Русская музыка первой половины XIX века
Третий год обучения
 |
Русская музыкальная литература: Учебник для ДМШ: Третий год обучения предмету. – М.: Музыка. – 2003.
ISBN 5-7140-1062-0
Новый учебник в цикле учебников по музыкальной литературе для ДМШ. Автор освещает жизнь и творчество русских композиторов XIX века – Глинки, Даргомыжского, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского и других, рассматривает проблемы отечественного искусства доглинкинской эпохи, первой и второй половины XIX века.
Для учащихся детских музыкальных школ и школ искусств.
Издательство «Музыка» 2004 г.
Русская музыка с древних времён по XVIII век
Русская музыка — это своеобразная летопись многовековой истории нашей страны. Ее истоки находятся в глубокой древности и тесно связаны с художественным творчеством восточных славян — песнями, сказками, легендами. Народное искусство всегда было неотделимо как от верований и обрядов (сначала языческих, а позже христианских), так и от земледельческого труда, который составлял основу жизни. Русский народ всегда славился своей музыкальностью, и песня сопровождала человека от рождения до смерти. Этим объясняется и большое разнообразие ее жанров, среди которых есть былины, колыбельные, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые и многие другие песни.
Уже в древние времена была широко распространена и инструментальная музыка. Она исполнялась на различных струнных, духовых и ударных инструментах, среди которых одним из самых любимых были гусли. Постепенно в народных песнях, танцах, наигрышах складывались тип мелодики, особенности лада, ритма, многоголосия, то есть формировались особенности национального музыкального стиля, который позже и определил неповторимое своеобразие русской профессиональной музыки.
|
|
|
Зарождение профессиональной музыки в России проис- ходило в эпоху создания первого древнерусского государства — Киевской Руси (IX—XIII века). Введение христианства в качестве государственной религии (988 год) и укрепление связей с Византией имели огромное значение для его последующего политического и культурного развития. Киевская Русь во время своего расцвета (первая половина XI века) заняла важное место среди стран средневековой Европы. Велика ее роль в истории русской культуры, о чем свидетельствуют дошедшие до нас шедевры — архитектура и фрески киевского Софийского собора и знаменитое произведение древнерусской литературы «Слово о полку Игореве».
Первыми формами профессиональной музыки стало устное светское искусство сказителей и скоморохов и письменное
музыкальное творчество, связанное с церковным пением. Музыка занимала важное место в жизни Киевской Руси. Она звучала во время церемоний, военных походов, пиров, на охоте, а также в повседневной жизни.
|
|
|
Скоморохи — любимцы князей и простого народа — были талантливыми артистами — певцами и танцорами,
«лицедеями» и фокусниками, акробатами и дрессировщи- ками. Свои выступления они сопровождали игрой на раз- личных народных инструментах — дудках, волынках, гуслях, гудках, трубах, бубнах, свирелях. Певцы-сказители воспевали боевые подвиги князей и дружин; образ такого песнетворца воссоздан в «Слове о полку Игореве», автор которого вспоминает прославленного Баяна, жившего в XI веке.
С принятием христианства начинает развиваться духов- ная музыка, которая сначала испытывала сильное визан- тийское влияние. Церковное пение было одноголосным, без инструментального сопровождения и записывалось при по- мощи особых условных знаков, происходивших от системы невменного письма. ( Невмы (от греч. «дыхание») — знаки нотного письма, которые применялись в церковном пении в средневековой Европе; помещались над словесным текстом и напоминали певцам лишь о направлении мелодии, то есть служили своеобразной «подсказкой» при пении). Эти знаки могли обозначать как один звук, так и группу звуков, целую характерную попевку, но не указывали их точную высоту. Такой способ записи" музыки получил название знаменного письма (от славянского слова «знамя» —
|
|
|
«знак»). Его называли также крюковым письмом ( по наименованию одного из главных знаков — «крюк»). Мелодии знаменного пения (распева) обычно строились на плавном поступенном движении в диапазоне кварты или квинты, повторении нескольких попевок (мелодических формул) и их вариантном развитии:
После распада Киевской Руси, связанного с междоусобицами князей и нашествием монголо-татарских орд (в 1240 году Киев был взят ханом Батыем), основным хранителем древнерусской культуры становится Новгород — политически независимый («вольный»), богатый торговый город. Новгородские былины донесли до нас описание его шумной яркой жизни, непременными участниками которой были скоморохи, а самым знаменитым среди них — певец и гусляр Садко. Новгород становится своеобразным центром русского скоморошества. В городе и вокруг него возникли целые скоморошьи поселения. В них жили многочисленные семьи артистов, оттуда они разъезжались по всей Руси. Своим искусством славились новгородские церковные певчие и мастера колокольного звона. Эффектная и разнообразная
|
|
|
«колокольная музыка» стала еще одним неповторимым видом древнерусского искусства.
С конца XIV века начинается объединение русских земель вокруг Москвы и создание единого государства. В 1380 году русское войско под руководством московского князя Дмитрия Донского разбило татарского хана Мамая в битве на Куликовом поле, а в конце XV века при князе Иване III Русь была полностью освобождена от монголо-татарского ига. Иван III первым из московских князей име- нует себя «государем всея Руси». В XVI веке его внук Иван IV Грозный расширяет границы
государства, присое- диняя новые земли. Москва становится
столицей Русской
державы, символом ее величия и славы.
Эпоха Московской Руси — новый этап в развитии национальной культуры и искусства. Создают свои шедевры великие художники — Феофан Грек, Андрей Рублев, Даниил Черный, Дионисий, возникают новый архитектурный ансамбль Московского Кремля(К работе над созданием Кремля были привлечены итальянские мастера, в том числе архитектор А. Фиораванти и инженер П. Солари), многочисленные монастыри и соборы. К середине XVI века относится и появление первых печатных книг: в 1564 году И. Федоровым и П. Мстиславцем была напечатана богослужебная книга «Апостол».
В песенном фольклоре этого времени рождается новый эпический жанр — историческая песня, которая приходит на смену былинам: в ней, в отличие от былин, рассказы валось о реальных событиях и героях. Тогда же появляется и лирическая песня с ее глубокими эмоциональными образами и импровизационным характером напевов, о чем свидетельствует существование множества вариантов песен. С этим жанром связано и развитие особого вида многоголосия — русской хоровой подголосочной полифонии.
При московском дворе продолжало развиваться свет- ское искусство. Несмотря на постоянные преследования скоморохов со стороны церкви как «нечестивцев», творивших
«богомерзкие дела», московские цари любили скоморошьи
«забавы» и содержали для них целый штат артистов. По- степенно в придворном быту появляются и европейские музыкальные развлечения — слушание «заморской» музыки, исполняемой на органе и клавикордах. В Москве постоянно заботились и о состоянии церковного пения: была проведена большая работа по исправлению ошибок в старинных знаменных распевах и систематизированы духовные песнопения, что привело к созданию в XV веке «Обихода» — певческой книги русской православной церкви. В конце XV века при дворе Ивана III учреждается хор государевых певчих дьяков. В него входили 30—35 певцов, которые постоянно сопровождали царя и пели как в соборах, так и во время различных дворцовых церемоний (В XVIII веке хор был переведен в Петербург и преобразован в Придворную певческую капеллу). Время Московской Руси стало эпохой наивысшего расцвета хоровой культуры знаменного пения.
XVII век стал рубежом в истории России: закончилось Средневековье и наступил новый важный этап в развитии государства, в течение которого произошли серьезные изме- нения во всех сферах жизни. Тревожное начало века, сложная политическая и социальная обстановка внутри страны были связаны со многими причинами: это «смутное» время междуцарствия с его борьбой за трон, завершившейся при- ходом к власти в 1613 году династии Романовых, стихийные бедствия и крестьянские бунты, борьба против польской и шведской интервенции. Лишь к середине века укрепляется государственный строй России, восстанавливается ее экономика. Важным событием для дальнейшего развития государства, сближения и тесного взаимодействия культуры славянских народов стало объединение России и Украины в 1654 году. Вместе с тем рост государственных налогов и закрепощение крестьянства приводят во второй половине XVII века к новым социальным потрясениям, среди которых самым значительным стала крестьянская война под предводительством Степана Разина. А церковные реформы патриарха Никона вызвали движение протеста (раскол) среди крестьянского и городского населения и многочисленные выступления в защиту «старой веры».
Несмотря на все потрясения, XVII век явился переломным в области просвещения, культуры и искусства. Усиление международного авторитета России, рост внешней торговли способствуют укреплению ее культурных связей со странами Западной Европы, развитию науки и образования. Успешно развивается книгопечатание, причем издается не только религиозная литература, но и научные и технические книги. В дворянском обществе усиливается тяга к образованию и просвещению: организуются первые школы, дающие среднее образование, а в 1687 году в Москве открывается первая высшая Славяно-греко-латинская академия. В литературном творчестве возникают новые светские жанры — бытовые, исторические, сатирические повести. Большие перемены происходят в живописи. Одной из центральных фигур в искусстве XVII века был художник, ученый, педагог и богослов Симон Ушаков; уже в иконописи он стремился воссоздать живое человеческое лицо («как в жизни бывает»). Такое новое понимание основной задачи искусства как отражения реальной
действительности приводит к рождению парсунного письма, то есть жанра светского портрета («Парсуна» — искаженное латинское слово «персона», что означает «лицо»,«личность».).
Серьезные изменения произошли в этом столетии и в музыке. Еще в XVI веке возникли такие ранние формы цер- ковного многоголосия, как двух- и трехголосное пение. Но настоящее утверждение многоголосия в русской духовной музыке происходит во второй половине XVII века, когда в Москве закрепляется пришедший с Украины новый хоровой стиль — партесное пение («Партес» (лат.) — «голоса»; партесное пение — пение по голосам, по хоровым партиям). Обычно это были песнопения для четырех, шести, восьми, двенадцати и большего количества голосов. Их запись делалась уже с помощью пятилинейной нотации, которая называлась
«киевское письмо» и имела ноты квадратной формы. Наиболее развитой формой партесного многоголосия стали духовные концерты. Они исполнялись во время праздничного богослу- жения, отличались большой роскошью музыкального письма, а количество голосов могло достигать 24-х. Характерными чертами партесного концерта были полнота и насыщенность звучания, красочные динамические контрасты при чередовании хоровых и ансамблевых эпизодов.
Параллельно с утверждением в богослужении партесного пения в быту возникает жанр многоголосной песни, которая исполнялась дома в часы досуга. Это были канты, также пришедшие с Украины. Сначала содержание канта было религиозным, но постепенно становилось чисто светским — торжественно-хвалебным, патриотическим, любовно-лириче- ским и даже шуточным. По форме кант представлял собой куплетную песню, имел трехголосное изложение, в котором два верхних голоса двигались параллельными терциями, а бас давал гармоническую основу:
Кант впоследствии положил начало жанру русского романса.
В XVII веке начинают постепенно исчезать старинные обычаи и традиции: так, в 1648 году под влиянием церкви был издан царский указ, запрещавший участие скоморохов в празднествах и повелевавший уничтожать их маски и музыкальные инструменты. В то же время при дворе и в кругу просвещенного боярства растет увлечение европейской инструментальной музыкой, а у знатных вельмож появляются домашние хоры и оркестры. Важным событием стало создание в царствование Алексея Михайловича первого русского придворного театра. В его репертуаре преобладали представления на библейские сюжеты, причем большую роль в них играла музыка, для исполнения которой музыканты выписывались из-за границы.
XVIII век вошел во всемирную историю как «век разума и просвещения» ( Просвещение — идейное течение эпохи перехода от феодализма к капитализму. Наиболее выдающимися деятелями Просвещения были Дж. Локк в Англии, Вольтер, Ж.-Ж. Руссо, Ш. Монтескье, Д. Дидро во Франции, Г. Э. Лессинг, Ф. Шиллер, И. В. Гёте в Германии, Т. Джеффер-сон, Б. Франклин в США, М. Ломоносов, Н. Новиков, А. Радищев в России. Просветители боролись за политические свободы и гражданское равенство, за установление
«царства разума». Большое место в достижении нового общественного порядка просветители отводили распространению знаний; так, во Франции под руководством Дидро была создана «Энциклопедия, или Толковый словарь наук, искусств и ремесел» в 35-ти томах). Торжество свободной человеческой мысли, победившей средневековое
мировоззрение, приводит к стремительному развитию естественных наук, философии, литературы и искусства. В XVIII веке Россия благодаря реформам Петра I также включается в общий процесс развития, приобщаясь к достижениям европейской цивилизации (Петр I — первый российский император, царствовал с 1689 по 1725 год). Указы Петра изменили весь уклад российской жизни: рушились старые обычаи и вводились новые, открывались гражданские (то есть нецерковные) школы, была учреждена Академия наук, укреплялись культурные связи с западноевропейскими странами. Преобразования петровского времени были продолжены в царствование императрицы Елизаветы Петровны ( Елизавета Петровна — дочь Петра I, российская императрица с 1741 года). В годы ее правления были достигнуты значительные успехи во внешней политике и хозяйстве страны, а также произошли такие важные культурные события, как открытие Московского университета и общедоступного Российского театра, учреждение Академии художеств с музыкальными классами.
Вторая половина XVIII века стала «золотым веком» русского дворянства, но расцвет абсолютной монархии при Екатерине II имел двойственный характер. С одной стороны, Россия к концу века становится сильной державой, влияющей на судьбы мира (чему способствовали военные победы над прусским королем Фридрихом II и над Турцией), с другой — постоянно усиливается угнетение крестьянства, и доведенный до крайности народ поднимается на грандиозную войну, которую возглавил Емельян Пугачев. Несмотря на подавление восстания, влияние его свободолюбивых идей сильно воздействовало на лучшие умы того времени.
Напряженному развитию общественной мысли отвечал и стремительный прогресс в области художественного творчества. Благодаря тесному взаимодействию традиций европейской культуры и многовекового опыта древнерусского искусства в России к концу столетия создаются национальные школы в литературе и живописи, скульптуре и архитектуре, театре и музыке (Школа — направление в литературе, науке, искусстве, представители которого связаны единством основных взглядов, творческих интересов и методов). Гордостью отечественной культуры стали имена писателей Тредиаковского, Ломоносова, Сумарокова, Радищева, Новикова, Державина, Фонвизина, Крылова,
Усадебное бытовое музицирование в России XVIII века
Карамзина, художников Аргунова, Рокотова, Левицкого, Боровиковского, Лосенко, скульпторов Шубина и Козловского, архитекторов Баженова и Казакова, артистов Волкова и Дмитревского, композиторов Дубянского, Березовского, Пашкевича, Фомина, Матинского, Хандошкина, Бортнянского, Козловского и других.
Развитие музыкального искусства в России в XVIII веке было необычайно быстрым — от знакомства с неизвестными до той поры зарубежными операми, камерными и симфоническими произведениями до появления целой плеяды национальных композиторов. Петр I открыл новые для российского общества европейские формы общественных собраний — ассамблеи, маскарады, придворные торжества и пиршества с музыкой и танцами,
еженедельные концерты из инструментальных сочинений композиторов XVII и XVIII веков. Созданные специальным указом военные духовые оркестры играли на парадах и праздниках, а в Москве на Красной площади открылся первый публичный театр, спектакли которого неизменно сопровождала музыка. В то же время в петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и особый род приветственных кантов — канты-виваты («Виват» (лат.) — «да здравствует»). Так начинается кант, сочиненный в 1721 году по поводу окончания Северной войны:
Постепенно музыка стала входить в повседневную жизнь русского дворянства: становится модной игра на различных инструментах (клавикордах, арфе, флейте, гитаре), большую популярность приобретает на домашних вечерах исполнение светских кантов — любовно-лирических, шуточных, поздравительных. Позже обычай домашнего музицирования перенимают и люди других сословий. В усадьбах и городских домах все чаще звучит музыка. Это городские и российские песни, танцевальные пьесы, вариации на народные темы, а также и более сложные произведения — сонаты и квартеты.
Городская песня возникла на основе народной кре- стьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту – новой манере исполнения: ее мелодия сопро- вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин- струмента с четкой ритмической структурой и простыми гармоническими оборотами.
Народная песня этого времени очень разнообразна по содержанию; кроме ранее существовавших жанров появляются новые — солдатские и рекрутские, походные и молодецкие. Иное содержание получают исторические песни, в которых рассказывается о военных победах России, деяниях Петра I,
походах Суворова, о крестьянских восстаниях, их героях, вождях и судьбах обездоленных людей.
В XVIII веке начинается изучение лучших образцов на- ционального фольклора; появляются исследования, посвя- щенные русским народным сказкам, пословицам, обрядам и песням. Впервые делаются нотные записи народных песен и составляются специальные сборники с их обработками. Такими сборниками стали «Собрание русских простых песен с нотами» певца и гуслиста В. Трутовского и «Собрание народных русских песен с их голосами» Н. Львова и И. Прача (Н. Львов — видный деятель русской культуры, ученый, художник, поэт, любитель музыки, собиратель текстов народных песен. И. Прач — чешский композитор, преподаватель фортепиано, музыкальный фольклорист; большую часть жизни прожил в Росси). Песни из этих сборников, обработанные для голоса с фортепиано, использовались как любителями музыки, так и композиторами, которые заимствовали их для своих произведений — опер, инструментальных вариаций, симфонических увертюр.
В середине столетия возникает новый вид вокальной - лирической музыки — российская песня (песни, созданные на русские поэтические тексты — Сумарокова, Державина и других поэтов). Первые российские песни были сочинены известным любителем музыки, государственным деятелем и ученым Г. Тепловым и изданы в сборнике «Между делом безделье». Своим изложением они еще очень близки кантам. Произведения, написанные в конце века Ф. Дубянским и О. Козловским, уже имеют достаточно развитую фортепианную партию, более сложную форму и становятся первыми русскими романсами.
С домашним музицированием связано также развитие к а м е р н о й и н с т р у м е н т а л ь н о й м у з ы к и . О с о б е н н о любимыми были всевозможные танцевальные пьесы — менуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы и другие — и вариации на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747—1804) — композитор и первый русский скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Большую часть жизни он прожил в Петербурге. Хандошкин хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке, а в своей концертной деятельности славился искусством импровизации. Он явился создателем русской сольной скрипичной сонаты.
Другим выдающимся композитором XVIII — начала XIX века был Дмитрий Степанович Бортнянский (1751—1825). Музы- кальное образование он получил сначала
в Придворной певческой капелле, а затем в Италии, где прожил десять лет и стал признанным композитором. По возвращении в Россию вся дальнейшая судьба музыканта была связана с Придворной певческой капеллой, где сначала он занимал должность капельмейстера, а позднее стал ее директором. Творчество Бортнянского велико и разнообразно — помимо ин- струментальной музыки (клавирные
сонаты, камерные ансамбли и другие) он сочинял оперы и романсы. Но в историю русской культуры он вошел как автор более ста хоровых произведений. Композитор создал замечательные духовные концерты, которые продолжили традицию партесного концерта и в то же время испытали влияние светской музыки — оперной и симфонической. Духовные концерты Бортнянского по своей форме приближаются к симфоническому циклу и состоят из самостоятельных частей, контрастных по характеру, где хоровые эпизоды чередуются с ансамблевыми и широко используются приемы постепенного нарастания и затухания звучности. Помимо культовой музыки композитор сочинял и светскую хоровую музыку — песни, гимны, кантаты.
Автор замечательных хоровых концертов Максим Созонтович Березовский (1745—1777), как и Бортнянский,
сначала учился в Придворной певческой капелле, а затем в Италии у знаменитого теоретика музыки падре Мартини. Выдержав экзамен, он был принят в число членов Болонской академии. По возвращении в Россию его творческая и личная жизнь складывалась крайне неудачно. Короткая и драматичная жизнь Березовского закончилась самоубийством
в возрасте 32-х лет.
Однако главное место среди музыкальных жанров в XVIII веке занимала опера. Она, как и многие инструментальные жанры, появилась в России благодаря иностранным музыкантам. В 30-е годы в Петербурге был создан придворный итальянский театр, в репертуаре которого состояли оперы-сериа и буффа. В течение многих лет в столице жили и работали такие известные европейские композиторы, как Арайя, Галуппи, Паизиелло, Сарти, Чимароза. Немного позже в Петербурге появляется и французская оперная труппа, представлявшая комические оперы Руссо, Филидора, Гретри, Монсиньи. Веселые спектакли оказали решающее воздействие на формирование русского оперного жанра. Его развитию способствовала деятельность как государственных и частных театров, так и распространенных повсеместно крепостных театров; некоторые из них (например, у графа Шереметева) успешно соперничали с лучшими европейскими театрами.
Русские оперы XVIII века представляли собой народно- бытовые музыкальные комедии, построенные на чередовании разговорных диалогов-сцен (как во французской комической опере) и музыкальных номеров песенного и ариозного характера, часто основанных на народных мелодиях. Первыми значительными произведениями в этом жанре стали оперы 1770—1780-х годов «Мельник — колдун, обманщик и сват» М. Соколовского, «Санкт-Петербургский гостиный двор», «Несчастье от кареты» и «Скупой» В. Пашкевича, «Сокол» и «Сын-соперник» Д. Бортнянского, «Ямщики на подставе» Е. Фомина.
Евстигней Ипатьевич Фомин (1761—1800) — первый русский композитор, воплотивший в своем творчестве трагическую тему. Он написал оркестровую музыку к мелодраме (Мелодрама — возникший в XVIII веке в Европе жанр музыкально-театрального представления, в котором литературный текст произносился в сопровождении оркестровой музыки: он либо чередовался с музыкальными номерами, либо звучал на их фоне). «Орфей» на текст Я. Княжнина, которая была поставлена в Петербурге при участии знаменитого трагика И. Дмитревского. Увертюра к «Орфею» стала первым образцом русской драматической симфонической музыки. Оперная увертюра была тем жанром, благодаря которому развивалась отечественная симфоническая музыка в XVIII веке: в недрах театра, как это было и в Европе, рождалась будущая русская симфония.
 |
Рождение и взаимодействие многих жанров и художе- ственных стилей в русской музыке XVIII века, широкое распространение в быту музыкальных инструментов и скла- дывавшиеся традиции музицирования, возникновение хо- ровых капелл, оркестров, оперных трупп, развитие музыкального образования (В конце XVIII века музыкальные классы создаются также при Московском университете, в институтах, лицеях, пансионах; появляется целый ряд частных школ) и становление концертной деятельности, наконец, появление национальной композиторской школы подготовили создание и расцвет русской классической музыки в XIX веке.
Вопросы и задания
1. . Каковы истоки русской музыки? Где формировались особенности национального музыкального стиля?
2. Где и когда зародилась профессиональная музыка в России?
3. Расскажите о скоморохах и певцах-сказителях Киевской Руси.
4. Что такое знаменное пение?
5. Где сохранялись традиции древнерусской культуры после распада Киевской Руси?
6. Какова была роль Московской Руси в развитии национальной культуры и искусства? Какие новые жанры появились в эту эпоху в песенном фольклоре и светском искусстве?
7. Какие перемены произошли в XVII веке в области просвещения, культуры и искусства? Что такое парсунное письмо? партесное пение? духовный (партесный) концерт? кант?
8. Назовите главные культурные события XVIII века и русских писателей, художников, композиторов этого времени.
9. Как развивается кант в XVIII веке?
10. Что такое городская песня? российская песня?
11. . Назовите авторов первых сборников русских народных песен.
Каково значение появления нотных записей народной музыки?
12. Перечислите основные жанры инструментальной и хоровой музыки XVIII века.
13. Что представляли собой первые русские оперы, каковы их осо- бенности?
14. Расскажите о композиторах XVIII века и основных жанрах их творчества.
Русская музыка первой половины XIX века
В первой половине XIX века начинается расцвет русской классической музыки. Творчество Глинки и Даргомыжского открывает период стремительного взлета национального музыкального искусства до вершин мировой культуры. Развитие музыки было частью общего процесса — подъема всего русского искусства в знаменательный период исторического развития Российского государства. Отечественная война 1812 года и восстание декабристов в 1825 году вызвали мощный взрыв патриотических чувств, подъем духовных сил нации.
«Двенадцатый год, — писал Белинский, — потрясши всю Россию из конца в конец, пробудил ее спящие силы и открыл в ней новые, дотоле неизвестные источники сил...»
Именно в этот период происходит формирование русской классической литературы, музыки и живописи. Ведущая роль принадлежала литературе. Знаком эпохи стало творчество Пушкина, которое было подготовлено произведениями Жуковского, Карамзина, Батюшкова, Крылова. Пушкин явился создателем русского литературного языка, определив тем самым дальнейший путь развития национальной литературы. В одно время с Пушкиным сочиняют свои произведения Грибоедов, Рылеев, Вяземский, Дельвиг, Языков, Баратынский; позднее начинается творческая жизнь Лермонтова, Гоголя, Кольцова, Белинского. К середине века появится новое поколение писателей — Достоевский, Толстой, Некрасов, Тургенев, Гончаров и другие.
Первая половина XIX века положила начало и русской классической живописи (картины Кипренского, Тропинина, Венецианова, Щедрина, Брюллова, Иванова, Федотова) и скульптуры (Клодт и другие), архитектуры (Воронихин, Захаров, Бове, Жилярди, Росси).
Русское искусство первых десятилетий XIX века испытало на себе сильное воздействие нового европейского художественного направления — романтизма. «Романтизм — вот первое слово, огласившее пушкинский период», — писал Белинский. Характерные для него независимость творчества художника и внимание к внутреннему миру человека, интерес к жизни родного народа, его истории, песням, сказкам и легендам,
мятежность духа и свободолюбие, страстность и смелость высказывания, восторженная приподнятость находят воплощение в произведениях этого времени. Через романтизм, его повышенную эмоциональность и субъективность русское искусство шло к утверждению принципов художественного реализма.
Музыкальная жизнь России с начала XIX века начинает приобретать новые черты. Важными музыкальными центрами становятся лицеи, пансионы, университеты, а также литературно-художественные кружки. В этих кружках объе- динялись любители искусства, писатели, артисты, художники, музыканты. Здесь исполнялись новые произведения, об- суждались оперные спектакли и концерты. Такие собрания устраивались в Петербурге в домах Дельвига, Одоевского, графа Михаила Виельгорского, в Москве — у Грибоедова, княгини Зинаиды Волконской.
Оживляется концертная жизнь: в 1802 году в Петербурге создается первая русская концертная организация —
«Филармоническое общество», которое устраивало публичные симфонические концерты. Концерты камерной музыки проходят в частных домах, дворянских и благородных собраниях и различных учебных заведениях, в них участвуют как русские, так и иностранные музыканты. Значительную роль продолжают играть хоры и симфонические оркестры крепостных музыкантов, которые существовали во многих дворянских усадьбах.
Одним из излюбленных жанров симфонической музыки в это время стали программные увертюры к операм и драматическим спектаклям, которые сочиняли Козловский, Давыдов, Алябьев, Верстовский. В жанре музыкального театра также происходят заметные изменения. Любимая в XVIII веке бытовая комическая опера постепенно уступает место операм- сказкам («Князь-невидимка» и «Илья-богатырь» Кавоса,
«Днепровская русалка» Давыдова) и романтическим операм («Аскольдова могила» Верстовского). Наряду с оперой широкое распространение получают водевиль, музыка к драматическим спектаклям («трагедии на музыке»), а также балет, расцвет которого в России наступил с деятельностью великого французского балетмейстера Шарля Дидло.
Успешное развитие этих жанров было неотделимо от формирования русских исполнительских школ в опере (Е. Сандунова, О. Петров, А. Петрова-Воробьева), балете (А. Истомина, Е. Колосова, А. Глушковский), драме (Е. Семенова, П. Мочалов, М. Щепкин).
Повсеместное распространение получает бытовое домашнее музицирование. Любители музыки собирались по вечерам, играли и пели под аккомпанемент гитары, арфы или фортепиано. В репертуаре были народные песни — кресть- янские, городские, солдатские. Их обработки делали многие композиторы, наиболее популярными были сборники Кашина и Рупина. Они исполнялись как сольные песни, дуэты и в виде инструментальных вариаций и ансамблей. В этой обстановке складывался и развивался любимый жанр эпохи — романс.
Романс и песня
Романсовое творчество композиторов первой половины XIX века сложилось на основе народных крестьянских, го- родских и российских песен. Именно в романсе формировались особенности русского музыкального языка, национального музыкального стиля. Его развитие было тесно связано с расцветом русской поэзии в пушкинскую эпоху и творчеством Жуковского, Вяземского, Баратынского, Дельвига, Батюшкова,
Языкова, самого Пушкина и других поэтов. На их стихи писали свои романсы О. Козловский,
А. Жилин, братья Титовы, Мих. Виельгорский, А.Верстовский, А. Алябьев, А.Варламов, А.Гурилёв, П. Булахов, М. Глинка, А. Даргомыжский. В их творчестве сложились основные жанры рус- ского романса. Это лирический романс — самый распро- страненный в это время; «русская песня», возникшая как подражание народной музыке; элегия — лирико-философское размышление; романтическая баллада, создателем которой в России стал Верстовский; застольная песня, родившаяся из маршевых походных песен и воспевавшая свободу, просвещение и патриотизм; лирические романсы о «дальних странах», в которых возникали романтические образы Италии, Испании, Кавказа, Востока, а также романсы в танцевальных ритмах (вальса, польки, мазурки, полонеза, болеро и других).
Одновременно происходит формирование неповторимо своеобразного русского вокального стиля, в котором соеди- нились интонации и традиции народного пения с особенно- стями итальянской вокальной культуры бельканто, столь популярной в России. Каждый романс создает свой инди- видуальный, легко запоминающийся образ, затрагивая самые чувствительные струны в сердце слушателя. Задушевность русского романса — его особая черта, идущая от искренности сопереживания автора своему лирическому герою, от свойств русской души.
А.А. Алябьев
Судьба Александра Александровича Алябьева (1787— 1851) сложилась драматично, хотя первая половина его жизни не предвещала тяжких испытаний. Он родился в Тобольске; его отец занимал пост губернатора, считался человеком просвещенным и либеральным, был большим люби- телем музыки. Ребенок получил серьезное домашнее воспитание, в которое обязательной частью входила игра на фортепиано.
С переездом семьи в Москву Александр начал серьезно заниматься музыкой, и вскоре появляются его первые сочинения
— романсы и фортепианные пьесы.
В первые дни Отечественной войны 1812 года Алябьев добровольцем вступает в армию. Он сражался вместе с ле- гендарным поэтом-партизаном Денисом Давыдовым, был ранен, прошел со своим гусарским полком весь боевой путь до Парижа; за храбрость и боевые заслуги Алябьев был на- гражден орденами и медалью.
По окончании войны он, продолжая военную службу, живет в Петербурге, а выйдя в отставку, поселяется в Москве, где сближается с артистическим миром, общается с Грибоедовым, Крыловым, Бестужевым-Марлинским, Одоевским, Верстовским,
братьями Виельгорскими. Как пианист и певец участвует в любительских концертах, сочиняет театральную музыку (оперы, водевили), камерные инструментальные произведения, романсы, которые пользуются большим успехом у слушателей.
Но эта яркая творческая жизнь была прервана роковым случаем. В 1825 году в доме Алябьева во время карточной игры произошла крупная ссора, после которой один из ее участников скоропостижно скончался. Алябьева арестовали по подозрению в убийстве и после длительного судебного разбирательства, несмотря на недоказанность преступления, приговорили к лишению всех прав, дворянского звания и к ссылке в Сибирь.
Начались многолетние скитания Алябьева. Ссылка длилась более 15 лет; он жил в Тобольске, на Кавказе, в Оренбурге, Коломне. Но, несмотря на тяжелые испытания и одиночество, композитор продолжает активную творческую деятельность. Еще находясь в тюрьме, он сочиняет романсы (в том числе знаменитого «Соловья»), а также инструментальные пьесы, музыку к водевилям и балет «Волшебный барабан». В тобольской ссылке организует военный духовой оркестр и хор, дирижирует их выступлениями, пишет оркестровую музыку и романсы; такие из них, как «Иртыш», «Зимняя дорога»,
«Вечерний звон», связаны с темой изгнания и стали лирической исповедью композитора.
Во время поездки на Кавказ, разрешенной для лечения, Алябьев был пленен его природой, обычаями, музыкой. Он записывал грузинские, армянские, кабардинские, азербай- джанские народные мелодии, ритмы и интонации которых затем нашли свое отражение в произведениях разных жанров.
Только в 1843 году Алябьев с большим трудом получает разрешение жить в Москве, но под надзором полиции и «без права показываться на публике». Он ведет уединенный образ жизни, отдавая все время сочинению. Жизненные испытания не сломили композитора. Его внимание привлекают стихи поэта- демократа Н. Огарева, посвященные темам и сюжетам из жизни простого народа. Появляются романсы «Кабак», «Изба»,
«Деревенский сторож», а также один из шедевров Алябьева —
«Нищая» (стихи Беранже), в которых впервые зазвучала тема
«маленького человека», тема социального неравенства, предвосхищая произведения Даргомыжского и Мусоргского. Эти сочинения стали последними в жизни композитора.
Творчество Алябьева разнообразно, оно включает в себя различные жанры — оперы, балет, водевили, произведения для оркестра, фортепианные пьесы, камерные ансамбли (трио, квартеты), хоровые сочинения. Но важнейшее место среди его сочинений занимают многочисленные романсы (свыше 150-ти). Одним из самых популярных является созданный в 1825 году на стихи Дельвига «Соловей». Романс принадлежит к жанру
«русской песни» и написан в куплетной форме с неторопливым запевом и быстрым припевом. Нежная проникновенная мелодия тесно связана с интонациями русских лирических песен, ей свойственна ладовая переменность, идущая из народной музыки (ре минор — фа мажор, до мажор
— ля минор). Ее плавные закругленные четырехтактные фразы поддерживаются скромным «гитарным» аккомпанементом:
Не спеша, с чувством
 |
В то же время яркие и стремительные фортепианные заключения куплетов ярко контрастируют с пластичной во- кальной кантиленой.
Впоследствии выдающиеся исполнительницы романса — Аделина Патти, Генриетта Зонтаг, Полина Виардо, а также многие русские певицы — насыщали вокальную партию вир- туозными пассажами и каденциями. Популярности произ- ведения содействовали его фортепианные обработки — вариации
Глинки и транскрипции Листа, а также скрипичная фантазия Анри Вьетана.
А.Е.Варламов
Александр Егорович Варламов (1801—1848) родился в Москве в семье скромного чиновника. Страстное влечение мальчика к музыке и его одаренность проявились рано: подбирая по слуху народные песни, он сам научился играть на скрипке. Благодаря незаурядным способностям и кра- сивому голосу его в десять лет
приняли певчим в петербургскую Придворную певческую капеллу. Здесь Варламов занимался под руководством директора капеллы, выдающегося композитора Д. С. Бортнянского. Успехи в пении позволили ему вскоре стать солистом хора; он научился также играть на гитаре, фортепиано и виолончели.
После обучения в капелле Варламов получает назначение на службу в Голландию в качестве регента ( Регент — руководитель и вокальный педагог хора певчих) русской посольской церкви в Гааге. Годы, проведенные за границей, оказали большое влияние на музыкальное развитие будущего композитора: он часто посещает оперу и концерты, сам выступает как певец и гитарист.
По возвращении в Петербург Варламов сначала преподает в Театральной школе, а затем снова поступает в Придворную певческую капеллу хористом и учителем пения. В 1827 году он знакомится с Глинкой; общение с ним имело огромное значение для творческих устремлений молодого музыканта.
Первые романсы и церковные хоры Варламова относятся к концу 1820-х годов, но настоящий расцвет композиторской деятельности начинается после переезда в 1&32 году в Москву, где он получил место капельмейстера, а затем «композитора музыки» императорских театров. Варламов быстро сблизился с московским артистическим миром, подружился с
композиторами Гурилевым и Верстовским, писателем М. Загоскиным, актерами М. Щепкиным и П. Мочаловым, поэтом-актером Н. Цыгановым, на чьи стихи он создал многие романсы. Всех их объединяли общие художественные интересы и любовь к русской песне.
Варламов сочиняет множество прославивших его вокальных произведений — это «Ах ты, время, времечко», «Что это за сердце», «Горные вершины», «Вдоль по улице метелица метет», «На заре ты ее не буди», «Что мне жить и тужить»,
«Оседлаю коня» и другие. Среди них одним из самых зна- менитых стал «Красный сарафан» (стихи Н. Цыганова), который, по словам современника, «был певаем всеми со- словиями — и в гостиной вельможи, и в курной избе мужика». По роду своей службы Варламов много пишет театральной музыки к трагедиям, мелодрамам, балету, а также постоянно выступает в концертах как оркестровый и хоровой дирижер, так и певец. У него был небольшой, но красивый тенор, его пение отличалось великолепной вокальной техникой и необычайной задушевностью. В 1840 году Варламов издает
«Школу пения», которая стала первым в России учебным пособием по вокальному искусству и сыграла важную роль в обучении многих русских певцов.
Последние годы композитор провел в Петербурге, где его жизнь сложилась очень трудно. Широкая известность не помогла ему снова получить службу в капелле, и Варламов с семьей находился в трудном материальном положении. Его здоровье ухудшалось, и он скончался от чахотки в 1848 году.
В историю русской музыки Варламов вошел как автор романсов и песен, создав около 200 произведений. В выборе стихов он обращался как к русским поэтам — Пушкину, Жуковскому, Дельвигу, Лермонтову, Плещееву, Фету, Кольцову, так и к Гёте, Гейне, Беранже. Основными жанрами для композитора были «русская песня» и лирический романс. В его сочинениях, полных задушевности, соседствуют и за- думчивая мечтательность, и порывистая романтическая устремленность и приподнятость.
Варламов одним из первых композиторов обратился к поэзии Лермонтова, которая была созвучна духовной атмосфере 1830—1840-х годов и передавала острую неудовлетворенность окружающей жизнью и «вольнолюбивые мечты» русских
людей. В романсе «Белеет парус одинокий» композитор сумел отразить эти чувства и настроения. В его музыке слышны
«жажда бури» лермонтовского героя, его непримиримость и непокорность. Широкая энергичная мелодия в начале куплета сразу достигает кульминации — звука соль, который является вершиной яркой выразительной кантилены. Взволнованность чувства в романсе подчеркивается аккордовым сопровождением с чеканным ритмом полонеза-болеро:
Умеренно скоро
А.Л. Гурилёв
Александр Львович Гурилев (1803—1858) родился в Москве в музыкальной семье. Его отец Л. С. Гурилев, известный пианист, композитор и дирижер, был крепостным музыкантом графа В. Орлова. Мальчик начал заниматься музыкой под руководством отца, а затем брал уроки фортепиано и теории музыки у Дж. Филда и И. И. Геништы, которые преподавали в семье графа. С юности Гурилев играл на скрипке и альте в
крепостном оркестре, который считался одним из лучших в начале XIX века.
В 1831 году после смерти графа Орлова семья Гурилевых получила вольную. С этого времени начинается компо- зиторская деятельность Гурилева. Он много выступает также в концертах как пианист и преподает пение и фортепиано.
Большое влияние на формирование вокального стиля Гурилева оказала его дружба с Варламовым; их сблизила общая любовь к народной музыке и цыганскому пению. Вскоре сочинения композитора начинают завоевывать по- пулярность. Такие романсы, как «В минуту жизни трудную»,
«Вьется ласточка сизокрылая», «Домик-крошечка», «Разлука»,
«Колокольчик», «Сарафанчик», «Грусть девушки», зазвучали ив светских гостиных, и в домах чиновников, купцов, мещан. Среди фортепианных произведений Гурилева наибольшей любовью пользовались танцевальные миниатюры и многочисленные вариации на темы известных романсов и арий из опер.
Но, несмотря на признание, композитора постоянно пре- следовала нужда, хотя он ради заработка брался подчас за любую работу. Тяжелая судьба не пощадила Гурилева: в последние годы жизни он страдал тяжелым душевным за- болеванием. Скончался композитор в Москве в 1858 году.
Вокальное творчество Гурилева включает в себя около 90 романсов и сборник «47 русских народных песен», обра- ботанных для голоса с фортепиано. Он, как и Варламов, пред- почитал жанр «русской песни» и лирический романс. Его музыке свойственны нежная элегичность, мечтательность и задушевная искренность высказывания.
Песня «Колокольчик» (стихи И. Макарова) характерна для композитора своим задумчивым лирическим настроением, связанным с образами русской природы и дальней дороги, так широко воспетыми отечественной поэзией. Здесь проявилась одна из главных особенностей «русских песен» Гурилева — использование изящного вальсового ритма в сочетании с простой и сдержанной мелодией, ее тонкой щемящей интонацией:
Повторяемость ритмической фигуры аккомпанемента изредка расцвечивается тонким звукоизобразительным штрихом — нежным стаккато октав в верхнем регистре.
Романсы и песни Алябьева, Варламова, Гурилева оказа ли большое влияние на творчество современников — Глинки и Даргомыжского. Позже традиции их лирики, внимание к внутреннему миру человека найдут свое продолжение в гениальных романсах Чайковского.
Вопросы и задания
1. . Какие события оказали влияние на общественную и культурную жизнь России в первой половине XIX века?
2. Назовите композиторов, литераторов, живописцев, архитекторов и скульпторов этого времени.
3. Какие изменения произошли в музыкальной жизни России с начала XIX века?
4. Перечислите наиболее популярные музыкальные жанры этой эпохи. Каково было содержание домашнего музицирования?
5. Назовите жанры русского романса первой половины XIX века и их авторов — композиторов и поэтов.
6. Расскажите о жизни и творчестве Алябьева, Варламова, Гурилева.
 |
Михаил Иванович Глинка
1804 - 1857
Глинка — основоположник русской классической музыки и первый русский композитор мирового значения. Творчество Глинки завершило процесс формирования отечественной композиторской школы и вместе с тем открыло
новые пути русской музыки, занявшей в XIX веке одно из ведущих мест в европейской культуре. В произведениях Глинки нашел свое яркое выражение подъем русской национальной культуры, порожденный событиями Отечественной войны 1812 года. Подобно Пушкину Глинка создал прекрасное и гармоничное искусство, воспевающее красоту и радость жизни, торжество разума, добра и справедли вости.
В своем творчестве Глинка обращался к различным музыкальным жанрам — опере, романсу, симфоническим произведениям, камерным ансамблям, фортепианным пьесам и другим сочинениям. Важнейшими качествами музыки Глинки были выразительность и пластичность мелодий, тонкость гармонии и стройность формы, изящество инструментовки. Его музыкальный язык, впитав в себя своеобразные черты русской народной песни и итальянского бельканто, венской классической школы и романтического искусства, стал основой национального стиля русской клас- сической музыки.
Биография
Детство и юность. Глинка родился 20 мая (по старому стилю) 1804 года в селе Новоспасском Смоленской губернии. В имении родителей он был окружен любовью и заботой, а его первые детские впечатления, связанные с русской природой, деревенским бытом и народной песней, повлияли на всю дальнейшую судьбу. «Живейшим поэтическим восторгом» наполняли его душу колокольные звоны и церковное пение.
Мальчик рано познакомился и с профессиональной музыкой, когда слушал домашние концерты небольшого оркестра крепостных музыкантов, принадлежавшего его дяде, а зачастую и играл по слуху вместе с ними. Много позднее композитор вспоминал в своих «Записках »:
«...Однажды играли квартет Крузеля (Б. Круселль — финский композитор и кларнетист-виртуоз, старший современник Глинки) с кларнетом; эта музыка произвела на меня непостижимое, новое и восхитительное впечатление — я оставался целый день потом в каком-то лихорадочном состоянии, был погружен в неизъяснимое, томительно-сладкое состояние и на другой день во время урока рисования был рассеян; в следующий урок рассеянность еще увеличилась, и учитель, заметя, что я рисовал уже слишком небрежно, неоднократно журил меня и, наконец, однако ж, догадавшись, в чем было дело, сказал мне однажды, что он замечает, что я все только думаю о музыке: что ж делать? — отвечал я, — музыка — душа моя/»
В это же время Глинка начинает учиться игре на фортепиано, а затем и на скрипке. Домашнее образование, типичное для дворянских семей в начале XIX века, включало в себя различные предметы; юный Глинка неплохо рисовал, страстно увлекался географией и путешествиями, изучал литературу, историю и иностранные языки (впоследствии он владел восемью языками).
Неизгладимое впечатление оказали на мальчика события Отечественной войны 1812 года. На время наполеоновского нашествия семья Глинки была вынуждена покинуть имение и
перебраться в Орёл. Но по возвращении домой услышанные им рассказы о героизме русских людей и под- вигах партизан Смоленщины остались в памяти на всю жизнь.
Дом в селе
Новоспаском, где родился Глинка
С 1818 года Глинка продолжил свое образование в одном из лучших учебных заведений Петербурга — Благородном пансионе при Главном педагогическом институте. Пансион славился прогрессивно мыслящими преподавателями и передовыми учеными, среди которых выделялся своим смелым талантом и незаурядностью выдающийся русский юрист А. П. Куницын — один из любимых учителей Пушкина. Гувернером Глинки в пансионе был В. К. Кюхельбекер — лицейский друг Пушкина, поэт и будущий декабрист. Общение с ним способствовало развитию у Глинки чувства любви к народному искусству и интереса к поэзии. Тогда же Глинка познакомился и с Пушкиным, который часто навещал в пансионе Кюхельбекера и своего младшего брата Льва.
Годы учения протекали в атмосфере пылких литературных и политических споров с друзьями, что отражало тревожный дух времени. В Благородном пансионе, как и в Царскосельском лицее, сформировались личности будущих «бунтовщиков» - непосредственных участников трагических событий 14 декабря 1825 года.
Во время пребывания в пансионе продолжалось развитие музыкального дарования Глинки. Он берет уроки игры на фортепиано и скрипке, а также теории музыки у лучших петербургских педагогов (в том числе несколько уроков фортепиано у Дж. Филда), постоянно посещает камерные и симфонические концерты, оперу и балет, принимает участие в любительских выступлениях и, наконец, делает первые шаги в сочинении.
Ранний период творчества. Окончив пансион в 1822 году, Глинка некоторое время проводит в Новоспасском, где с до- машним оркестром дяди пробует свои силы как дирижер, постигая искусство оркестрового письма. Летом следующего года он совершает для лечения поездку на Кавказ, принесшую много ярких впечатлений. Далее в течение нескольких лет Глинка живет в Петербурге. Прослужив недолгое время чиновником в канцелярии Совета путей сообщения, он вскоре подает в отставку, чтобы целиком посвятить себя главному и любимому занятию — музыке.
Огромное значение для художественного формирования композитора имело его знакомство и постоянное общение с крупнейшими поэтами и писателями — Пушкиным, Дельвигом,
Грибоедовым, Жуковским, Мицкевичем, Одоевским, а также с лучшими музыкантами того времени: Глинка часто встречается и музицирует с Варламовым, братьями Виельгорскими.
Анна Петровна Керн, в доме которой часто бывал Глинка, рассказывала в своих воспоминаниях об исполнительском искусстве композитора:
«Глинка... поклонился своим выразительным, почтительным манером и сел за рояль. Можно себе представить, но мудрено описать мое удивление и восторг, когда раздались чудные звуки блистательной импровизации... У Глинки клавиши пели от прикосновения его маленькой ручки. Он так искусно владел инструментом, что до точности мог выразить все, что хотел; невозможно было не понять того, что пели клавиши под его миниатюрными пальцами... В звуках им- провизации слышалась и народная мелодия, и свойственная только Глинке нежность, и игривая веселость, и задумчивое чувство. Мы слушали его, боясь пошевелиться, а по окончании оставались долго в чудном забытьи.
...Когда он, бывало, пел... романсы, то брал так сильно за душу, что делал с нами что хотел: мы и плакали и смеялись по воле его. У него был очень небольшой голос, но он умел ему придавать чрезвычайную выразительность и сопровождал таким аккомпанементом, что мы заслушивались. В его романсах слышалось и близкое искусное подражание звукам природы, и говор нежной страсти, и меланхолия, и грусть, и милое, неуловимое, необъяснимое, но понятное сердцу».
Наряду с этим начинающий композитор много времени посвящает самостоятельному изучению оперной и симфо- нической литературы. После первых несовершенных опытов появляются такие яркие сочинения, как романсы «Не искушай» (слова Е. Баратынского), «Бедный певец» и «Не пой, красавица, при мне» (оба на слова Пушкина), соната для альта с фортепиано и другие инструментальные произведения. Желая развить и усовершенствовать свое мастерство, Глинка в 1830 году уезжает за границу.
Путь к мастерству. За четыре года Глинка посетил Италию, Австрию и Германию. Будучи по натуре своей добрым, общительным и увлекающимся человеком, он легко сходился с людьми. В Италии Глинка сближается с такими корифеями итальянского оперного искусства, как Беллини и Доницетти, знакомится с Мендельсоном и Берлиозом. Жадно впитывая разнообразные впечатления, увлекаясь красотой итальянской романтической оперы, композитор пытливо и серьезно учится. В общении с первоклассными певцами он с упоением постигает на практике великое искусство бельканто.
В Италии Глинка продолжает много сочинять. Из-под его пера появляются произведения разных жанров: «Патетическое трио», секстет для фортепиано и струнных инструментов, романсы «Венецианская ночь» и «Победитель», а также целый ряд фортепианных вариаций на темы популярных итальянских опер. Но вскоре в душе композитора возникают иные стремления, о чем есть свидетельство в «Записках»: «Все написанные мною в угождение
жителей Милана пьесы... убедили меня только в том, что я шел не своим путем и что я искренно не мог быть Итальянцем. Тоска по отчизне навела меня постепенно на мысль писать по-Русски».
Выехав летом 1833 года из Италии, Глинка сначала посетил Вену, затем переехал в Берлин, где зимой 1833 – 1834 года совершенствовал свои знания под руководством извест- ного немецкого теоретика музыки Зигфрида Дена.
Дата добавления: 2021-03-18; просмотров: 102; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!