В.А.Серов в поиске новых путей живописи.
Серов вошел в историю русского искусства как художник исключительной глубины и многосторонности, с блеском испытавший свои силы почти во всех жанрах живописи и графики. Но высшие его достижения принадлежат области портрета.
Целая эпоха заключена в созданной им портретной галерее его современников.
Ранние произведения Серова восьмидесятых годов - «Девочка с персиками» и «Девушка, освещенная солнцем» - напоены солнечным, светлым восприятием мира, это настоящая песня о юности человека, о его душевной чистоте, о радости жизни. С годами искусство художника становится все более суровым и строгим, жизнь раскрывается перед ним в ее противоречиях, в социальных контрастах. Но хотя правда нередко оказывается горькой - Серов не изменяет ей никогда. Непоколебимая правдивость убежденного реалиста, неумолимая верность глаза и руки не покидают Серова и тогда, когда ему приходится портретировать представителей господствующих классов (а по их заказам художнику пришлось работать немало); им всем он дает в своих портретах самые беспощадные характеристики. Художник М.В.Нестеров так говорил об отношениях Серова и его заказчиков: «Он издевался над ними кистью. Не постигаю, как они этого сами не замечали! Удивляюсь, как они принимали от него эти портреты!»
Серов раскрывает наглую самоуверенность и грубость промышленников и банкиров, пустоту и бездушие наряженных в меха и бриллианты дам высшего света, внутреннее ничтожество сановной аристократии... Своими портретами, разоблачающими истинную сущность всех этих Морозовых, Гиршманов, князей Голицыных и Юсуповых, художник выносил суровый приговор старому, уходящему миру. Всем этим «сильным мира сего» он противопоставлял образы простых людей из народа («Баба с лошадью») и образы прогрессивных деятелей русской культуры - тех, чьими именами и сегодня гордится наша страна: Станиславский, Ермолова, Репин, Чехов, Шаляпин - вот люди, на стороне которых громадное уважение и искренняя любовь художника. Уже накануне самой революции, в 1904 году, Серов создал сильный, романтически приподнятый портрет Максима Горького; художник выразил этим свою горячую симпатию к тому новому миру, представителем которого был великий Буревестник революции.
|
|
|
Говоря о новом этапе развития русского искусства, необходимо отметить, что развитие и углубление реализма в нем шло не только путем расширения тематики и обращения к новым явлениям действительности, но также и по пути расширения и обогащения художественных средств отражения этой действительности. Об этом свидетельствуют, в частности, особая острота характеристики человека в портретах Серова.
|
|
|
1. Русские художники. / Гл. ред. Анисимов А.П. – М.: Дело, 2003.
2. История русской живописи: Из древности в сегодняшние дни. / Под ред. Соломонова А.Л.. – М.: Юрайт, 2006.
М .А.Врубель – родоначальник символизма в русском искусстве.
В противовес передовому, реалистическому высокоидейному искусству возникло искусство, стремившееся уйти от этой «беспокойной» жизни. Начиная с 1890-х годов стали распространяться декадентские течения, в большой мере подражавшие направлениям символизма и модернизма.
Влияние символизма отразилось на творчестве многих крупных художников, например, М.А.Врубеля.
М.А.Врубель (1856-1910) - основоположник символизма и модерна в русском искусстве. Поражающие мощью фантазии, необычайной эмоциональной силой, неподражаемым колоритом, образы Врубеля, часто обращавшегося к мотивам фольклора, народного эпоса («Пан», «Царевна Волхова», «Богатырь», «Русалки») или литературы («Царевна-Лебедь», «Пророк», «Демон»), стремившегося к решению средствами изобразительного искусства глубоких общефилософских и моральных проблем, выявляют в то же время трагическую противоречивость исканий художника, не сумевшего найти в окружающей его действительности ответа на мучившие его вопросы.
|
|
|
Центральное место в творчестве Врубеля занимает демоническая тема. Демониана Врубеля, в которую входят также графические и скульптурные произведения, создана под влиянием поэмы Михаила Лермонтова "Демон", музыки Антона Рубинштейна и самого сценического воплощения одноименной оперы. Вместе с тем Демон - это центральный образ эпохи символизма и модерна, а также воплощение глубоко личных переживаний Врубеля. Демоническим величием художник порой наделяет модели в своих портретах. Таков портрет С.И.Мамонтова, построенный на драматических контрастах света и тени. Кристаллизация форм здесь словно предвещает рождение кубизма.
В каждом из своих произведений художник пытался решить проблему создания большого стиля эпохи. Избирая античные или средневековые сюжеты, он облекал их в формы стиля модерн. Врубель внес значительный вклад в дело возрождения монументально-декоративной живописи, традиции которой, столь высокие в древнерусском искусстве, были утрачены в XIX веке.
1. Русские художники. / Гл. ред. Анисимов А.П. – М.: Дело, 2003.
Мир искусства»: этапы и характер деятельности. Станковое и театрально-декоративное искусство, журнальная графика и литературная иллюстрация. А.А.Бенуа – лидер художественного объединения. «Старшее» поколение организаторов «Мир искусства» рубежа 1890-х – 1900-х гг. и его участников.
|
|
|
В 1898 г. в Петербурге было основано новое художественное объединение, получившее название «Мир искусства». Во главе образовавшегося кружка встали художник А.Н.Бенуа и меценат С.П.Дягилев. Основное ядро объединения составили Л.С.Бакст, Е.Е.Лансере, К.А.Сомов. «Мир искусства» устраивал выставки и издавал журнал под тем же названием. В объединение входили очень многие художники: М.А.Врубель, В.А.Серов, И.И.Левитан, М.В.Нестеров, А.П.Рябушкин, Н.К.Рерих, Б.М.Кустодиев, З Е.Серебрякова, К.С.Петров-Водкин.
«Классический» период деятельности «Мира искусства» - 1898-1904; за это время было организовано 6 выставок. Последняя, шестая выставка явилась попыткой С.П.Дягилева предотвратить активно происходившее размежевание творческих сил внутри «Мира искусства» (в 1901 из общества уходят ряд московских художников и организуют «Выставку 36 художников», в 1903 - возникает «Союз русских художников»).
Эстетика большинства представителей «Мира искусства» являет собой русский вариант модерна. Мирискуссники отстаивали свободу индивидуального творчества. Главным источником вдохновения признавалась красота. Современный мир, по их мнению, лишен красоты и поэтому недостоин внимания. В поисках прекрасного художники «Мира искусства» в своих работах часто обращаются к памятникам прошлого. Для художников начала ХХ века социальные проблемы в истории теряют первостепенное значение, ведущее место в их творчестве занимает изображение красоты старинного быта, реконструкция исторических пейзажей, создание поэтизированного романтического образа «ушедших веков». Острые коллизии и значительные исторические деятели гораздо меньше интересовали их, чем своеобразие костюма, неповторимый колорит старины. Ведущим в работах многих художников, входивших в «Мир искусства», стал историко-бытовой жанр.
Классический период в жизни объединения пришелся на 1900-1904 - в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства».
Художественная ориентация «Мира искусства» была связана с модерном и символизмом. В противовес идеям передвижников художники «Мира искусства» провозгласили приоритет эстетического начала в искусстве. Члены «Мира искусства» утверждали, что искусство - прежде всего выражение личности художника. В одном из первых номеров журнала С. Дягилев писал: «Произведение искусства важно не само по себе, а лишь как выражение личности творца». Полагая, что современная цивилизация антагонистична культуре, «мирискусники» искали идеал в искусстве прошлого. Художники и писатели, в своих картинах и на журнальных страницах, открыли российскому обществу тогда мало оцененную красоту средневековой архитектуры и русской древней иконописи, изящество классического Петербурга и окружающих его дворцов, заставляли задуматься о современном звучании древних цивилизаций и заново оценить собственное художественное и литературное наследие.
В истории театрально-декорационной живописи XX столетия мастера «Мира Искусства» сыграли выдающуюся роль, значение которой не ограничено пределами национальной изобразительной культуры. Речь идет не только о широком европейском признании русских художников театра, но и о прямом воздействии последних на мировую театрально-декорационную живопись. К этому времени русская театрально-декорационная живопись, знавшая когда-то периоды высокого расцвета, успела прийти в жалкий упадок, потому что в значительной степени утратила связь с передовыми явлениями современного национального искусства. Из рук больших художников она перешла в руки «профессионалов», ничего не умевших за пределами своей узкой специальности, да и в ней-то редко поднимавшихся выше ремесленного уровня. В Мамонтовской опере эта практика была отброшена. К театральной работе вновь обратились большие живописцы - вначале передвижники В.М.Васнецов и В.Д.Поленов, а вслед за ними мастера более молодого поколения – М.Врубель и К.Коровин. В результате их деятельности снова возросла роль художника в театре, и в творческой среде окрепла уверенность в том, что декорации и костюмы представляют собой неотъемлемый элемент художественного образа, создаваемого спектаклем. Работа М.Врубеля, А.Головина и К.Коровина имела еще и другое значение: преодолевая «бытовизм» безличных стандартных декораций, они создавали на сцене атмосферу особой «театральной реальности», поэтически возвышенной над житейской обыденностью.
Отдельные художники «Мира Искусства» включались в театральную жизнь в ту пору, когда уже были созданы такие постановки, как опера «Сказка о царе Салтане» в декорациях Врубеля (1900), балет «Конек-Горбунок» в декорациях К. Коровина (1901) и опера «Псковитянка» в декорациях Головина (1901). Начался новый этап развития русской декорационной живописи.
В 1898 году в Петербурге был выпушен первый номер ежемесячного иллюстрированного художественного журнала «мир искусств», который выходил по 1904 год. Журнал являлся органом художественного объединения «Мир искусства» и писателей-символистов.
С первого номера художники, сплотившиеся вокруг С.П. Дягилева, не просто участвовали в создании журнала, выполняя обложки, готовя иллюстрации, заставки и виньетки, а формировали новое представление о популярных и художественных изданиях. Они обратили внимание на значение шрифта и формата, взаимосвязь текста и иллюстраций.
Большое влияние на книжную графику оказали «Медный всадник» с иллюстрациями А.Н.Бенуа и «Белые ночи» в оформлении М.В. Добужинского. В эмиграции «мирискусники» продолжали создавать иллюстрированные издания, которые печатались в Париже, Берлине, Риме и Нью-Йорке. А.Н.Бенуа иллюстрировал «Капитанскую дочку» А.С. Пушкина, «Грешницу» Анри де Ренье. И.Я.Билибин сделал рисунки к русским народным сказкам и французским средневековым балладам. Б.Д.Григорьев исполнил 60 иллюстраций к «Братьям Карамазовым» Ф.М. Достоевского, оформил «Первую любовь» И.С. Тургенева, «Детство» А.М. Горького и «Детский остров» С. Черного.
Книжной графике «мирискусников» история русской культуры обязана идеей подхода к книге как цельному организму.
После 1904 объединение расширилось и утратило идейное единство.
1. История русской живописи: Из древности в сегодняшние дни. / Под ред. Соломонова А.Л.. – М.: Юрайт, 2006.
2. Русская художественная культура конца XIX – нач. ХХ вв. – М.: Просвещение, 1980.
Ведущие художники «второго призыва» в возрожденном «Мире искусства» 1910-х гг.: Н.К.Рерих и Б.М.Кустодиев. Элементы неоакадемизма в творчестве участников позднего «Мира искусства». З.С.Серебрякова. В.Я.Шухаев и А.Е.Яковлев. Б.Д.Григорьев.
С 1904 по 1910 год «Мир искусства» как художественное объединение не существовал. В 1910 после статьи А.Н.Бенуа в газете «Речь», где содержалась критика ведущих живописцев «Союза русских художников», деятельность «Мира искусства» возобновляется. Общество воссоздается под председательством Н.К.Рериха. Состав общества значительно пополнили молодые творческие силы (К.С.Петров-Водкин, А.Е.Карев, Н.И.Альтман, В.Е.Татлин, М.С.Сарьян и другие), что вместе с тем говорило об отсутствии былого единства в «Мире искусства», который со временем все более становится чисто выставочным объединением.
Н.К.Рерих «величайший интуитивист века», по определению А.М.Горького, в символических образах выразил накануне первой мировой войны свои тревожные предчувствия: картины «Пречистый град - врагам озлобление», «Ангел Последний», «Зарево», «Дела человеческие» и др. В них показана тема борьбы двух начал - света и тьмы, проходящая через все творчество художника, а также ответственность человека за свою судьбу и весь мир. Николай Рерих не только создаёт картины антивоенного характера, но и пишет статьи, посвящённые охране мира и культуры.
Н.К.Рерих много работает в историческом жанре. В раннем периоде творчества создаёт полотна: «Сходятся старцы», «Плач Ярославны», «Начало Руси. Славяне», «Идолы», «Строят ладьи» и др. В этих работах проявляются самобытный талант художника и новаторский поиск в искусстве. Уже в первых картинах вырисовывается своеобразный стиль Рериха: его всеохватывающий подход к композиции, ясность линий и лаконизм, чистота цвета и музыкальность, великая простота выражения и правдивость.
Как художник Рерих работал в области станковой, монументальной (фрески, мозаика) и театрально-декорационной живописи. В 1906 году он создаёт 12 эскизов для церкви в имении Голубевых в Пархомовке под Киевом, а также эскизы мозаик для Почаевской лавры, 4 эскиза для росписи часовни в Пскове, 12 панно для виллы Лившиц в Ницце (1914). В 1914 году им была оформлена церковь св. Духа в Талашкине (композиция «Царица Небесная» и др.).
Б.М.Кустодиев в своих картинах создавал образы традиционного быта (серии «ярмарок», «маслениц», «деревенских праздников») и красочные народные типажи («купчихи», «купцы», красавицы в бане – «русские венеры»). Первая картина такого рода («Ярмарка») написана по заказу Экспедиции государственных бумаг для неосуществленной серии массовых лубков. Эти серии и близкие им полотна (портрет Ф.И.Шаляпина) подобны красочным снам о старой России. Революцию Кустодиев тоже воспринял карнавально, в духе яркого народного лубка («Большевик»).
В 1910-е годы выдвинулась в число ведущих художников русского неоклассицизма З.Е.Серебрякова. Она писала гармонически ясные по композиции и цвету портреты, пейзажи и жанры («За туалетом. Автопортрет», «Жатва», «Беление холста»). Ряду ее образов свойствен поэтически-созерцательный эротизм специфически женского, феминистского толка («В бане») и – при внешней простоте мотивов – прочувствованный символический подтекст («Карточный домик»), ставший своеобразным реквиемом «серебряного века»). Создала серию портретов балерин Государственного академического театра оперы и балета в Петрограде.
В.Я.Шухаев - русский художник, живописец и график, один из самобытных представителей неоклассики в духе «Мира искусства». Не входя в число долголетних участников экспозиций «Мира искусства» (он выставил там свои работы лишь в 1918), Шухаев, тем не менее, последовательно продолжал характерно-«мирискусническую» историко-ретроспективную линию, неизменно стремясь к искусству в духе старых мастеров, – хотя и включающему иронические или тревожные чувства современника. Писал стилизованные под старину портреты (Л.М.Рейснер, изображенная в облике некой «Моны Лизы 20 века»; Е.Н.Шухаева), а также пейзажи, натюрморты, мифологические и жанровые сцены. Много работал сангиной, а также в технике фрески: росписи храма Николая Угодника в итальянском городе Барии. В 1920 выехал в Финляндию, а в 1921 обосновался в Париже, открыв вместе с Яковлевым школу-мастерскую. В 1935 вернулся в СССР, получив персональную мастерскую в ленинградской Академии художеств. Участвовал в оформлении интерьеров московской Библиотеки имени В.И.Ленина, начал работу над картиной на колхозную тему, пытаясь перевести свою эстетскую неоклассику на язык соцреализма.
А.Е.Яковлев - русский художник, мастер живописи и графики, представитель неоклассического течения внутри модерна. Получил известность картинами (преимущественно портретами), написанными как бы в манере старых, ренессансно-барочных мастеров, но с элементом вполне современного иронико-драматического остранения (двойной, совместно с Шухаевым, автопортрет в образах Арлекина и Пьеро, «Скрипач»). Проявил себя и как блестящий мастер рисунка (преимущественно сангиной), стилизованного под традиционные академические штудии.
Б.Д.Григорьев - русский художник, живописец и график, представитель русского модерна. Типические черты его стиля – с изысканной, гибкой линией в качестве доминирующего начала формы – четко проступили в большом графическом цикле Intimite (Интимность, 1916–1918), созданном на базе парижских впечатлений; мир цирков, кафешантанов и продажной любви составил здесь театрально-лукавую панораму вялотекущего распада. Гротескно-лукавы и портреты работы Григорьева, часто изображающие человека-в-роли, человека-лицедея. Лучшим своем портретом считал портрет М.Горького, с писателем в образе кукловода, манипулирующего персонажами пьесы «На дне».
1. Русские художники. / Гл. ред. Анисимов А.П. – М.: Дело, 2003.
2. Русская художественная культура конца XIX – нач. ХХ вв. – М.: Просвещение, 1980.
Дата добавления: 2019-01-14; просмотров: 786; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!