Искусство высокого Ренессанса.
ЮЖНО-РОССИЙСКИЙ ГУМАНИТАРНЫЙ ИНСТИТУТ
Петкова С.М.
Учебное пособие по курсу:
«история искусства
Западной Европы XI – XIX веков».
Ростов-на-Дону
2007г.
ИСТОРИЯ ИСКУССТВА ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ XI – XIX веков.
Учебное пособие для студентов факультета Дизайна и искусства (5 сем)
Автор-составитель: Петкова С.М.
Рекомендовано учебно-методической секцией факультета Дизайна и искусства. Печатается по решению учебно-методического совета ЮРГИ.
Лекции к курсу: искусство западной Европы
1. Искусство раннего средневековья
2. Романский стиль
3. Готика
4. Искусство проторенессанса.
5. Искусство раннего Возрождения
6. Искусство высокого Ренессанса
7. Венецианская школа живописи
8. Искусство Северного Возрождения
9. Маньеризм
10. Национальные художественные школы барокко
11. Искусство французского классицизма
12. Голландское искусство XVII века
13. Французское искусство XVIII века.
14. Английская школа живописи XVIII в.
15. Ампир
16. Романтизм в европейском искусстве
17. Реализм в европейском искусстве XIX века
Искусство раннего средневековья
В то время как Византия устояла под ударами варваров, западная часть империи пала. Германские племена вторглись в Италию, разорили Рим. На огромном пространстве Восточной Европы распространяется «звериный стиль», для которого характерна патетика и драматичность. Гробницы вождей наполнены множеством ювелирных украшений.
|
|
|
В середине первого тысячелетия в Европе античность еще не стала основой дальнейшего развития искусства, но со времени образования в конце V века Франкского государства потребность в усвоении классического наследия стала возрастать. В конце VIII века началось Каролингское Возрождение. Через полтора века германские императоры Оттоны в X веке вновь пытаются возродить Римскую империю. Но времена были другие. Оттоны выдерживали натиск славян и мадьяр на Востоке. Суровый дух эпохи, грубость нравов определяли характер искусства.
В период «темных веков» происходят коренные изменения в «системе мира искусств». Варвары обрушивали свои удары на города, в реузльтате аграризации и дезуарбанизации прекращается возведение свойственных для римской архитектуры мостов, дорог, виадуков. Камень выходит из употребления, основным материалом для строительства становится дерево. Для нужд христианского богослужения перестравиваются римские базилики.
На смену позднеантичному мимесису, натурализму и иллюзионизму приходит символизм. Уже в катакомбной живописи происходит отказ от иллюстративного и декоративного принципов позднеантичной живописи: все изображение имеет скрытый смысл и не может быть принято в своей данности. Ведь христианский Бог находится вне пространства и времени, поэтому неизобразим привычными для античного искусства средствами. Первыми символами искусства становится виноградная лоза, куст или кисть, символизирующие кровь Христа, хлеб – символ плоти Христа, якорь – символ спасения, павлин – бессмертия, чаша с водой - крещение, голубь – символ Духа святого, роза – символ Девы Марии.
|
|
|
Романский стиль
Романским стилем в старину называли памятники архитектуры, выполненные по римскому образцу, то есть из камня со сводчатым покрытием, а не из дерева, как строили варвары. Это был легко обрабатываемый известняк, залежей которого много близ Луары во Франции, в Италии мрамор в сочетании светлых и темных тонов, в Чехии использовался песчанистый мергель, в Германии различные виды туфа. Камень отесывали в виде блоков.
Романский стиль в настоящее время определяется как стиль западно-европейского искусства XI – первой пол. XII веков. Основой романского искусства были в первую очередь сложившиеся на Западе в «темные века» местные художественные традиции. Суровые нравы, нескончаемые феодальные войны, право грубой силы, практическое чутье людей того времени – все это проявилось в феодальных замках той эпохи. При возведении крепости выбиралось место на высоком откосе. Характер участка определял форму плана крепости. Она окружалась со всех сторон широким рвом и высокими гладкими стенами, сложенными из огромных камней. Стены заканчивались зубцами, на углах и по стенам стояли сторожевые башни цилиндрической формы. Ко входу вел подъемный мост, по бокам от портала стояли башни. В середине крепости находился обширный двор, посреди которого был донжон – огромная массивная башня с маленькими окнами. В раннее время донжоны были в плане прямоугольными, позже – круглыми. Донжон делился по вертикали на несколько этажей, чаще всего на три. Эта система была удобной для обороны. Зал и спальные помещения располагались в среднем ярусе, а самое большое зальное помещение над ними, нижний ярус использовался для прислуги.. До настоящего времени сохранилось небольшое количество замков. Один из них построенный английским королем Ричардом Львиное Сердце замок Гайар на Сене конца XII век, расположенный на прибрежной скале
|
|
|
Романский собор в своих истоках связан с древнехристианской базиликой. Его основная задача – служить местом соприкосновения человека с Богом. Глубоко под землей располагались крипты, в которых помещались саркофаги епископов и знати и хранились мощи святых. Главный продольный неф, который окаймляли еще 2 или 4 нефа, служил местом собрания общины верующих. «Святая святых» храма – полукруглая апсида, служившая местом для алтаря, окружалась венцом полукруглых капелл. Уровень это части храма был несколько выше пола главного нефа. Над венцом капелл поднимался обход алтаря, которое замыкал квадрат перекрестия, к которому с боков примыкали рукова поперечного зала. Над местом пересечения нефа и поперечного зала, т.н. трансепта, высилась обычно восьмиугольная купольная башня. На западной стороне продольного зала помещались две башни или колокольни и две меньшие восточные башни по сторонам хора и по углам трансепта. Чаще всего они были квадратными, поднимались вверх в несколько ярусов, заканчиваясь массивными восьмигранниками, к частым которого пристраивались малые щипцы. Внутри романские церкви расширялись боковыми нефами, располагающимися с двух сторон от главного и имеющих половину его ширины и высоты. Они отделялись от главного нефа рядом колонн или столбов. Главные столбы возводились до линии свода и продолжают их линии в сводах. Столбы лежащие напротив друг друга соединялись между собой арками, шедшими поперек продольной оси здания. Столбы в добавок еще соединяются и по направлению диагоналей квадратных основных полей посредством нервюр, перекрещивающихся посередине. Подобный вид сводчатого перекрытия называют крестовым сводом. Нефы перекрывались двускатными крышами, либо тяжелыми камеными сводами. Стены из-за сильного бокового распора, стремившегося повалить стену, утолщались и могли достигать 6 метров в толщину, окна были узкими как бойницы. Обстоятельства требовали увеличения внутреннего пространства храмов, поэтому их стали перекрывать крестовыми сводами, получающимися при пересечении двух полуцилиндров под прямым углом. Такая конструкция переносит тяжесть перекрытия на угловые опоры, но вес сводов доходивший иногда до двух метров в толщину был все же весьма велик. Все равно таким массивным сводом было не перекрыть достаточно большого пространства.
|
|
|
Окна романского храма были небольшими, появляются так называемые «розы» - круглые окна в виде окружности большого размера. Большей частью они располагаются украшают фронтоны главного нефа и трансепта.
Главный портал находится на западной стороне, меньшие по размерам порталы ведут в боковые нефы или в крылья трансепта. Дверь обычно имеет прямоугольную форму. Над ней находится поле тимпана с богатыми рельефными украшениями. Внтуренние поверхности порталов сильно расширяются кнаружи, членятся стобами, следующими друг за другом. В романской архитектуре определился тип архитектурной композиции, которого не знали ни Греция, ни Рим. Традиционые римские арки, столбы и колонны вступили в тесное взаимодействие. Нередко одна арка охватывает другую или целую группу более мелких арок. Полуколонны входят своими кубическими капителями в массив стены и собираются в пучки. Боковые стены стали более массивны, членение на яруса исчезли.
Орнамент, который использовался в романских храмах в основном растительный, состоящий из переплетающихся лент, листьев, поясов бус, фантастических изображений животных. Он почти сплошь покрывает порталы. Скульптура и живопись служили целям архитектуры. Так, в скульпутре фигуры неправильны в анатомическом отношении, позы статуй безжизненны. Живопись представлена росписью колонн, капителей, На апсиде помещалось изображение Христа и апостолов, отцов церкви. Писали их по сухой штукатурке насыщенными красками.
Внутри романики существаоло несколько школ. Среди французских мест первое место занимала Бургундия, где орден Клюни разработал тип монастырского храма со множеством алтарей, поперечных и боковых нефов. Бургундия находилась на скрещивании путей паломников по направлению к святым местам, в частности в монастырь Северной Испании Сант Яго де Кампостелла, в Рим и Палестину. Главная церковь Аббатства Клюни была самой большой в Европе. Бургундские храмы отличаются совершенством форм, законченностью и закругленностью частей. На севере Франции в Нормандии сохранились большие монастырские церкви, например Сен Трините в Кане. На юге в Перигоре применялись купольные перекрытия. Романские храмы Германии более кубичны и массивны, в них слабее выражены членения. Ранние романские храмы Германии перекрывались плоским потолком. Однако уже в XI веке романские зодчие попытались связать две боковые стены одним цилиндрическим сводом. Но он мешал освещению и производил давящее впечатление. Поэтому главный неф стали перекрывать крестовыми сводами, представлявшими собой два взаимно пересекающих коробовых свода. При этом средний неф покрывался большими квадратными в плане крестовыми сводами. Таковы соборы в имперских городах Вормсе, Шпейере, Майнце, возведенных в XII – XIII веках. Романская архитектура Италии представлена в Ломбардии кирпичными соборами с отдельно стоящими кирпичными башнями – кампаниллами, составляющими особенность итальянской архитектуры. В XI – XII веках в Пизе были возведены собор, баптистерий и кампанилла, получившая название «падающей башни». Романский стиль получил свое развитие в Испании, испытав при этом сильные мавританские влияния. Романское изобразительное искусство отличалось большой разнообразностью стиля. В романском искусстве создается тип «повествовательной капители», когда капитель представляет собой ряд фигур. Возрождается после долгого перерыва круглая скульптура, подготовленная почитанием мощей. Романская миниатюра составляет противоположность византийской. Ее любимые цвета – желтый, синий, красный.
Символика романского храма
Пространство романского храма понималось как системно организованнное, построенное по законам красоты мироздание. Здание состояло из трех частей – притвора, или нартекса, средней части и алтаря, что соответствовало идее единства Божественного, ангельского и человеческого уровней бытия, напоминало о тройственности души, тела и духа человека. Наиболее святая часть храма – алтарь в восточной части, обращенной к утреннему свету, посвящался Христу. Престол был символом гроба Господня. Западная часть храма символизировала грядущий Страшный суд, что соответственно изображено было на западном портале. Северная сторона ассоциирвоалась со смертью, южная посвящалась Новому Завету. План церкви крестообразен. В верхней части храма изображалось небо, нижняя часть обозначала землю. Декор пола – лабиринт означал путь человека к Богу. Сумрак храма символизировал покров божественной тайны. Форма портала слагалась из полукруга арки – символа неба и прямоугольника двери – символа земли. Дверь символизировала самого Христа, сказавшего; «Я есмь дверь: кто войдет Мною, тот спасется, и войдет, и выйдет, и пажить найдет». Символика оконной розы: круглая форма символизирует небо, «Розой без шипов» называли Деву Марию. На «повествовательных» капителях развертывались сцены Священного писания.
Граница между романским стилем и готикой попадает во французской архитектуре на 1150 год. В других странах перелом произошел позже.
Готическое искусство
Современники называли искусство, пришедшее на смену романской архитектуре «французской манерой», термин «готика» возник в середине творцов Возрождения, поскольку готическое означало варварское, ибо готы разрушили Рим. Вначале термин «готика» применяли только по отношению к литературе на неправильной латыни. Термин «готика» чаще употребляли во Франции, где он обозначал национальный стиль. Долгое время готическим именовали все искусств средневековья, только с конца XIX века стали обозначать поздний период средневековой культуры.
Центрами готического искусства стали города, ставшие центрами торговли и ремесла, возникшие при пересечении судлходгых рек. Городские соборы были местом торжественных богослужений, здесь оглашались указы и решения городских и церковных властей. Соборы строились с таким расчетом, чтобы вместить все взрослое население города.
Новый толчок в развитии строительной конструкции дали крестовые походы XI – XII веков, познакомившие европейцев со стрельчатой аркой, часто применяемой в мусульманской архитектуре. Готические строители отказались от массивных конструкций и перешли к каркасной системе.
Первые шаги в формировании художественного языка готики были сделаны в королевском домене Иль-де-Франс. Около 1137 года настоятель монастыря Сен-Дени Сугерий, королевский советник, начал перестройку церкви аббатства. Сугерий был одним из самых образованных людей своей эпохи. В своем трактате он обосновал символическое значение многих элементов архитектурной композиции. Со времен Меровингов Сен-Дени служил усыпальницей французских королей, поэтому в период нового этапа собирания французских земель аббатство приобрело особое значение.
Западный портал церкви Сен Дени с двумя массивными башнями, тремя порталами, украшенными скульптурой тимпанов и оконной розой в верхней ярусе стал прототипом фасадов готических соборов. Новой в готике была и статуя – колонна, то есть статуя, помещенная перед колонной, как бы приросшая к ней спиной. Равномерность украшения скульптурой всех компонентов портала и равномерность украшения всех трех порталов отличают готический портал от романского, в котором тимпан был главным, а главный портал доминировал над остальными. Каждому порталу присваивалось собственное название и символический смысл. Над порталом располагалась «галерея королей».
К началу XIII века сформировались все черты собора зрелой готики: готические строители вводят стрельчатую арку, До применения каркасных стрельчатых арок одной квадратной ячейке центрального нефа соответствовали две квадратные в боковых нефах. В готике каждому пролету центрального прямоугольного нефа соответствует один пролет боковых нефов. При этом на все опорные столбы, разграничивающие центральный и боковые нефы, приходится равная нагрузка.
Нервюры образовывали конструктивную каркасную сетку, принимая на себя нагрузку от тонких сводов и передавая ее на опорные столбы. В готическом крестовом своде нагрузка прилагается не по всему контуру, в только в местах, где сходятся диагональные и осевые нервюры. Стены между пилонами перестали быть несущими и были заменены огромными оконными проемами. Места приложения сил и опорные точки были укреплены уступчатыми контрфорсами. В готической архитектуре появляются аркбутаны – наклонные полуарки, одной пятой примыкающие к основанию свода главного нефа, а другой – упирающиеся в массивный контрфорс, стоящий на линии стен.
Контрфорсы отодвигаются от стены, выстраиваются в ряд, в том числе и на кровле более низких боковых нефов, а мощные аркубутаны создают необычайно прочную конструкцию. Происходило облегчение стен, увеличились оконные проемы, колонны и архивольты аркад разделили стену на несколько пространственных зон. Внешний облик готического собора определялся главным образом западным фасадом. В готическом храме сохраняются только две башни – на главном фасаде, они сильно увеличиваются в высоту и переходят в тонкий шпиль. Портал стал по отношению к масштабам фасада внушительнее. Апсида окончательно закрепилась в восточной части нефа, перекрестие нефа и трансепта смещается к востоку. Ведущим элементом декора стал витраж. Освобождение стен от нагрузки позволяло порезать их огромным окном Фрески мозаики оказались не нужны. Огромные пролеты окон заполняли многоцветные композиции из стекол. черной и серой краской по бесцветному стеклу дымчатого или зеленого тона. Второй способ – сюжетная роспись по наборному цветному стеклу. Готовые стекла нарезали по подготовительным рисункам и набирали на специальном шаблоне, затем по цветному стеклу расписывали. После каждой операции витраж обжигался. После чего элементы витража помещались в свинцовую раму. Общая площадь витражей достигала нескольких сотен квадратных метров. Преобладали кроваво-красные и потусторонне–синие и лиловые оттенки – «цвета молитвы». Нитратом серебра и глиной стекла окрашивали, после обжига они приобретали желто-оранжевый цвет. С середины XV века окрашивали сангиной, содержащей сульфит железа, что придавало стеклу оттенки от розового до красно-коричневого. Появляются и бесцветные вставки – т.н. гризайль. В XIV- XV столетиях свинцовые перемычки становятся тоньше, увеличивается размер стекол, расписанных гризайлью. Интерьер готического собора стал светлым и просторным, формы архитектуры стали выражать стремление души христианина к Богу. Стены не видны из-за потоков света, льющегося из оконных проемов.
Города стали центрами торговли и ремесленного производства и главными очагами готического искусства. Они возникали на скрещивании торговых путей вокруг рыночной площади или возле монастыря или замка. Город обносился оборонительными стенами. В пределах ограниченной территории земля высоко ценилась, поэтому дома были компактными и росли по вертикали, так, что верхний этаж располагался выступом над нижним. В центре города возводились главный собор и ратуша, где заседал городской Совет. На воскресную мессу собиралось все взрослое население города. Соборы строились столетиями. Так, собор Парижской Богоматери заложен в 1163, а достраивался до конца XIV века.
Готика проходит несколько этапов своего развития.
Ранняя готика XII века представлена собором Парижской Богоматери, сочетание высоты и тонкости стены (60-70 см) которого потребовало от архитекторов радикальных мер ее укрепления. Для этого были использованы контрфорсы и перекинутые к ним от верхней части стен главного нефа десятиметровые аркбутаны. Тем самым внешняя опорная система главного нефа стала открытой. Своды собора разделены на шесть сегментов в каждом переплете главного нефа, имеющем в плане квадратную форму. Контрфорсы переходят в аркбутаны над боковыми нефами. Начиная с собора Парижской Богоматери архитекторы стали стремиться увеличить высоту зданий. Новым мотивом для ранней готики явилась на фасаде и «галереи королей», в которой изображались скульптуры 28 ветхозаветных «предков Христа».
Еще одно новшество – наличие хора, все формы которого рисуются на фоне света. Наконец, в скульптуре порталов, витражах капелл была воплощена иконографическая программа, согласно которой события Ветхого завета изображались на несущих частях храмовой конструкции, служа в буквальном смысле этого слова, опорой Нового завета, сюжеты которого разворачивались в верхней части порталов. В готических соборах нашла свое воплощение теология труда – порталы соборов начинают украшаться барельефами и статуями тружеников.
На рубеже XII-XIII веков обозначился переход к высокой готике в соборах в Бурже и Шартре. Шартрский собор имеет самый значительный ансамбль витражей этого периода. Их более ста восьмидесяти. Наряду с сценами из Ветхого и Нового завета вверху нашлось место и для изображения ремесленников. Шпиль Шартрской башни вознес на высоту 105 м. Самым большим по размерам и совершенным по конструкции был собор в Реймсе, в котором короновали французских королей. Его длина составила 150 метров, высота башен достигла 80 метров, порталы собора не утоплены в стене, а выступают вперед, место тимпанов над входами заняли окна. Ряд, изображающий королей, поднят очень высоко и сливается с аркадой третьего этажа. Все архитектурные элементы стали выше и уже. Скульптура распространилась гораздо шире, чем раньше .Вершиной зрелой готики стала Сент Шапель – Святая Капелла в Париже, которая строилась как королевская церковь. В ней находился вывезенный из Константинополя «терновый венец Христа», для которого двухэтажная капелла служила реликварием. В капелле почти не было стен: пространство между опорами свода на две трети всей высоты капеллы заполняют двучастные окна, соединенные попарно шестилепестковыми розами. В XIII веке готика завоевывает почти все области Франции, приобретая при этом на севере и юге страны специфические особенности.
Живопись.
Стиль интернациональной готики стал выражением кризиса конца 14 века, проявившейся в кризисе Священной Римской империи, столетней войне между Англией и Францией, расколом внутри католической церкви, а также опасность турецкого нашествия. Религиозный кризис привел к появлению в искусстве новых тем и возникновению нового типа картин – небольших алтарей для домашнего богослужения. В это время центром искусства становится Авиньон, где под меценатством папского двора работали итальянские и французские художники.
В Париже при дворе Карла V возник центр иллюстрирования рукописных книг, в 70-80-х годах стиль интернациональной готики появился при дворах Людовика Орлеанского, герцога Беррийского. У Бургундского герцога Филиппа Смелого в Дижоне работал крупнейший скульптор эпохи Клаус Слютер. Ян, Поль и Герман Лимбурги создали Часослов герцога Беррийского. Миниатюра становится жанром живописи конца 14 – начал 15 века. В широких кругах верующих возникает стремление к интимизации религиозной жизни. Для этого стали наиболее подходящими изображения сцен, связанных с земными страстями Христа, для которого характерна мягкая живописность, лиризм, изящество в трактовке форм и каллиграфичность линий.
Искусство проторенессанса.
Ренессанс (фр. Возрождение) понимается как расцвет культуры, переворот в культуре, переходный этап от средневековья к Новому времени, восстановление античности. К чертам Возрождения относят: особую интенсивность культурной жизни, существование множества ее центров, многообразие проявлений творчества, творческую свободу, соединение жизненности и эстетичности, избыток духовной энергии, концентрацию в пространственно-временных рамках гениальных личностей.
Первые два века Возрождение было чисто итальянским явлением. Итальянское Возрождение прошло в своем развитии несколько этапов.
Искусство Проторенессанса. Дученто – конец 13 века.
Два века – двенадцатый и тринадцатый Возрождение было чисто итальянским явлением. Отличительная черта Возрождения – перенос центра культуры из монастыря, замка и поместья в город. В возникновении феномена Возрождение огромную роль имел особый характер городов центральной и северо-восточной Италии – Флоренции, Милана, Генуи, Пизы, Венеции и Рима. Города Италии были городами мастеров. Так, во Флоренции в мастерских цеха шерстянщиков работало около 30 тыс. человек, что составляло треть городского населения.
В Италии при дворе императора Фридриха II Гогенштауфена в Сицилии возникло увлечение античностью, включаю философию Эпикура, здесь же возникает светская поэзия на итальянском зыке.
Ведущими скульптурами позднего дученто были Никколо Пизано, его сын Джованни и Арнольдо ди Камбио, которые вместе работали над кафедрой падуанского собора. Законченная Н.Пизано в 1260 году проповедническая кафедра пизанского баптистерия стала одним из поворотных пунктов в истории итальянского искусства.
Живопись дученто
Джотто ди Бондоне родился в 1266 или в 1267 году. В 1304 году в Падуе Джотто приступает к росписям в капелле Скровеньи. Цикл росписей посвящен жизнеописанию Марии и Христа. Двойное посвящение храма диктовало и двойной смысл живописного цикла. Начало повествования – история родителей Марии, затем следует рассказ о рождении, детстве и юности Марии. Во втором ярусе слева представлены деяния Христа. В нижнем ярусе правой стороны показаны трагические события, начиная с «Тайной вечери». С 1328 года Джотто работает при дворе короля Анжуйского в Неаполе, с начала 30-х годов он работает во Флоренции, с 1334 года руководит строительством флорентийского собора и начинает проектировать колокольню – кампаниллу. Затем снова работает в Милане, а перед самой смертью вернулся во Флоренцию.
Дуччо ди Буоннсенья (ок. 1255 – 1319) был основателем сиенской школы живописи, сотаршим современником Джотто. Творчество Дуччо ориентировано на византйскую традици с ее плоскостостью, декоративностью. Дуччо создал так работы, как «Мадонная Ручеллаи» и алтарный образ «Маэста» (« Величие») для собора в Сиене.
Треченто – время реготизации в искусстве Италии. Искусство треченто развивалось в неблагоприятных социальных обстоятельствах. Экономической катастрофой стал крах флорентийских банков Перуцци в 1343 и Барди в 1346 годах. В 1348 году «Черная смерть» вызвала волну религиозного фанатизма.
Интернациональная готика появилась около 1390 года в искусстве Западно – Европейских стран. В Италии знакомство с интернациональной готикой пробудило интерес к передаче всего остро - характерного.
Живописьтреченто.
Для стиля интернациональной готики характерны мягкая живописность, декоративный ритм драпировок, полная лиризма, изящная трактовка форм, каллиграфичность линии. Интернациональная готика явилась выражением кризисных факторов политики конца 14 века (Кризис «Священной Римской империи», столетняя война между Францией и Англией, раскол церкви, опасность турецкого нашествия). Религиозный кризис привел к появлению в искусстве новых тем и возникновению картин нового типа — небольших алтарей для домашнего богослужения. Время и место рождения нового стиля невозможно определить точно.
Ученик Дуччо Симоне Мартини (ок. 1284 – 1344) был выдающимся представителем сиенской живописи XIV века, работал во многих городах. В первой трети в. создал монументальную фреску «Маэста» для зала Большого совета Палаццо Публико (ратуши) в Сиене. Мартини воплощал в своем творчестве идеалы «осени средневековья» - уходящего с исторической сцены рыцарства. В Ассизи он участвует в работе над росписями нижней церкви Сан Франческо, написав сцены из жизни св. Мартина Турского (Мартин сичтался святым покровителей рыцарей).
В живописи треченто Амброджо Лоренцетти стал создателем нового для итальянской живописи образа мадонны, царственно-величавой и одновременно полной нежных материнских чувств. Лоренцетти отказался от схематизма в изображении природы, показывает природу Тосканы с покрытыми виноградниками склонами, морскими заливами. В алтарных картинах Лоренцетти пространство строилось с помощью перспективы.
В архитектуре Италии распространилась готика, имевшая такие особенности, как наличие декоративных элементов, стрельчатых арок, башенок - виалов, пинаклей, роз. Примеры – собор в Сиене и собор в Орвиета. Еще одна черта архитектуры Проторенессанса - разнообразие гражданской архитектуры, дворцов городског осамоуправления, таких, как Палаццо дожей в Венеции, Палаццо Синьории (Палаццо Веккио) во Флоренции. Дворцы
оставались на протяжении 14 века главной целью городской застройки:
примыкающие к ним площади служили местом официальных церемоний
и народных празднеств, а их облик был призван воплотить идею
величия города.
Скульптура треченто обособляется от стены, получает
самостоятельное существование в отдельных монументальных
ансамблях, церковных кафедрах, надгробных памятниках, городских
фонтанах. Новые тенденции в скульптуре наметились раньше, чем в
архитектуре и живописи.
5. Искусство Раннего Возрождения. Кватроченто – 15 век.
Для Раннего Возрождениея характерно преодоление позднеготических традиций и обращение к античному наследию. Однако это обращение не вызвано подражательности. Открытие кватроченто – прямая перспектива Первым ее применил Ф. Брунеллески в двух видах Флоренции. Подробную теоретичскую разработку принципов перспективы дал Альберти в «Тратате о живописи». Проекционный метод исходил не из отдельных предметных образов, а из комплексного выражения, пространственной связи предметов, при которой каждый отдельный предмет терял свой устойчивый облик. Перспективное изображение рассчитано на эффект присутствия, поэтому предполагала рисование с натуры с фиксированной точки зрения Перспективе необходима и передача светотени, а также тонально – цветовых отношений.
Архитектура кватроченто.
Сущность и закономерности архитектуры определяется для теоретиков 15 века ее служением человеку. В 1441 был найден трактат Витрувия, изучение которого способствовало усвоению принципов ордерной системы. Архитекторы пытались выстроить модель идеального храма. По мнению Альберти он в плане должен был подобен кругу или вписанному в него многограннику. Увлеченность античностью была свойственна всем мастерам кватроченто, но каждый творец создавал и сознавал собственный идеал античности.
Великим архитектором кватроченто в Италии был Филиппо Брунеллески (1377 – 1446). Брунеллески свою творческую жизнь начал как скульптор. В 1401 году участвовал в конкурсе скульпторов на создание бронзовых рельефов для дверей флорентийского баптистерия. В 1402 году отправляется в Рим, где изучает памятники античного искусства. Среди наиболее значимых произведений Брунеллеки – выполненный во Флоренции купол собора Санта-Мария дель Фьоре диаметром 42 метра. Купол состоял из двух оболочек, связанных нервюрами и горизонтальными кольцами. Под руководством Брунеллески в 1419 году был возведен флорентийский Воспитательный дом, с вынесенной на фасад арочной галереей. Одно из совершенных творений Брунеллески – капелла Пацци во Флоренции с куполом на парусах в центре и плоским куполом на портике. Для оформления портика использованы шесть колонн коринфского ордера.
Крупнейшим зодчим кватроченто был Леон Баттиста Альберти (1404-1472). Для архитектурной деятельности Альберти, который был и теоретиком искусства, характерна тяга к экспериментированию. Наиболее совершенное творение Альберти – палаццо Ручеллаи во Флоренции, в фасаде трехэтажного здания была применена система пилястр, поэтажно расчленяющая рустованную стену.
Скульптура. Выдающимся скульптором этого периода был Лоренцо Гиберти (ок. 1381 – 1455), который в юности прошел профессиональное обучение у ювелира, что обусловило особую тщательность в обработке деталей скульптурного рельефа. В 1401 году Гиберти выиграл конкурс на право украшения северных дверей флорентийского баптистерия. Над вторыми дверями баптистерия мастер работал около двадцати лет, создав композицию из 28 рельефов на сюжеты из Нового Завета. Главное произведение Гиберти, выполненное под влиянием творчества Донателло, восточные (Райские) двери баптистерия. Композиция включает десять многофигурных рельефов и портретные изображения по бокам. Сюжеты библейские, все изображения разворачиваются на фоне пейзажа с применением линейной перспективы. Гиберти использовал детально градуированный рельеф, создав глубину пространства.
Великий итальянский мастер этого времени Донателло (1386 – 1466) прошел учебу у Л. Гиберти. В своих ранних работах (св. Марк, св. Георгий) создает образ ренессансного человека, главными доброделями которого являются активность и вера в фортуну. В 1425 – 1438 годах Донателло работал над скульптурным декором гробницы папы Иоанна XXIII. Донателло разрабатывает живописный тип рельефа, применяя линейную перспективу с разграничением планов, выполняя в этой технике изображения на бронзовой купели баптистерия церкви Сан-Джованни в Сиене, рельефы табернакля «Благовещение» для церкви Санта-Кроче во Флоренции. Знаменитым творением скульптора стала статуя «Давида».
В 40-е годы Донателло начинает работу над скульптурным алатрем для церкви Сан-Антонио. В этот же период создан конный памятник кондотьеру Гаттамелате в Падуе (1447 – 1453).
Живопись кватроченто – это преимущественно фреска, из станковых видов живописи все большую роль начинает играть алтарь с единой композицией, под которой по горизонтали помещалось несколько небольших изображений. Первым художником кватроченто был Мазаччо (1401- 1428) , который прожил недолгую жинь, успев создать такие великие работы, как «Распятие», «Поклонение волхвов». Во фреске Капеллы Бранкаччи в церкви Санта – Мария дель Кармине «Чудо со статиром» Мазаччо изменяет последовательность событий, стремясь подчеркнуть центральную роль Христа в происходящем. Во фреске «Троица» Мазаччо мастерски применил центральную перспективу.
Известными художниками кватроченто были флорентиец Фра Беато Анджелико, монах-доминиканец и настоятель монастыря Сан-Марко. Для монастырей мастер писал иконы и фрески, исполненные глубокого религиозного чувства. Лчшие работы Анджелико – алатарный образ «Коронование Марии», фрески церкви Сан – Марко. Излюбленная тема художника – «Благовещение», к изображению которого он обращался несколько раз.
Филиппо Липпи (ок. 1406 – 1469) был пострижен в монахи в монастыре Санта-Мария дель Кармине, писал алтарные образы для флорентийских церквей Сан-Спирито, Сан-Лоренцо.
Пьеро делла Франческа (ок. 1420 – 1492) работал во Флоренции, увлекался проблемами перспективного построения, создавал трактаты по теории живописи. В зрелый период творчества создает цикл фресок на тему истории животворящего креста для церкви Сан-Франческо в Ареццо, выполненный в тонкой цветовой гамме.
Перуджино (1450-1523) исполнил ферски «Оплакивание Христа», «Распятие» для церквей Флоренции, был известен как портретист.
Андреа Мантенья – курпнейший представитель падуанской школы живописи прекрасно знал древнеримскую скульптуру, разрабатывал теоретические вопросы линейной перспективы. Мантенья создавал композиции, отличающиеся особой пластичностью и почти скульптурной передачей объемов. Для манеры Мантеньи характерно использование сильных мазков, подчерквающих светотеневые контрасты. С 1459 года Мантенья работает в Мантуе при дворе правителя Лодовико Гонзага, для дворца которого он исполняет росписи. Для Гонзаго был выполнен триптих «Поклонение волхвов», «Воскресенье», «Сретение» Ряд работ Мантенья выполнил на холсте («Триумф Цезаря» - цикл панно на тему римской истории). В поздний период создана картина «Мертвый Христос».
Сандро Боттичелли (1445 – 1510) был последним великим художником кватроченто. Его ранние работы отличает мягкий лиризм. Он пишет портреты, полные внутренней жизни (портрет Джулиано Медичи, портрет Симонетты Веспуччи, портрет Лоренцо Лоренциано). В 1477- 1478 гг. мастер пишет «Весну», а в 1483 – 1484 гг. Боттичелли создает «Рождение Венеры» с подчеркнутым аллегоризмом и условностью сюжета. В 1481 году вместе с другими мастерми работает над росписью стен Сикстинской капеллы. В религиозных композициях («Мадонна на троне», «Мадонна во славе», «Мадонна Магнификат») передает пейзаж. В период 90-х годов мастер отходит под влиянием социальных катаклизмов от ренессансного гуманизма, в его творчестве усиливается драматизм («Покинутая», «Клевета»). Меняется живописная манера: на смену мягким линиям приходитжесткий экспрессивный рисунок.
Искусство высокого Ренессанса.
Высокое Возрождение– время жизни и творчества трех титанов Возрождения – Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафэля.
Леонардо да Винчи родился близ городка Винчи, был внебрачным ребенком нотариуса и крестьянки. Рано проявил необыкновенное дарование. В 1469 году семья Леонардо переселилась во Флоренцию, отец отдал мальчика учитсья в мастерскую Вероккио, которую тот закончил в 1472 году. В первый флоренийский период своего творчества Леонардо создает «Благовещение», портрет Джиневры да Бенчи. В 1481 году монахи из Сан-Донато заказали Леонардо алтарный образ на тему поклонения волхвов. В центре так и незаконченной картины Леонардо изобразил Деву Марию с младенцем на коленях. Вокруг множество жестикулирующих людей. В 1481 году Леонардо поступил на службу к властителю Милана Лодовико Моро. В 1483 году он начинает работать над картиной «Мадонна в гроте», композиция построена по принципу пирамиды, которую создают фигуры опустившегося на правое колено юного Крестителя и ангела, поддерживающего младенца Христа. Все фигуры окружает воздушная аура, Леонардо применяет открытую им воздушную перспективу (сфумато). В 80-е годы Леонардо исполнил ряд портретов («Дама с горностаем», «Портрет музыканта»). В 1495 году Леонардо приступил к исполнению заказа для миланского монастыря Санта-Мария делле Грацие, исполнив фреску «Тайная вечеря». В центре помещена фигура Христа, выделенная просветом двери, находящейся сзади. Все перспективные линии сходятся в точке над головой Спасителя. Все ученики разбиты на группы по три человека к каждой. На слова Христа: «Один из вас предаст меня» каждый из учеников реагирует исходя из характера и жизненного опыта.
В Милане Леонардо создает модель конной статуи миланского герцога Франческо Сфорца, которая так и не была отилита в бронзе. В декабре 1499 года Леонардо покидает Милан и возвращается во Флоренцию. Здесь он почти не получает заказов. В 1503 году он принимает вызов Микеланджело. Каждый должен был исполнить картон для оформления фресками зала Совета пятисот во дворце Синьории. Леонардо исполнил битву при Ангиари, показав решающее сражение за знамя, но проиграл.
Около 1503 года Леонардо начал работу над портретом «Моны Лизы» Леонардо работал четыре года. Между 1508 и 1512 годами Леонардо работал над картинами «Святая Анаа» и «Иоанн Креститель». Последние годы жизни Леонардо прошли в скитаниях. Он перезжал из Флоренции в Милан,затем в Рим. В конце концов он отправился в Ломбарию, где поступил на службу к французскому королю Франциску I. Умер Леонардо в замке Клу Амбуазе 2 мая 1519 года.
Микеланджело Буонаротти (1474-1564) принадлежал к дворянской семье, его отец занимал различные государственные должности. УчилсяМмикеланджело у Гирландайо, известного флорентийского живописца, затем перешел в мастерскую скульптора Бертольдо ди Джованни. К Микеланджело благоволил Лоренцо Медичи, фактический правитель Флоренции, в садах которого Микеланджело получил возможность копировать произведения античного искусства.
В 21 год Микеланджело выполняет мраморную скульптуру Пьета для собора св. Петра в Риме. Вернувшись во Флоренцию в 1501 году, Микеланджело выполнил статую Давида, установленную на главной площади Флоренции рядом с Палаццо Веккио. В 1505 году Юлий II вызвал Микеланджело в Рим и поручил ему роспись потолка Сикстинской капеллы. Программа росписей Сикстинской капеллы предложена самим Микеланджело. Потолок Сикстинской капеллы вместе с прилегающими к нему люнетами составляет примерно 600 кв. метров. Микеланджело средствами живописи создал архитектурную основу, расчленившую роспись на отдельные части. Первой композицией потолка стал «Потоп», дальше расположились фрески «Сотворение Адама».
Юлий II поручил Микеланджело постройку своей гробницы, которая должна была располагаться в строящемся соборе св. Петра. Микеланджело представил грандиозную композицию из 40 фигур. Микеланджело хотел добиться синтеза архитектуры и скульптуры. От этого проекта со временем пришлось отказаться из- за нехватки средств и грандиозности замысла, трубующего нечеловеческих сил. Микеланджело исполнил лишь фигуру Моисея.
Микеланджело получил заказ семейства Медичи на возведение двух гробниц в новой ризнице церкви Сан Лоренцо для Лоренцо и Джулиано Медичи. Работа продолжалась с 1520 по 1534 год с большими перерывами. В зале с высоким купольным сводом Микеланджело воздвиг у стен саркофаги. Над могилой Лоренцо скульптор поместил аллегорические скульптуры Утра и Вечера, над могилой Джулиана – аллегории Ночи и Дня.
В качестве архитектора Микеланджело составил план вестибюля с лестницей и зала библиотеки Лауренцианы, входящей в комплекс церкви Сан Лоренцо. Лауренциана состоит из двух расположенных по одной оси, соединенных лестницей помещений – вестибюля и длинного зала для хранения и чтения рукописей. В 1534 году Микеладжело вернулся в Рим и через два года приступил к созданию фрески «Страшный суд» для Сикстинской капеллы. В 1538 – 1539 годах Микеланджело сотавил план перестройки зданий на Капитолийском холме Рима. На вершине холма площадь овальной формы, в центр которой была перенесена конная статуя императора Марка Аврелия.
В 1546 году Микеланджело был назначен главным архитектором строящегося собора Св. Петра в Ватикане. Микеланджело вернулся к центрально – купольной системе, предложенной Браманте. Он использовал гигантский ордер: широки пилястры в несолько десятков метров, огромные окна и мощные карнизы, высокие аттики. Микеланджело умер 18 февраля 1564 года
Рафаэль Санти (1483- 1520) учился у своег оотца, придворного живописца герцога Урбинского. В 1500 году перехал в Перуджу, поступил в мастерскую Перуджино, выполнил в этот период «Мадонну Конестабиле» и алтарный образ «Обручение Марии». Слава Рафаэля начинается с создания цикла алтарных образов – знаменитых «Мадонн» («Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница», «Мадонна под балдахином»)
В 1508 году Рафаэль по рекомендации Браманте получает от папы Юлия II приглашение в Рим и работает в Ватиканском дворце над росписями станц (комнат) Ватиканского дворца. Четыре фрески зала подписей посвящены основным сферам духовной деятельности человека: философии («Афинская школа»), поэзии (»Парнас»), богословию («Диспута») и юриспруденции («Мера, мудрость и сила»). Во второй комнате Рафаэль исполнил фрески на исторические и легендарные темы, прославляющие пап («Изгнание Элиодора», «Месса в Больсене», «Встреча папа Льва I с Аттилой», «Изведение апостола Павла из темницы») Рафаэль был величайший портретист эпохи. Портреты «Папа Юлий II», «Донна Велата». Для церкви св. Сикста в Пьяченце рафаэль создает «Сикстинскую мадонну», в кеоторой достигает идеальной гармоничности.
Венецианская школа живописи.
В отличие от искусства Средней Италии, где живопись развивалась в тесной связи с архитектурой и скульптурой, в Венеции доминирвоала живопись. В творечестве Джорджоне и Тициана совершился переход к станковой живописи. Одна из причин – климат Венеции, в котором фреска плохо сохраняется. Еще одна причина состоит в том, что станковая картина картина появляется в связи с ростом светской тематики и расширением круга изображаемых объектов. Станковизм приводит к увеличению количества жанров.
Джорджо да Кастельфранко по прозвищу Джорджоне прожил недолгую жизнь. Дата его рождения известна приблизительно – 1477 год, в 1510 году он умер от чумы. Точно не установлено его происхождение, нет достоверных сведений о годах его ученичества у Беллини. Сюжеты картин Жроджоне «Гроза», «три философа» трудно поддаются интепретации.
Тициан Вечелли учился у Джакомо Беллини. В 1507 году Тициан поступил в мастерскую Джорджоне, который поручал Тициану завершение своих работ. После смерти Джорджоне Тициан закончил некоторые его работы и принял ряд его заказов. После смерти Беллини место художника Венецианской школы республики перешло к Тициану. В это время художник создает такие значительные произведения, как «Вознесение Богоматери» в церкви Санта Мария Глориозо Деи Фрари в Венеции – в картине показана как группа оживленно жестикулирующих апостолов, которые видят возносящуюся в окружении ангелов к небесам Богоматерь. Тициан развивает реформу живописи, начало которой положил Джорджоне: художник отдает предпочтение большим полотнам, допускающим широкое и свободное наложении красок. На первоначальный слой, сразу по его высыхании, он накладывал более или менее плотные, но текучие мазки, смешанные с прозрачными и блестящими лаками, заканчивая картину усилением наиболее ярких тонов и теней мазками, приобретающими почти корпусный характер. В качестве основы Тициан брал суровое полотно, натянутое на раму. Между рисунком, подмалевком и живописью не существовало, как раньше, перерыва. Набросок соответствовал общей эмоциональной подготовке, но сам по себе носил завершенный характер. Одна из самых прославленных картин Тициана является написанная в 1538 оду для урбинского герцога «Лежащая Венера». В 1548 году Тициан написал два портрета Карла V. В одном он представлен как триумфатор, одержавший победу – облаченный в доспехи, в шлеме с плюмажем, Карл въезжает на коне на опушку леса. Второй портрет показывает императора в традиционном испанском черном костюме, сидящем в кресле на фоне лоджии.
Последние годы жизни Тициан жил в Венеции. В его произведениях нарастают тревога и разочарование. В религиозных картинах Тициан все чаще обращается к драматическим сюжетам – сценам мученичества и страданий, в которых звучат и трагические ноты. Он пишет в свободной манере. Густо наложенные в освещенных частях мазки в сочетании с прозрачными тенями через которые просвечивает красноватый подмалевок. Среди поздних шедевров Тициана – «Венера перед зеркалом» и «Кающаяся Мария Магдалина».
Паоло Веронезе (1528 – 1588) родился в Вероне, приехав в Венецию, он получает признание своими работами в Палаццо дожей. До конца своей жизни Веронезе работал над украшением и прославлением Венецианской республики. Живопись Веронезе построена на колорите, он умел так сопоставлять отдельные цвета, что усиливало их звучность. Веронезе первым из венецианских художников стал создавать целые декоративные ансамбли, росписывая стены церквей, монастырей, дворцов. Наиболее ярко черты зрелого творчества проявляются в огромной композиции «Брак в Кане» 1563 года, в которой евангельская тема решена в духе великолепного пиршества, все персонажи одеты в современные костюмы. Алтарные работы («Мадонна с младенцем», «Пир в доме Левия», «Обручение св. Екатерины») демонстрируют свободу отношения Веронезе к канонам иконографии.
Якопо Тинторетто (1518 – 1594) происходил из ремесленной среды, учился у Тициана, входил в кружок венецианских гуманистов. Путь становления как художника был длительным. Для Тинторетто характерно тремление отразить эмоциональное переживание и дать происходящему этическую оценку. Тинторетто создал образ охваченный волнением массы людей в таких работах, как «Чудо св. Марка». Использовал композиции, построенные на основе ассиметрии, со смелыми прорывами в глубину («Процессия св. Урсулы», «Спасение Арсинои»). В огромной композиции «Распятие» 1565 года Тинторетто достигает совершенства в передачи световых эффектов.
Дата добавления: 2018-05-02; просмотров: 379; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!