Сценическое искусство Франции на рубеже XIX — XX веков.
Театр на рубеже XIX — XX веков (1880-е — 1914 гг.)
Появляется несколько литературных направлений (символизм, натурализм, неоромантизм), рождается искусство режиссуры, обостряется борьба между коммерческим театром и свободными (экспериментальными) театрами.
Французский театр на рубеже веков
I . Натурализм
Возник под влиянием книги Чарльза Дарвина «Происхождение видов». Исходя из этого, натуралисты рассматривали человека и человеческое общества как разновидность животного мира; считали, что поведение, характер, судьбу человека определяют инстинкты (борьба за существование, продолжение рода), наследственность, социальное положение.
Эмиль Золя
Лидер направления. В основном писал романы, но сочинял и пьесы. Золя не был доволен современным театром, терпеть не мог современных актёров. Он считал, что все классицисты, романтики, авторы «хорошо сделанных пьес» по-своему приукрашивают жизнь, а не показывают на сцене «правду без прекрас». «Возьмите современную среду, поселите в ней живых людей», — призывал он драматургов в статье «Натурализм в театре». Золя призывал воспроизводить на сцене кусок действительности, героев из низших слоёв общества; требовал правдоподобия в декорациях, костюмах; говорил, что актёры должны не звездиться, а перевоплощаться в своих героев, сопереживая им.
Тереза Ракен»
Это переделка его же. Романа. Эта драма шокировала зрителей грубостью и трактовкой любви не как высокого чувства, а как животного инстинкта. Золя описывает криминальный случай: убийство мужа женой и её любовником (оно не показано зрителем, о нём только говорят). В основном в пьесе показано убогое течение обыденной жизни: персонажи играют в домино, говорят пошлости и банальности, их речь груба так же, как обстановка в комнате. Безвыходность положения героини подчёркивается в ремарке: «Окно комнаты выходит в глухую стену». В комнате почти всегда полумрак.
|
|
|
При свадьбе Терезы и Лорана во 2 действии в комнате светлеет. Пресытившись друг другом, мучимые страхом разоблачения и угрызениями совести, Тереза и Лоран доходят до нервного срыва и кончают с собой. Их бы всё равно казнили, так как старухе Ракен, матери убитого мужа, всё известно.
Золя также инсценировал романы Западню, «Нана». Зрители видели на сцене пролетариев, прачек, проституток. Сцену белой горячки актёр играл, понаблюдав за реальным течением этого приступа. Пену он создал, взяв в рот кусок мыла.
В пьесе «Наследники Рабурдена» Золя в сатирическом ключе изображает борьбу за наследство богача, прикинувшегося умирающим. Он сравнивает родственников со стервятниками, слетевшимися на добычу. Автор показывает, что люди в обществе ценятся только благодаря деньгам. Золя разоблачает хищнические нравы современного буржуазного общества.
|
|
|
Узнав о разорении богатого дядюшки Рабурдена, его наследники вынуждены ломать комедию и поддерживать общественное мнение (Рабурден по-прежнему богат), а иначе их не будут уважать. Работая над «Наследниками Рабурдена», Золя опирался на комедию Бена Джонсона «Вольпоне» и Мольеровские трагедии.
Вслед за Золя появляются другие крупные драматурги-натуралисты, переносящие законы животного мира на человеческое общество: Анри Бен («Вороны»), Альфонс Роде («Борьба за существование») и другие.
Также рождается новый жанр — «Комеди Росс» (грубая комедия). Драматурги, работавшие в нём, считали, что не нужно писать законченную пьесу по законам драматургии. Достаточно скопировать со всеми грубыми подробностями какой-то эпизод из жизни простых людей со дна общества.
Натуралисты любят брать в качестве героев простых людей, ибо в них ярче проявляется животное начало, не прикрытое внешним лоском.
II . Символизм
«Материя — отблеск иномирной истины». Исходят из философии Платона (предмет и эйдос). Очень много мистицизма.
|
|
|
1. Морис Метерлинк
Лидер символизма. Считал, что театр должен отражать не грубую реальность, а мистическую суть мира и моменты общения человека с таинственной высшей силой.
Теория статистического театра:показывать не внешние события, а внутреннюю жизнь человека, всегда драматичную. Метерлинк считал, что главные моменты в жизни сопровождаются молчанием. Поэтому в его пьесах большие паузы, есть второй диалог (люди говорят об одном, но подразумевают другое). Реплики персонажей многозначительны, каждый читатель может расшифровать их по-своему. Персонажи часто имеют не имена, а лишь условные обозначения (юная слепая и др.); страна и эпоха не обозначены.
Метерлинк иногда брал сюжеты из сказок и легенд («Смерть Тентажиля», «Ариана и синяя борода»).
В пьесе «Слепые» драматург символически показывает тупик, в котором оказывается человечество (его символ — мёртвый священник и куча слепых). Единственный зрячий — ребёнок.
В других пьесах Метерлинка «Там, внутри», «Смерть Тентажиля» и др. автор утверждает бессилие человека перед смертью, перед роком; даже любовь не может уберечь. В пьесах «Пелеас и Мелисанда», «Монна Ванна» любовь трактуется как иррациональное чувство, как роковая сила, которая обрушивается на людей и ведет либо к гибели, либо к неожиданным изменениям в судьбе.
|
|
|
Постепенно в пьесах Метерлинка появляется светлое жизнеутверждающее начало. Например, в пьесе «Ариана и Синяя Борода» (основана на сказке) героиня обретает свободу, преодолев свой страх, и показывает эту свободу другим (женам Синей Бороды). Но только другие оказываются не готовыми принять эту свободу: Ариана уходит одна, а остальные жены Синей Бороды снова добровольно отправляются в заточение.
«Синяя птица» (1908)
По жанру это феерия в 6 действиях, это одновременно и сказка для детей, и философская притча для взрослых.
Дети Тиль-Тиль и Метиль обретают способность видеть души предметов, а также явлений (отражение идей Платона о предмете и идее). Они отправляются на поиск Синей Птицы (символ счастья, смысла жизни, воссоединения с Богом). Посещают царство воспоминаний (когда мы вспоминаем умерших близких, они оживают для нас), царство природы (деревья враждебны к детям, ибо люди наносят вред природе), царство мертвых (на кладбище из могил вырастают цветы и дети понимают, что мертвых нет, все живые), Дворец ночи (это символ зла, но ужасы болезни и войны не пугают детей, ведь человечество скоро победит их всех), Царство Блаженств (искушение плотскими наслаждениями, а подлинные-духовные, например, блаженство материнской любви), Царство будущего (души готовятся к земному воплощению, у каждой своя миссия; слепой мальчик победит смерть-полемика Метерлинка с самим собой).
Синие птицы, которых дети ловили в каждом царстве или умирали, или меняли цвет. По мысли Метерлинка, нельзя поймать счастье или понять смысл жизни, главное — поиск и стремление. Только в финале в синюю птицу преображается обычная горлинка, которую Тиль-Тиль дарит больной девочке.
Когда мы отдаем другим самое дорогое, мы обретаем и счастье, и истину. Но птица улетает, а дети просят зрителей помочь им ее поймать. То есть от каждого из нас зависит наступления Царства Божьего на Земле (мира счастья).
«Чудо Святого Антония»
…гонит из дома «бродягу», полиция уводит святого в тюрьму, а старуха снова умирает, к радости родственников.
Неоромантизм
Неоромантизм был против натурализма с его грязью и бытом на сцене, против символизма (герои пассивны, пьесы мрачны, человек лишь игрушка в руках смерти). Неоромантики хотели вдохнуть энтузиазм и патриотизм; героизм и веру в любовь, идеалы в души уставших современников, которые были огорчены разрухой после парижской войны и франко-прусской прусской войны, охвачены чувством позора. Представители неоромантизма писали исторические, костюмные стихотворные пьесы о любви, о подвигах.
Эдмон Ростан
Лидер неоромантизма. Эстет. Он был очень популярен и богат, спектакли по пьесам Ростана собирали аншлаги по всему миру, имели огромные кассовые сборы.
Писатель объявил себя наследником Виктора Гюго. Ростану было свойственно соединение комедийного и романтического начала, для него была важна романтическая стихия. В пьесах драматург стремился показать красоту обыденной жизни (надо уметь её увидеть). Об этом ранняя комедия «Романтики».
Сирано де Бержерак»
Самая известная пьеса Ростана. По жанру это героическая комедия Главный герой совмещает и комическое (большой нос), и героическое (его поведение, рыцарское отношение к женщине, к друзьям). Под маской шутника и забияки Сирано скрывает поэтическую, ранимую душу. Кристиан и Сирано —
двойники. Первый воплощает тело, второй — душу. Только в конце пьесы Роксана, полюбив Кристиана, влюбляется в его душу — Сирано. Эту тайну героиня узнаёт в финале перед смертью Сирано. Предсмертный монолог героя — вызов смерти, проявление высшего мужества.
Ещё известными пьесами являются «Принцесса грёза», «Орлёнок» и другие. Они написаны по мотивам средневековых легенд или исторических событий
Сценическое искусство Франции на рубеже XIX — XX веков.
Режиссура
Натурализм
Андре Антуан
Первый европейский режиссёр. Он не имел профессионального образования, но тем не менее
организовал театр, предвосхитивший будущий МХТ.
Был песцом на торговом складе, постепенно у него появились связи в литературном мире, и он заинтересовался театром. Антуан посещал многие спектакли; обожал «Комеди Франсез», был клакером; статистом в «Комеди Франсез». Параллельно он пытался поступить в консерваторию, но провалился. Антуан продолжил выступать в любительских театральных кружках. Однажды, вдохновившись «Натурализмом в театре» Золи, он решил предложить новые методы актёрам-любителям.
30.03.1887 в Париже был открыт экспериментальный «Свободный театр». Зрители покупали там абонемент на весь сезон. Для первого спектакля были выбраны три натуралистические одноактовки Золи и его последователей.
Антуан не принимал ни комммерческий театр, в котором шли «хорошо сделанные пьесы», ни классическое искусство «Комеди франсеза». Поначалу Антуан ставил только остросовременные натуралистические французские пьесы. Он точно копировал жизнь низших слоёв общества (бомжи, проститутки, трущобы и др.). Детали были сугубо натуралистические (например, настоящая окровавленная туша быка).
Потом Антуан стал ставить и зарубежную современную драматургию: «Власть тьмы» Толстого, «Ткачи» Гауптмана, «Привидения» и «Дикая утка» Ибсена, «Нахлебник» Тургенева и другие.
Для Антуана всегда было важно точно передать этнографический (национальный) колорит и социальный особенности той страны, в которой происходит действие пьесы. Например, когда он работал над спектаклем по «Власти тьмы», его сотрудник специально ездил в Россию, чтобы делать зарисовки и даже покупать отдельные предметы, характеризующие быт русских крестьян. Режиссёр точно воспроизвёл интерьер (внутри дома) и экстерьер (снаружи) русской крестьянской избы, а также костюмы. Ставя Ибсена, Антуан предавал скандинавский колорит.
Антуан проводил эксперименты с освещением: красный свет (в сцене восстания в «Ткачах»), освещение сцены сверху с помощью нескольких ламп, подсветка снизу на лица актёров, сидевших за столом. Режиссёр понимал, что освещение создаёт атмосферу и может передать какую-либо мысль режиссёра; считал, что актёры должны полностью перевоплощаться в создаваемый образ. Антуан не
принял систему амплуа, добился слаженного ансамбля. Антуан мастерски ставил массовые сцены,
каждый статист труппы имел свою индивидуальность, там не было звёзд. Антуан считал, что главный автор спектакля — режиссёр, а «актёр — это клавиша под рукой режиссёра».
Великий режиссёр оставил после себя большой теоретический труд под названием «Театр». После возникновения театра Антуана по всей Европе пошло движение «Свободных театров». Появление в России МХТ тоже проходило в русле этого движения.
Символизм
Это направление в режиссуре развивалось параллельно с натуралистическим. Его представителями являются Поль Фор (Художественный театр) и Люнье По (Театр творчества). Они ориентировались на пьесы в стихах, стремились создать на сцене фантастический мир наших снов, видений, ставили произведения Метерлинка, классические и философские пьесы в символистской трактовке (например, Поль Фор — «Трагическую историю доктора Фауста» Марло, «Ченчи» Шелли), инсценировали средневековые легенды (например, «Песнь о Роланде») и произведения Гомера (Фор поставил несколько песен из «Илиады»), ставили поэтические спектакли по стихам современных поэтов-символистов (для этого использовались специальные декорации, актёры были в специальных костюмах)
Условное оформление сцены (принцип стилизации: витраж, как в готическом соборе и др.), минимум предметов, каждый из которых символичен (например, кладбищенский кипарис), абсолютно условные костюмы типа античной туники. Актёры — подобие марионетки, они обезличены, являются символом человека. У них замедленная пластика, они нейтрально читают текст. Актёры иногда были отделены от зрителей прозрачной занавеской.
Для создания атмосферы в каждой сцене режиссёры использовали запахи, классическую музыку, разноцветную подсветку, погружали зрителя в необходимое им занятие. Спектакли оформляли крупнейшие художники того времени, особенно импрессионисты (Поль Гоген, Морис Дени и другие).
Дата добавления: 2020-12-22; просмотров: 204; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!