помогающими людям. Но, как и лисы, кошки могут быть очень опасны. Даже в человеческом облике они демонстрируют супергибкость и осторожность.

В 2002 г. режиссёр Мориты Хироюки снял на студии «Ghibli» полнометражный анимационный фильм «Возвращение кота (猫の恩返し). История начинается спасением школьницей Хару сиреневого кота с золотой цепочкой на шее. Кот нес в зубах коробочку, и чуть было не попал под грузовик. Кот, встав на задние лапы, низко поклонился и поблагодарил её за спасение. Ночью к Хару явилась целая делегация с фонарями и музыкальными инструментами во главе с котом, оказавшимся Королём Кошачьего королевства. Выяснилось, что Хару спасла кошачьего принца. Коты приглашают девочку в Кошачье Королевство. Они задумали превратить её в кошку и выдать замуж за Принца котов. В Кошачьем королевстве Хару ожидают самые удивительные приключения, заканчивающиеся тем, что ей приходится самой себя спасать от «благодарности» кошачьего короля.

Образы нэко активно используются и комедийных сериалах. Яркий пример такого рода аниме о приключениях огромного кота «Что с Майклом? (ホワッツ マイケル)», созданный в 1984 г. на студии «Kitty Films» режиссером Матоко Кабаяси.

А. Лапшин считает, что стиль Кабаяси оказался удивительно похожим на стилистический рисунок французского художника комиксов Жанов Жиро. Впрочем, он же отмечает, что Кабаяси двигало восхищение французским художником, а не желание заимствовать. В аниме
режиссёра Кобаяси Макото «Драконовы небеса (ドラゴンズ ヘブン)», снятом на студии «AIC», вступление к фильму не рисованное, оно снято «живьем». В дыму среди разрушенных стен движется самый настоящий робот (есть отдельная документальная лента о том, как создавалась эта двухметровая радиоуправляемая модель). Еще один безусловный кивок в сторону мэтра – это вступительные титры полностью на французском языке.[143]

Собаки-оборотни – ину, вызывают особые чувства уважения у сильных мужчин, охранников и стражей порядка. Не безразличны к ину и беременные женщины, т. к. считается, что самки собак рожают без боли. Поэтому будущие матери молят их об удачных родах.

Наиболее полный образ ину был показан режиссёром Аоки Ясунао в анимационном фильме «Инуяся (犬夜叉 完結編), созданном кинокомпаниями «SunriseKyoto» и «Animation» в 2009 г. Главным героем здесь выступает демон Инуяси, представленный именно как ину – он имеет собачьи уши и хвост. Ему противостоит демон Нараку, имеющий онтологический образ паука, что позволяет авторам вывести его и его группу в разряд абсолютного зла. Инуяси и его товарищи ставят перед собой цель, заключающеюся в уничтожении Нараку. Драматургия фильма усилена различными мотивациями, которые управляют действиями героев, воюющих с Нараку, что приводит их не только к победам, но и к потерям и страданиям.

Ину выступают как второстепенные персонажи, уступая главную роль человеку, как в ленте режиссера Кэйдзо Кусакавы «Собачьи дни (ドッグ・デイズ), созданной в 2011 г. на студии «Seven Arcs». В этом фильме тинэйджер Синку Идзуми попадает на огромный континент Фрониард, на котором разместилось множество стран. Они населены демонами, имеющими самый различный вид. Среди этих зверолюдей-зверодемонов-ину живут самые преданные спутники спасителя Синку Идзуми. Следует заметить, что авторы придали многие звериные качества и самому Идзуми, отец которого японец, а мать англичанка. Он, – акробат, овладевший техникой работы с шестовым оружием, как обезьяна, ловок и агрессивен, как собака, неутомим, как лис. Обнаружив, что война между странами Бискотти и Галетт, в которой его пригласили участвовать, напоминает спортивное состязание, с радостью соглашается повоевать.

В Японии, кроме ловкости, у обезьян отмечается ум и наблюдательность. Поэтому демоны сару, имеющие облик обезьян, выглядят как пожившие, умудренные люди. Правда, иногда несколько странно себя ведущие. Они легко впадают в сильный гнев, но быстро отходят. Обезьяны собираются в большие группы и при необходимости могут дать отпор целой армии вооруженных людей. В многочисленных аниме появляются не только обезьяны, но и «Обезьянья лапа» которая может исполнять желания, как в фильме «×××HOLiC (×××ホリック)» режиссёра Мидзусима Цутому (студия «Production I.G», 2005 г.).

Японское искусство активно впитывает в себя все доступные ей легенды и мифы. В кино они вплетены и в современный детективный жанр. В результате было создано направление с элементами мистики, получившее название Они-тенси. На тему скандинавской мифологии мангакой Косукэ Фудзисимой была вначале создана манга, а затем в 1993–1994 гг. режиссером Хироаки Года на студии «AIC» OVA-сериал «О! Моя богиня! (ああっ 女神さまっ)». Сериал рассказывает о взаимоотношениях юноши Кэйити и богини Верданди. Молодой человек влюблён небесное существо. Богиня Верданди спустилась на Землю, чтобы исполнить его желание: он может пожелать уничтожить весь мир или стать самым богатым человеком. Однако студент выбирает любовь.

В конце 60-х годов прошлого века рождается целый жанр в анимационном кластере японской киноиндустрии – аниме махо-сёдзё, где главными героинями выступают «девочки-волшебницы или девушки- волшебницы. Все началось с ошеломляющего успеха двух TV-сериалов о девочках, обладающих магическими способностями. В 1962 г. режиссёром Хироси Икэда на студии «Toei Animation» была завершена работа над лентой «Секрет Акко-тян» (ひみつのアッコちゃん). История, изложенная в фильме, вводит зрителя в мир зазеркалья. Девочка Акко-тян любит зеркала. Случилось так, что её любимое зеркало, подаренное мамой, разбилось. Ночью ей снится, что к ней явился дух. Дух (ками) высказывает удовлетворение, что девочка не выбросила осколки зеркала на мусорную свалку, а проявила уважение к зеркалам. И Акко-тян получает в дар волшебное зеркало и дар перевоплощение в образы, которые она себе представили.

В 1966 г. режиссёр Осами Кусай на студии «Toei Animation» поставил культовый анимационный фильм «Ведьма Салли» (魔法使いサリ). Этот фильм о девочке-волшебнице драматургически выстроен гораздо сложнее, чем фильм «Секрет Акко-тян». Героиня фильма принцесса волшебного царства Салли перемещается из наземной страны Астории на Землю. На Земле Салли своим волшебством помогает двум школьницам и драчливая девчонкой Ёсики Ханамурой с нежной девочкой Сумире Касуганой становятся её лучшими подругами. Она старается на людях выглядеть как обычный ребенок, но загорается местная школа, Салли вызывает дождь и гасит яростный огонь. Таким образом, она сама себя разоблачает и ей приходится покинуть мир обычных людей. Подругам Салли дарит сплетенный гномами венок, что бы они не забыли об её волшебном мире, в котором им удается побывать. Во втором сериале «Ведьма Салли: Любовь матери в вечности», Салли становится королевой волшебного мира, но не забывает своих земных подруг.

Близка к девочкам-волшебницам и героиня фильма «Девочка, покорившая время (時をかける少女)», в фильме режиссёра Мамору Хосоды, произведенного на студии «Madhouse» в 2006 году. У школьницы Макото вдруг появляются удивительная способность – она, когда не смогла затормозить свой велосипед, оказалась в другом времени. А значит, стало возможным менять свою жизнь. Но чудо, помогая ей самой, вредило другим, её одноклассникам, родным. А. Хачатурянц пишет, что якорем этого фильма «...становится не техническое совершенство, а достоверное, человеческое изображение жизни и внутреннего мира простых школьников. Toki wo kakeru shoujo (япон. название фильма - М.К.) – в гораздо большей степени фильм о мимолетности беззаботного детства и первой подростковой любви, чем история о путешествиях во времени. Значительная часть повествования посвящена переживаниям главной героиней за её вмешательство в естественный ход вещей. И тем урокам, которые безумные скачки во времени преподносят Макото[144]. Близки к этому мнению и размышления И. Ксенофонтовой: «Фильм не только о путешествиях во времени. Он еще о дружбе и первой любви. Фантастическая составляющая здесь – призма, через которую подана достаточно мудрая, глубокая мысль о том, что от судьбы не убежишь, то есть не упрыгаешь. Попытаешься вернуться и переделать – может выйти непоправимое. И Макото, потратив самый последний прыжок на благое дело, легко расстается с этим неожиданным даром, твердо решив добраться до будущего «своим ходом, год за годом»[145]. Согласившись с высказанными оценками критиков, остается лишь еще раз подчеркнуть, что японские аниматоры стремятся сделать акцент в своих фильмах не на какие-то волшебные или мистические моменты, а на проявления человеческих качеств героев. В то же время тема «девочки-волшебницы» не опускается до уровня быта, оставаясь на ступени осмысления бытия.

Активно разрабатывать эту золотую жилу начала крупнейшая японская анимационная компания «Toei Doga». Уже ее второй сериал 1969 года «Секрет Акко-тян (ひみつのアッコちゃん)»режиссёр Хироси Икэда, как уже отмечалось выше, задал основной мотив сериалов о махо-сёдзё: главная героиня, обычная школьница, каким-то образом приобретает магические способности, которые она должна использовать для определенных целей. В этом ей помогают волшебные помощники, небольшие разумные зверьки (наиболее часто – кошки).

Параллельно, особенно на первых порах, использовался и мотив «Ведьмы Салли» (главная героиня – существо из другого мира), однако доминирующим он не стал. Юные зрительницы предпочли героинь, похожих на них самих. Ключевой особенностью сюжетов этих сериалов является необходимость для девочки прятать свои способности от всех, особенно от ближайших друзей. Ей приходится вести двойную жизнь (впоследствии это нашло зрительное воплощение в идее моментального изменения внешнего вида девочки, когда она занимается магией, чтобы ее никто не мог узнать и чтобы продемонстрировать мастерство дизайнеров необычных нарядов), и, что немаловажно, ей не особенно нравится такая ситуация.

Третий махо-сёдзё анимационный сериал «Волшебница Мако-тян (魔法のマコちゃん)» режиссёр Хироси Икэда снял в 1970 году режиссёр Сэрикава Юго. В этом произведении авторы отошли от образов ангелоподобных существ и школьниц. Главной героиней стала юная русалочка Мако, дочь Повелителя Драконов. Снова, взяв европейские драматургические лекала, японские аниматоры рассказали историю о том, как русалочка спасает тонущего юношу. И юноша по имени Акира становится субъектом её любви и мечтаний. Она, нарушив все морские законы, начинает искать своего возлюбленного по всему миру. Она как и все девочки-волшебницы» обладает секретами магии и начинает выглядеть как земная, обычная, юная девушка. Завершает тематику пилотных «махо-сёдзё» сериал режиссера  Мацумото Ринтаро, снявшего в 1979 году на студии «Toei Co., Ltd» аниме «Магичка Мэгу-тян (魔女っ子メグちゃん)». В этом сериале аниматоры также используют идею Волшебной Страны, расположенную вне Земли. Её жителям предстоит выбрать новую королеву и на эту роль претендуют двое молодых колдуньи Мегу и Нон. Они направляются на Землю, чтобы узнать побольше о человеческом мире, в котором кроются резервы для развития магии. Мэгу обладает мальчишеским характером, она эмоциональна, импульсивна. Претендентка Нон – иное существо. Она избегает людей, у неё холодное сердце. Пятнадцатилетняя Мегу Кандзаки начинает понимать ценности человеческой семьи и жизни. Её соперница постоянно интригует против неё и настраивает против Мегу магистра волшебных наук, принимающего экзамен на титул королевы. Она пытается навредить и человеческому дому, в котором поселилась Мегу, но здесь её ждет неудача. Ведьмам понятие «семья» неизвестно и она совершает ошибки.

Образы девочек-подростков удачный формат для сёдзё-анимэ, так как в этом анимационном жанре главные герои переживают период взросления, и большое значение в процессе становления их психики играет физиология. И здесь, присущая для сёдзё-анимэ, романтика через чувство первой любви тоньше и деликатней демонстрирует все проблемы, которые возникают у обычных подростков. Это вызвало огромную популярность у юной аудитории в Японии и по всему миру. Тинэйджерам присуща солидарность, сплоченность в своем сообществе. Детей младшего возраста они зачастую в лучшем случае не замечают, а «круг взрослых» выглядит для них враждебным. Они ищут свое собственное место в окружающем их мире. Подростки создают свою субкультуру и готовы до последней возможности отстаивать её принципы и правила. Вот почему, когда Мегу попадает в беду, вторая претендентка на престол королевы Нон спасает её.

Тинэйджеры обычно сбиваются в группы и группки, но часто подросток, особенно, девочка, остается в одиночестве. Исходя их этой жизненной ситуации, авторы аниме дают одиноким детям маленьких или игрушечных помощников. Как правило, это нэко – симпатичная кошка.

Другая популярная тема в Японии 1990-х – эмансипация, раскрывалась в сериале «Гипер-полиция (はいぱーぽりす )», созданном на студии «Pierrot» 1997 по 1997 режиссёром Омори Такахиро по манге Татикава Минору. Здесь девушки – очаровательные мутантки-полуживотные (кошки, лисы и так далее), работали в полиции будущего, занимающейся расследованием преступлений других существ, также наделенных сверхспособностями. Также трудно обойти вниманием небольшой (13 серий), но любопытный TV-сериал «Те, кто охотятся за эльфами (エルフを狩るモノたち). Создан на студии «Group TAC» режиссёром Кидзуёси Катаяма в 1996 году. В принципе, это был типичный фэнтэзи-сериал о людях из нашего времени, попавших в фантастический мир. Он интересен полным отказом от попыток казаться правдоподобным и окончательным освобождением фантазии авторов, издевающихся над штампами фэнтэзи и фантазиями фэнов. Не будучи шедевром, он, тем не менее, стал, благодаря героям-оборотням и эльфам, популярен, поэтому был снят еще один сериал-продолжение. Особенно забавен ками Микэ– дух кота, который имеет обыкновение переселяться из одной плюшевой игрушки в другую, чем сильно расстраивает владельцев игрушек, как детей, так и взрослых.

В 1989 г. режиссер Хаяо Миядзаки выпустил на студии «Studio Ghibli» полнометражный анимационный фильм «Ведьмина служба доставки» (魔女の宅急便)». В основу поэтического фильма о взрослении девочки-волшебницы легла оригинальная книга Эйко Кадоно, написанная с юмором о непростой жизни юной ведьмы Кики. Тринадцатилетняя юная ведьма Кики носит тёмно-фиолетовое платье и красный бант. Как и следует в жанре сёдзе-аниме, Кики не демонстрирует свои волшебные качества, в какой-то степени даже не догадывается о них. Разве что она понимает язык своего друга кота Дзи-Дзи и не очень ловко летает на метле. Кики очень ранима, несмотря на свой независимый характер.

Она живет у своей мамы, изготавливающей волшебные целебные лекарства. Кики должна покинуть свой дом и, по законам ведьм, прожить год в чужом городе. В полете на материнской метле Кики встречает другую - такую же ведьму, возвращающуюся домой. Встреченная ведьма не дает ей самые важные советы, лишь призывает работать над совершенствованием своих душевных качеств. Скоро Кики и ё кот оказываются в уютном городке Корико, протянувшимся вдоль моря. Устроившись там, она открывает свою фирму по доставке вещей, в которой она единственная сотрудница, босс в одном лице. Начинается работа и ей приходится летать на метле лось и в дождь и во время жары. Кики страдает от одиночества, от неблагодарности и грубости клиентов. От присущей ей неуверенность Кики начинает терять способность летать на метле и перестает понимать кошачий язык Дзи-Дзи. Она впадает в растерянность и ей становится страшно. К счастью для себя, Кики во время выполнения первого задания познакомилась с молодой художницей по имени Урсула, которая уже преодолела кризис подросткового возраста. Урсула подсказывает Кики как преодолеть страх неуверенности в себе и снова получать радость от жизни. Но случается так, что Кики знакомится мальчиком по имени Томбо, которому нравится и Кики и «механика» её летающей метлы. В это время кот Дзи-дзи увлекается кошкой по имени Лили. И создает свою «семью» с котятами. Наступает и звездный час Кики. Она спасает пассажиров дирижабля и мальчик Томбо, пытавшегося удержать дирижабль, который из-за сильного ветра сорвался с якорей, и терпит крушение. К Кике возвращается уверенность в свои силы и магию.

Режиссер-мультипликатор, награжденный известной премией североамериканских кинокритиков «Оскар» за мультфильм «Старик и море» А. Петров так отозвался о творчестве японского гения аниме: «Главное отличие фильмов Хаяло Миядзаки заключается в том, что они просто-таки завораживают зрителя. Чем Миядзаки добивается такого удивительного эффекта – сказать трудно. Но неоспоримо, что своими работами он отсылает чувства человека к прасознанию[146]. Соглашаясь с мыслью А. Петрова о выходе Миядзаки к прасознанию, заметим, что оно – древнейшее сознание человека неразрывно связано с древнейшими мифами.        На первый взгляд кажется, что японец Хаяо Миядзаки и японка Эйко Кадоно, создав реалии стандартной европейской страны, работали в рамках традиционной европейской литературы в духе сказочников братьев Гримм. Однако, активное присутствие в аниме «Ведьмина служба» кота Дзи-дзи, его роль и значение приводят к традиционной японской мифологии, в которой нэко занимает место на центральной платформе.

В 1992 г. режиссёр Хироси Ватанабэ в формате шестисерийного анимационного фильма на студии «Production I.G» представил мангу, созданную Масакадзу Кацура – «Video Girl Ai (電影少女). В ней элементы фантэзи и экшн, свойственные сериалам о ведьмах, соседствуют с эротическими сценами, что предопределило для этой романтической комедии успех как у зрительской аудитории. Сюжет построен на очевидно ведьмовской способности девушки по имени Ай появляться из видеокассеты в доме одного неудачника. Интересно, что Ай иногда, играя свою сексуальную роль, ведет себя как нэко. Объясняется эта особенность тем, кассета, с которой она появилась, была дефектной, но, на наш взгляд, здесь происходит синтез образа ведьмы и оборотня.

В начале в 1992 г. на студии «Toei Agency» выходит сериал режиссеров Дзунити Сато и Кунихико Икухары «Прекрасная воительница Сейлор Мун (美少女戦士セーラームーン)». В центре серийной истории беззаботная школьница Усаги Цукино. Она изначально изображена как обычная девушка, но ленивая и плакса. У неё доброе сердце, она отзывчива и может заплакать от любого пустяка. Она любит видеоигры, кроликов и кошек, обожает читать мангу, больше чем учиться в школе. Однажды по пути в школу Усаги Цукино спасает кошку от злых детей. И с этой минуты начинаются все её приключения. Кошка заявляет себя как её покровительница и просит называть её Луной. Луна передаёт Усаги волшебную брошь и девочка Усаги Цукино превращается в воительницу за добро и справедливость Сейлор Мун. Она, как принцесса Серебряного тысячелетия, защищает Землю от демонов и прочей нечисти.

Видимо, этот сериал наиболее полно отражает отношения человека и мистических существ в японской анимации. Множество мифологических персонажей в японской анимации, несмотря на свой ужасающий вид, служат героям в их стремлении победить зло, восстановить справедливость, и, в конце концов, найти себя, избавившись от одиночества, в этом сложном мире.

Таким образом, отношения между человеком и духами зависит от предмета «одушевления», от того, были ли задействованы объекты природы или использованы предметы техники. Но, как и в первом случае, так и во втором, эти отношения постоянно перемещаются из реального пространства в мнимое. Мнимые пространства одновременно и усложняют эти отношения и типолизируют их. Все завесит прежде всего от тех целей, которые стоят перед человеком и ками. Они могут привести и к абсолютному злу и совершенному добру. Следует добавить, что установлено, что основное пространство аниме – пространство мифов с мистическими существами.

 

Глава II

---

Дата добавления: 2018-06-01; просмотров: 363; Мы поможем в написании вашей работы!

Поделиться с друзьями:

---

---

Мы поможем в написании ваших работ!