Западная Европа и ее художественная культура в конце XIX – нач. XX века: модерн.

Архитектура и живопись

Отличительной особенностью архитектуры в Древнем Китае является сложность строений. В то время как многие древние народы возводили бесхитростные одноэтажные строения, китайцы уже в I тыс. до н. э. умели строить двух- и трехэтажные здания, требовавшие определенных математических знаний. Крыши покрывали черепицей. Каждое строение украшалось деревянными и металлическими дощечками с символами процветания, здоровья и богатства.

Многие древние архитектурные строения имели общую черту – приподнятые уголки крыши, благодаря чему кровля визуально выглядела прогнутой вниз.

Вся живопись Древнего Китая, равно как и другие виды искусства, пронизана восхищением красотой природы и гармонией Вселенной, она наполнена созерцанием и символизмом.

В китайской живописи большой популярностью пользовались жанры «цветы-птицы», «люди», «горы-воды», которые на протяжении многих лет не теряли своей актуальности. Каждый изображенный предмет нес в себе определенный смысл. Например, сосна символизировала долголетие, бамбук – стойкость, а аист – одиночество.

Невиданный подъем переживает художественная культура. В Цинь- Ханьскую эпоху окончательно складываются классические формы традиционной китайской архитектуры, которые сохраняются до наших дней. Высокого уровня достигает градостроительство. Главные центры империи — Лоян и Чань-ань — отличаются четкой планировкой и красотой улиц. Китайские зодчие с успехом строили дома в два-три этажа и более, с многоярусной крышей из цветной черепицы. Самым знаменитым архитектурным памятником Древнего Китая стала Великая китайская стена. Наиболее известный ее участок (750 км) находится недалеко от Пекина, где она имеет ширину 5-8 м и высоту до 10 м. Вся же длина стены со всеми ответвлениями составляет более 6 тыс. км.

Не менее удивительным памятником является также погребальный комплекс императора Цинь Ши-хуанди. Он поражает не только своими грандиозными масштабами, но и содержимым гигантского подземного дворца. Помещения этого дворца заполнены рядами стоящих плечом к плечу фигур керамических воинов, коней и колесниц, выполненных в натуральную величину. Все это глиняное войско насчитывает три тысячи пехотинцев и всадников.

Значительного уровня достигает скульптурный рельеф. Наиболее интересными представляются рельефы из Шаньдуна, обнаруженные в погребальном храме знатного рода У, а также каменные рельефы их могильных склепов в Сычуане. На первых изображены сюжеты на религиозные и мифологические темы, сцены сражений, охоты, приема гостей и т.д. На вторых встречаются сцены из народной жизни — жатва, охота, тяжелый труд в соляных рудниках.

В Ханьский период появляется станковая живопись, о чем свидетельствует найденная часть картины с изображением на шелке девушки, феникса и дракона. Для развития живописи и изобразительного искусства большое значение имело изобретение волосяной кисти и туши.

Величайшим достижением Древнего Китая стало изобретение бумаги (II-I вв. до н.э.), которая вызвала настоящий переворот во всей культуре. Не меньшее значение имело также доведенное до совершенства иероглифическое письмо, воспринятое в Корее, Вьетнаме и Японии.

В художественных ремеслах данного периода утверждаются черты зрелого и высокого совершенства, которые становятся основными стилистическими свойствами последующих эпох. В частности, бронзовые сосуды имеют более обтекаемые и простые формы, они утрачивают свой магический смысл. Орнамент уступает место инкрустации разноцветными металлами.

10. Художественная культура эпохи Античности. (Древняя Греция).
ЛИТЕРАТУРА
Особое место в истории мировой цивилизации занимает древнегреческая художественная культура. Эллинское искусство достигло глубокой человечности образов, проникнуто ощущением гармонии мира и человека, что осознанно воплощает красоту природного бытия.

С мифологией, её сюжетами и образами связано очень раннее формирование древнегреческой литературной традиции. Развитие отдельных сфер культуры не всегда происходит равномерно. Так, в Древней Греции вершины поэтического творчества были достигнуты гораздо раньше, чем сложились классические наука, образование и искусство. Примерно в VIII веке до н. э. Гомер написал свои эпические поэмы — «Илиаду» и «Одиссею». Большинство ученых считает, что Гомер жил в Малой Азии и был рапсодом — так называли поэтов, которые выступали с декламацией своих стихов. О времени письменного оформления поэм мнения расходятся: одни считают, что первые записи были сделаны при жизни Гомера, другие — что это случилось позже — в VI веке до н. э. Обе версии соотносятся с историей греческой письменности. Алфавит (фонетическое письмо) было заимствовано греками у финикийцев как раз в VIII веке до н. э. Греки писали, как и финикийцы, справа налево, без знаков препинания и без гласных, а в VI веке до н. э. письмо приобрело уже привычный для нас вид.

Поэмы Гомера тесно связаны с народным героическим эпосом, посвященным Троянской войне, в котором переплелись и реальные исторические события (военный поход греков-ахейцев на Трою, которую они называли Илион), и фантастические сюжеты («Яблоко раздора» как причина войны, участие богов в конфликте, «Троянский конь»). Однако Гомер не переводит мифы, а создает художественные образы, рисует внутренний мир героев, столкновение характеров. «Илиада» посвящена одному эпизоду последнего, десятого, года войны — гневу самого сильного и храбрейшего из греческих воинов Ахиллу, который обиделся на предводителя греков микенского царя Агамемнона. Ахилл отказывается принимать участие в битве, троянцы прорываются к кораблям, погибает лучший друг Ахилла — Патрокл. Ахилл меняет решение, вступает в поединок с главным защитником Трои сыном царя Приама Гектором и убивает его. Поражает сцена встречи Ахилла с Приамом, когда царь, целуя руки победителя, просит отдать ему тело сына для захоронения со всеми почестями.

«Одиссея» рассказывает о длинном, полном невероятных сказочных приключений возвращении домой одного из главных участников войны — царя острова Итака, хитроумного Одиссея. Греки не просто знали наизусть, много раз переписывали, любили гомеровские поэмы, а преклонялись перед ними. Их сделали основой воспитания и образования. Точную и образную оценку значения «Илиады» и «Одиссеи» дал средневековый византийский писатель Михаил Хониат в XIII веке писал: «Подобно тому, как, по словам Гомера, все реки и потоки берут своё начало в Океане, так всякое словесное искусство источник имеет в Гомере».

Гесиод продолжил эпическую традицию Гомера. В поэме «Теогония» он изложил мифологические представления о происхождении богов и устройстве мира. В «Трудах и днях» впервые ввел в эпическую поэму личные оценки, описание обстоятельств собственной жизни. В дальнейшем в Греции получила развитие лирическая поэзия. Известными стали имена поэтессы Сапфо (сапфическая строфа — особый стихотворный размер), Анакреонта (анакреонтика — лирика, воспевающая радость жизни и мирские наслаждения). Однако стихи этих и других древнегреческих авторов сохранились лишь фрагментарно.

Как самостоятельный жанр литературного творчества сложилась драматургия.

ДРАМАТУРГИЯ И ТЕАТР
Возникновение древнегреческого театра связано с праздниками в честь бога виноградарства Диониса — дионисиями. Участники процессий надевали козьи шкуры и пели и танцевали (слово «трагедия» в переводе с греческого — «песнь козлов»). На историческое происхождение театра указывает обязательное участие в трагедиях хора, с которым сначала вступал в диалоги единственный актёр, позже количество актёров увеличилось до трех. Совместившись с литературной традицией, театр в классическую эпоху из религиозных, народных представлений превратился в самостоятельный вид искусства. Театрализованные представления стали неотъемлемой частью государственных праздников — Дионисий и Леней. Для них строили грандиозные каменные театры, рассчитанные на тысячи зрителей (театр Диониса в Афинах, лучше других сохранился амфитеатр в Эпидавре).

Городские власти находили хорега (человека, который обеспечивал финансирование), отбирали постановки и на своё усмотрение определяли порядок показа комедий и трагедий. Бедные люди получали деньги на входной билет. Актёрами были исключительно мужчины, они играли в особых масках. Маски отражали характер и настроение изображаемого персонажа. Постановщиком был сам поэт. После окончания спектаклей, продолжавшихся несколько дней с утра до вечера, специальные судьи определяли лучших и вручали призы в виде денежной премии драматургу и хорегу, лавровой ветви и памятника в честь хорега.

Наиболее прославленными драматургами были трагики Эсхил, Софокл и Эврипид. Эсхил написал 90 пьес, 13 раз он побеждал в драматических соревнованиях. Его историческая пьеса «Персы» прославляет победу греков в войне с захватчиками. Сам Эсхил принимал участие в крупнейших сражениях. Большинство древнегреческих пьес используют мифологические сюжеты, которые авторы вольно интерпретировали, выражая собственные взгляды. Эсхил в «Прометее прикованном» восхищается мужеством и свободолюбием титана. У Софокла появляется психологическая мотивировка поступков героев. Например, в «Антигоне» главная героиня жертвует собой, но выполняет нравственное обязательство: вопреки запрету царя прячет погибшего брата. Именно в этой трагедии звучит хор со знаменитым рефреном: «в мире много сил великих, но сильнее человека нет в природе ничего». Большинство драматических произведений утрачены. Полностью сохранилось лишь семь пьес Эсхила, семь — Софокла (написано 123, из них 24 — победили на соревнованиях), чуть больше — 17 Эврипида. Эврипид жил уже в эпоху кризиса, гражданских войн, внешней опасности, что нарастала со стороны Македонии. Все это и отразилось на его творчестве («Медея», «Ипполит»), Аристотель называл Эврипида «самым трагическим среди поэтов». Мастером комедии заслуженно считался Аристофан («Облака», «Осы», «Лягушки»). Драматические произведения древних греков до сих пор остаются в репертуаре многих театров, они неоднократно экранизировались.

АРХИТЕКТУРА
В условиях рабовладельческой демократии создается целостная среда городов-государств. Развивается система регулярного планирования города (Гипподамова система), с прямоугольной сеткой улиц, площадью — центром торговой и общественной жизни. Культовым и архитектурно-композиционным ядром города был храм, который строился на вершине акрополя — возвышенной и укрепленной части города. Эллины выработали совершенно другой, чем в древневосточной цивилизации, тип храма — открытый, светлый, который прославлял человека, а не внушал трепет. Характерно, что в архитектуре присутствует человеческое метрическое начало. Математический анализ пропорций древнегреческих храмов показал, что они соответствуют пропорциям человеческой фигуры. Классический греческий храм был прямоугольным в плане, со всех сторон окруженный колоннадой. Крыша была двускатной. Треугольные плоскости, образовавшиеся из фасадов — фронтоны — как правило, украшались скульптурными изображениями.

Греческую архитектуру отличает чистота и единство стиля. Было создано три основных архитектурных ордера («ордер» — в переводе с греческого «порядок») — они различаются типами колонн и перекрытий, пропорциями, декоративным убранством. Дорический и ионический стили возникли в полисный период. Коринфский ордер — появляется в эпоху эллинизма.

Наиболее совершенным архитектурным ансамблем классической Греции был Афинский акрополь. Он был сооружен во второй половине V века до н. э. в период наибольшего могущества Древних Афин. Холм Акрополис, что возвышается на 150 м над уровнем моря, издавна был крепостью, а затем местом главных культовых сооружений. Однако во время персидского нападения все они подверглись разрушению. Перикл, что добился переноса в Афины казны Афинского морского союза, в который входили многие древнегреческие полисы, стал инициатором грандиозной реконструкции Акрополя. Работами руководил личный друг Перикла — выдающийся скульптор Фидий. Отличительная черта этого комплекса — чрезвычайная гармоничность, которая объясняется единством замысла и короткими для таких масштабов сроками строительства (примерно 40 лет).

Парадный вход в Акрополь — Пропилеи — возведён архитектором Мнесиклом. Позже перед ними на искусственно увеличенном выступе скалы был построен небольшой Храм Ники Аптерос (Ники Бескрылой) — символ того, что богиня победы никогда не покинет город. Главный храм Акрополя — беломраморный Парфенон — храм Афины Парфенос (Афины Девы). Его архитекторы — Иктин и Калликрат — задумали и спроектировали строение настолько пропорциональное, что оно, выделяясь как безусловно самое величественное сооружение комплекса, при этом своими размерами не тяготеет над другими. В старину в центре Акрополя на постаменте, в золотых доспехах, возвышалась грандиозная фигура Афины Паллады (Афины Воительницы) работы Фидия. Эрехтейон — храм, посвященный Посейдону, который в мифологии соперничал с Афиной за право покровительствовать городу. Знаменит в этом храме портик кариатид. Портиком называют открытую с одной стороны галерею, которая опирается на колонны, а в Эрехтейоне колонны заменены шестью мраморными фигурами девушек-кариатид. Римский историк Плутарх писал об сооружения Акрополя: « .. их вечная новизна спасла их от прикосновения времени».

Архитектура эллинистических полисов продолжала греческие традиции, но наравне с постройкой храмов больше внимания стало уделяться гражданскому строительству — архитектуре театров, гимназий, дворцов эллинистических правителей. Внутреннее и внешнее оформление зданий стало богаче и разнообразнее. К этому времени относится возведение таких прославленных «чудес света», как гробница царя Мавзола в Галикарнасе и Фаросский маяк на входе в Александрийскую гавань, храм Диониса в Теосе — творение Гермогена.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Скульптура была любимым видом искусства эллинов. Статуи богов сооружались в храмах и на городских площадях, ставились победителям Олимпийских игр и крупным драматургам. Овладение, очень постепенное, совершенством в этом виде искусства восходит к архаическим временам. Археологами найдены десятки очень похожих друг на друга архаичных статуй двух типов: куросы — статуи обнаженных юношей и коры — драпированные женские статуи. Эти фигуры выглядят ещё очень скованно, можно увидеть только попытки передать живое движение.

Шедевры скульптуры, которыми не устает восхищаться человечество, дала миру эпоха древнегреческой классики. Современниками были большие мастера Фидий, Мирон, Поликлет Старший. Фидия современники называли «творцом богов». Доныне его главные работы не дошли, судить о них можно только по восторженным описаниям и римским копиям. Статуя Зевса, облицованная золотом и слоновой костью, что находилась в главном храме Зевса в Олимпии, была справедливо причислена современниками к семи чудесам света. Он же создал выдающиеся барельефы и скульптуры Парфенона, в том числе главную статую — Афины Парфенос (Афина-девы).

Мирон достиг высот в стремлении передать в скульптурном изображении движение человека. В его знаменитом Дискоболе впервые в искусстве разрешена задача передачи момента перехода от одного движения к другому, преодолена статичность. В то же время, в соответствии с общим эстетическим идеалом, лицо атлета скульптор изображает абсолютно спокойным. Поликлету принадлежит цикл статуй спортсменов — победителей Олимпийских игр. Самая известная фигура — Дорифор (молодой человек с копьем). Поликлет теоретически обобщил опыт своего мастерства в трактате «Канон». Известнейшим творцом женских скульптурных образов был Пракситель. Его Афродита Книдская вызвала множество подражаний. Пропорциональность классических скульптур стала образцом для мастеров многих эпох.

Эпоха завоевания Александра Македонского, последующего краха его империи, полная страстей, взлетов и падений человеческих судеб целых государств, принесла новую атмосферу в искусство. Если сравнивать скульптуры эпохи эллинизма с предыдущим, классическим периодом, то их вид потерял невозмутимость, спокойствие. Художников (Апеллеса, Протогена и др.) начали интересовать душевные порывы, метание людей, их состояние в трагические моменты (например, скульптурная группа Лаокоона). Появляются скульптурные портреты, которые передают индивидуальные черты. Ярким было творчество Скопаса (до нас сохранился скульптурный портрет Александра Македонского). Успехи науки расширили технические возможности искусства. Одно из «семи чудес света» — Колосс Родосский, что представлял собой бронзовую статую бога Солнца Гелиоса (высота колосса была около 35 м).

Живописные произведения (фрески, картины) время не сохранило, но об их уровне позволяет судить замечательная вазовая живопись, а также поразительные фрески так называемых «могил» Персефоны и Филиппа Второго в Виргине (Македония). С совершенствованием керамической технологии рос её художественный уровень: для архаики характерен так называемый чернофигурный стиль изображения (рисовались тёмные фигуры на светлом фоне), который в классическую эпоху сменился краснофигурным, что сделал изображения более реалистичными.

11. Латинская культура Античности. (Древний Рим).

ЯЗЫК
Латинский язык, появление которого относят к середине III тыс. до н. э., входил в италийскую группу индоевропейской семьи языков. В процессе исторического развития древней Италии латинский язык вытеснил другие италийские языки и со временем занял господствующее положение в западном Средиземноморье. В начале I тыс. до н. э. на латинском языке говорило население небольшой области Лаций (лат. Latium), расположенной на западе средней части Апеннинского полуострова, по нижнему течению Тибра. Племя, населявшее Лаций, называлось латинами (лат. Latini), его язык — латинским. Центром этой области стал город Рим, по имени которого объединившиеся вокруг него италийские племена стали называть себя римлянами (лат. Romans).

Разделяют несколько этапов развития латыни:

Архаическая латынь. Классическая латынь. Постклассическая латынь. Поздняя латынь.

РЕЛИГИЯ

Древнеримская мифология во многих аспектах близка греческой, вплоть до прямого заимствования отдельных мифов. Однако в религиозной практике римлян большую роль играли также анимистические суеверия, связанные с почитанием духов: гениев, пенатов, ларов, лемуров и манов. Также в Древнем Риме существовали многочисленные коллегии жрецов.

Хотя религия играла значительную роль в традиционном древнеримском обществе, ко II веку до н. э. значительная часть римской верхушки уже относилась к религии индифферентно. В I веке до н. э. римские философы (прежде всего Тит Лукреций Кар и Марк Туллий Цицерон) в значительной степени пересматривают или подвергают сомнению многие из традиционных религиозных положений.

На рубеже н. э. Октавиан Август принял меры по установлению официального культа империи.

В конце I в. в еврейских диаспорах городов Римской империи возникло христианство, приверженцами которого стали затем и представители других народов империи. Сначала оно вызывало лишь подозрение и неприязненное отношение со стороны имперских властей, в середине III в. оно было запрещено, начались преследования христиан по всей Римской империи. Однако уже в 313 г. император Константин издал Миланский эдикт, которым разрешил христианам свободно исповедовать свою религию, строить храмы, занимать общественные должности. Христианство затем постепенно превратилось в государственную религию. Во второй половине IV в. начался разгром языческих храмов, были запрещены Олимпийские игры.

12. Художественная культура европейского Средневековья.
Средневековое мировоззрение обусловило специфические черты художественной культуры и искусства этой эпохи:

1 Обращенность к Богу. Искусство должно было приближать человека к Богу.

2 Символизм. Произведение искусства в целом и любой его элемент являлись знаками, образами сверхъестественной реальности.

3 Умозрительность. Живопись, скульптура, архитектура, литература носили в Средние века характер учительства и напоминания. Произведение искусства - текст, который должен был поучать. Назидательный характер носила средневековая литература: жития, притчи, поучения. В театральном искусстве назидателен жанр моралите — дидактическая пьеса с аллегорическими персонажами. В музыке непрерывная, текучая, лишенная индивидуальности мелодическая линия должна была освобождать от власти повседневности.

4 Распространенность образа страдающего и оскорбленного человека. Во всех жанрах и видах средневекового искусства особенно часто встречаются сюжеты мученичества.

В эпоху Средневековья в Европе складываются первые художественные стили. В X—XII вв. в западноевропейском искусстве складывается романский стиль. Его особенности — приземленность, тяжеловесность, незамысловатость, ясность объемов. Наиболее ярко он проявился в архитектуре — господствующем в Средние века виде искусства. Башни в архитектурных строениях романского стиля образуют силуэт здания, типичный для романской архитектуры. Внешние формы аскетичны, но большое значение придается интерьеру, хотя и в нем господствовали простые строгие ритмы.

Для изобразительного искусства характерны выразительность жеста, систематическая последовательность повествования и пафос духовности. Как в Византии, так и в Древней Руси используется обратная перспектива. Человек в скульптуре романского стиля слаб и ничтожен. Особое внимание скульпторы уделяли чудовищам и демоническим существам, которые в изобилии помещались в интерьерах церквей. Романская эпоха породила и развила новые типы светской архитектуры: феодальный замок и городской дом.

С середины XII в. развивается готический художественный стиль. Его особенности, реализующиеся в архитектуре и скульптуре, предназначались уже не только для религиозных сооружений, но носили светскую направленность. Готический собор с ратушей становится средоточием всей общественной жизни, часто в соборе заседал парламент, читались университетские лекции, исполнялись театральные мистерии. Главным конструктивным новшеством готической архитектуры является стрельчатый свод, который позволял перекрывать пространства любого плана. Готика отрицала всякую идею тяжести, давления.

В готике утвердилось новое понимание человека, возвышающее его. Готическая скульптура воплощает эмоциональную энергию человека, выражает чувства, эмоции, переживания. Готическая статуя полна непрерывного движения без перемещения в пространстве, но с неудержимым стремлением вверх. В живописи появляется центральная перспектива.

Культура Средневековья, в целом, имела противоречивый характер. Унаследовав многие элементы античности, соединив их с образами язычества, она трансформировала их в христианское мировоззрение. Нельзя всю культуру европейского Средневековья рассматривать как общий регресс: многие ее достижения стали благодатной почвой для развития культуры эпохи Возрождения

 

13. Основные принципы художественной культуры Византии.
14. Художественная культура Древней Руси.
ЗОДЧЕСТВО
До конца Х века на Руси не было монументального каменного зодчества, но существовали богатые традиции деревянного строительства, некоторые формы которого повлияли впоследствии на каменную архитектуру. Значительные навыки в области деревянного зодчества обусловили быстрое развитие каменной архитектуры и её своеобразие. После принятия христианства начинается возведение каменных храмов, принципы строительства которых были заимствованы из Византии. Вызванные в Киев византийские зодчие передали русским мастерам обширный опыт строительной культуры Византии.

Большие церкви Киевской Руси, построенные после принятия Христианства в 988 году, были первыми примерами монументальной архитектуры в восточно-славянских землях. Архитектурный стиль Киевской Руси утвердился под влиянием византийского. Ранние православные церкви были главным образом сделаны из дерева.

Первой каменной церковью Киевской Руси была Десятинная церковь в Киеве, строительство которой относят к 989 году. Церковь строилась в качестве кафедрального собора неподалеку от княжеского терема. В первой половине XII века церковь перенесла значительный ремонт. В это время был полностью перестроен юго-западный угол храма, перед западным фасадом появился мощный пилон, подпирающий стену. Эти мероприятия, вероятнее всего, являлись восстановлением храма после частичного обрушения вследствие землетрясения.

Софийский собор в Киеве, построенный в XI веке, является одним из самых значительных архитектурных сооружений данного периода. Первоначально Софийский собор представлял собой пятинефный крестово-купольный храм с 13 главами. С трёх сторон он был окружён двухъярусной галереей, а снаружи — ещё более широкой одноярусной. Собор строился константинопольскими строителями, при участии киевских мастеров. На рубеже XVII—XVIII веков был внешне перестроен в стиле украинского барокко. Храм внесён в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

ЖИВОПИСЬ
Наиболее ранние из сохранившихся произведений древнерусской живописи были созданы в Киеве. Согласно летописям, первые храмы украшали приезжие мастера-греки, добавившие в сложившуюся иконографию систему расположения сюжетов в интерьере храма, а также манеру плоскостного письма. Своей особой красотой известны мозаики и фрески Софийского собора. Они выполнены в строгой и торжественной манере, свойственной византийской монументальной живописи. Их создатели мастерски использовали разнообразие оттенков смальты, искусно объединили мозаику с фреской. Из мозаичных работ особенно значительны изображения Христа Вседержителя в центральном куполе. Все изображения пронизаны идеей величия, торжества и незыблемости православной церкви и земной власти.

Ещё одним уникальным памятником светской живописи Древней Руси являются росписи стен двух башен Киевской Софии. На них изображены сцены княжеской охоты, цирковых состязаний, музыканты, скоморохи, акробаты, фантастические звери и птицы, что несколько отличает их от обычных церковных росписей. Среди фресок Софии — два групповых портрета семьи Ярослава Мудрого.

В XII—XIII веках в живописи отдельных культурных центров стали проявляться местные особенности. Это характерно для Новгородской земли и Владимиро-Суздальского княжества. С XII века формируется специфический новгородский стиль монументальной живописи, который достигает более полного выражения в росписях церквей Георгия в Старой Ладоге, Благовещения в Аркажах и особенно Спаса-Нередицы. В этих фресковых циклах, в отличие от киевских, заметно стремление к упрощению художественных приемов, к экспрессивной трактовке иконографических типов. В станковой живописи новгородские черты были выражены слабее.

Во Владимиро-Суздальской Руси домонгольского периода сохранились фрагменты фресок Дмитриевского и Успенского соборов во Владимире и церкви Бориса и Глеба в Кидекше, а также несколько икон. Основываясь на этом материале, исследователи считают возможным говорить о постепенном становлении Владимиро-суздальской школы живописи. Лучше всего сохранилась фреска Дмитриевского собора с изображением Страшного суда. Она создана двумя мастерами — греком и русским. К Владимиро-суздальской школе относятся несколько больших икон XII — начала XIII веков. Самой ранней из них является «Боголюбская Богоматерь», датируемая серединой XII века, стилистически близкая к знаменитой «Владимирской Богоматери», которая имеет византийское происхождение.

15. Художественная культура европейского Возрождения
АРХИТЕКТУРА
Главное, чем характеризуется эта эпоха — возвращение в архитектуре к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы. Наибольший вклад в развитие ренессансной архитектуры внесли пять мастеров:
Филиппо Брунеллески (1377—1446) — основоположник ренессансной архитектуры, разработал теорию перспективы и ордерную систему, вернул в строительную практику многие элементы античной архитектуры, создал впервые за многие столетия купол (Флорентийского собора), до сих пор доминирующий в панораме Флоренции.

Леон Баттиста Альберти (1402—1472) — крупнейший теоретик ренессансной архитектуры, создатель её целостной концепции, переосмыслил мотивы раннехристианских базилик времён Константина, в палаццо Ручеллаи создал новый тип городской резиденции с фасадом, обработанным рустом и расчленённым несколькими ярусами пилястр.

Донато Браманте (1444—1514) — зачинатель архитектуры Высокого Возрождения, мастер центрических композиций с идеально выверенными пропорциями; на смену графической сдержанности архитекторов кватроченто у него приходят тектоническая логика, пластичность деталей, цельность и ясность замысла (Темпьетто).

Микеланджело Буонарроти (1475—1564) — главный архитектор Позднего Возрождения, руководивший грандиозными строительными работами в папской столице; в его постройках пластическое начало выражается в динамичных контрастах как бы наплывающих масс, в величественной тектоничности, предвещающей искусство барокко (собор Святого Петра, лестница Лауренцианы).

Андреа Палладио (1508—1580) — родоначальник первой фазы классицизма, известной как палладианство; с учётом конкретных условий бесконечно варьировал различные сочетания ордерных элементов; сторонник открытой и гибкой ордерной архитектуры, которая служит гармоничным продолжением окружающей среды, природной или городской (Палладиевы виллы); работал в Венецианской республике.

За пределами Италии итальянские влияния наслаивались на местные средневековые традиции, порождая национальные изводы ренессансного стиля. Для иберийского ренессанса характерно сохранение готического и мавританского наследия вроде мелкой ажурной резьбы (см. платереско и мануэлино). Во Франции эпоха Возрождения оставила памятники в виде причудливо декорированных луарских шато с готическими наклонными крышами; эталоном французского ренессанса считается Шамборский замок Франциска I. В елизаветинской Англии архитектор Роберт Смитсон проектировал рационально-прямолинейные особняки с огромными окнами, заливавшими интерьеры светом (Лонглит, Хардвик-холл).

16. Специфика Ренессанса в странах Северной и Восточной Европы.
17. Внестилевые формы художественной культуры: Рембрандт, Веласкес.
18. Западноевропейская художественная культура XVII века: барокко.
Барокко. Ведущим стилем в искусстве XVII века было барокко. Этот стиль возник в Италии в конце XVI века. Затем барокко получает развитие и в других странах, где были сильны феодальные отношения и католическая церковь Фландрии, Испании, Германии. Он нашел свое отражение в архитектуре, скульптуре, живописи, музыке.

Искусство барокко было направлено на поддержку католической церкви в ее борьбе с Реформацией и поэтому оно стремилось воздействовать на чувства людей. Однако искусство барокко достаточно противоречиво. С одной стороны, оно прославляло феодальную знать и католическую церковь, а с другой в нем проявлялись новые, прогрессивные представления о безграничности и изменчивости мира, интерес к окружающей человека среде и к природе.

Для архитектуры барокко характерна постройка грандиозных дворцов и церквей, создание городских и парковых ансамблей. Все здания отличались монументальностью и криволинейными очертаниями, интерьеры украшались лепкой, резьбой, позолотой, многоцветной скульптурой, колоннами, живописными плафонами (потолками), которые создавали иллюзию бесконечного пространства.

ВXVII веке архитектура барокко получает наибольшее развитие в Риме. Самым тесным образом архитектура была связана со скульптурой, которая украшала фасады и интерьеры церквей, вилл, городские дома, парки, надгробия, фонтаны. В барокко иногда трудно разделить работу архитектора и скульптора. Выдающимся итальянским архитектором и скульптором был Джованни Лоренцо Бернини (1598 – 1680 гг.). Главное его творение – колоннада на площади собора св. Петра в Риме. Он оформил королевскую лестницу в Ватикане, создал в Риме фонтан Тритона на площади Барберини и фонтан Четырех рек на площади Нанова.

Вархитектуре Франции, Англии, Германии в XVII – в начале XVIII вв. наблюдалось сочетание барокко и классицизма. Значительными постройками во Франции в XVII века были Лувр (архитектор Перро) и загородная резиденция французских королей Версаль (архитекторы Л.Лево и Ж.Ардуэнг-Мансар).В Англии ведущим архитектором 2 полов. XVII – начала XVIII вв. был К.Рэн. Самое значительное его произведение – собор Св.Павла в Лондоне. В Германии XVII век представлен знаменитыми постройками: Цвингер (или Цитадель) – часть большого ансамбля для праздников под открытым небом в Дрездене; одноэтажный дворецСан-Сусив Потсдаме. В этих постройках элементы барокко вынесены на фасады зданий.

Живопись барокко представлена картинами на религиозный, мифологический и аллегорический сюжет, парадными портретами и натюрмортами. В картинах реальность сочетается с фантазией, религиозность – с подчеркнутой чувственностью. Картины барокко отличаются яркостью красок и монументальностью фигур.

Наибольшее развитие живопись барокко получила во Фландрии. Основными заказчиками произведений искусства являлись дворяне, высшее бюргерство и католическая церковь. Выдающимся фламандским художником был Питер Пауль Рубенс (1577 – 1640 гг.). Его живопись обладает национальными особенностями. В картинах преобладает жизнеутверждающее начало, отсутствует мистика и экзальтация. Писал картины на религиозный («Водружение креста», «Снятие с креста») и мифологический («Похищение дочерей Левкиппа», «Битва греков с амазонками») сюжеты. Большое внимание уделял портрету («Автопортрет с женой Изабеллой Брандт», «Портрет камеристики», «Елена Фоурмен с детьми»). Творчество Рубенса оказало большое влияние на развитие западноевропейского искусства, особенно XIX века.

Видным представителем фламандской школы XVII века был также Антонис ван Дейк (1599 – 1641 гг.) В его творчестве значительное место занимают картины на мифологический и религиозный сюжет («Сусанна и старцы», «Св. Иероним», «Мадонна и куропатками»). Но главным жанром ван Дейка становится портрет. Он пишет портреты прелатов церкви, аристократов, богатых бюргеров. В 1632 г. художник уезжает в Англию и становится основателем школы портретного искусства в этой стране (портрет Карла I на охоте; портрет Томаса Уортона).

19. Западноевропейская художественная культура XVII века: классицизм.
Классицизм. В середине XVII века в Италии возникает новое направление в культуре – классицизм, который просуществовал в западноевропейской культуре до30-хгодов XIX века. В течении этого времени классицизм прошел несколько этапов развития и пережил весьма значительные изменения. В XYII веке этот стиль наиболее ярко проявился в дворянской культуре Франции. Классицизм нашел отражение в архитектуре, литературе и театре, изобразительном искусстве.

Характерной чертой классицизма является обращение к традициям античности и Высокого Возрождения. Идеология классицизма сформировалась под влиянием философии Рене Декарта (1596 – 1650 гг.), который считал, что идеал прекрасного вечен и неизменен, и он уже воплощен в произведениях античности и Высокого Возрождения. Мастера классицизма не стремились показать окружающую действительность и конкретных людей. Они создавали облагороженный мир, идеальные образы. Сюжетом для их произведений служила античная история, мифология и Библия.

В XVII в. классицизм постепенно начинает проникать в культовую архитектуру. Архитекторов занимает проблема соотношение ансамбля дворца и парка. Наиболее ярко эти идеи воплотились в строительстве Версаля – загородной резиденции французских королей. Для всех построек характерно еткость и геометрическая правильность зданий, регулярная планировка, обращение к античному ордеру.

Основоположником классицизма в живописи был французский художник Никола Пуссен (1594 – 1665 гг.), писавший картины на мифологические и литературные темы. Строгая уравновешенность композиции, культ природы и преклонение перед античностью – характерные черты его творчества. Наиболее известные картины «Смерть Германика», «Танкред и Эрминия», «Пейзаж с Полифемом», цикл «Времена года».

В середине XVII века во Франции была основана Академия живописи и скульптуры, которая дала возможность государству управлять искусством. Также важную роль в художественной жизни Франции сыграла королевская Мануфактура Гобеленов, где создавались предметы прикладного искусства: мебель, драгоценная утварь, шпалеры и др.

Реализм в живописи. В XVII веке стиль реализм сформировался только в живописи. Первым реалистическим течением был «караваджизм», названый по имени итальянского художника Микеланджело Меризи де Караваджо (1573 – 1610 гг.). Стремился показать окружающую действительность, стал основателем бытовой живописи и натюрморта в искусстве Италии. В своих картинах изображал простых людей и даже изгоев общества («Лютнист», «Игроки», «Вакх»). Большое место в его творчестве занимают картины на религиозный сюжет («Евангелист Матфей с ангелом», «Признание апостола Матфея», «Положение во гроб»), но по трактовке сцен они больше похожи на бытовую живопись, чем на религиозную.

Наиболее ярко реалистические тенденции проявились в живописи Голландии и Испании. Победа буржуазного строя и кальвинизма в Голландии прервала развитие монументально-декоративногоискусства. Но спрос на произведения искусства был очень большим. Заказчиками выступали частные лица и поэтому предпочтение отдавалось небольшим станковым картинам.

Наиболее популярными жанрами были портрет, в том числе и групповой, бытовой жанр, пейзаж, натюрморт и изображение животных. Хотя протестантская церковь отвергала религиозную живопись, картины на религиозную тему создавались. Но по сравнению с католицизмом они имели другой характер: мистика вытеснялась реалистической трактовкой сюжета и эти картины сближались с бытовой живописью.

Одним из крупнейших художников-портретистовГолландии был Франс Хальс (ок.1580 – 1666 гг.). В его групповых портретах выражены чувства товарищества, равноправия, свободы («Стрелковая гильдия»). Для индивидуальных портретов характерны демократизм, наполненность жизнью и движение («Смеющийся кавалер», «Цыганка»).

Вершиной голландского искусства XVII века является творчество Рембрандта. Его произведения получили всемирное признание. Харменс Ван Рейн Рембрандт (1606 – 1669 гг.) был живописцем, рисовальщиком, офортистом. Писал портреты («Автопортрет с Саскией на коленях», «Читающий Титус»), групповые портреты («Анатомия доктора Тульпа», «Ночной дозор», «Синдики»), философско-религиозныеи мифологические картины («Флора», «Даная», «Возвращение блудного сына»). Полное признание творчество Рембрандта получило лишь в XIX веке.

Вдающийся испанский художник XYII века Диего Родриго де Сильва Веласкес (1599 – 1660 гг.) был придворным живописцем испанского короля. Большое место в его творчестве занимают портреты членов королевской семьи и придворных. Самым известным является групповой портрет «Менины» («Фрейлины»), на котором Веласкес изобразил себя. Мировое признание получил портрет папы Иннокентия X, в котором художнику удалось передать жесткий характер этого человека. Веласкес стал родоначальником исторического жанра в западноевропейской живописи («Сдача Бреды»).

20 . Художественная культура Европы XVIII века (эпоха Просвещения).
Весьма успешно развивается также художественная культура, где наблюдается гораздо больше преемственности. Искусство XVIII в. выступает во многом прямым продолжением века предыдущего. Основными стилями по-прежнему остаются классицизм и барокко. В то же время наблюдается внутренняя дифференциация искусства, его дробление на растущее число тенденций и направлений, которые выглядят не очень четкими, размытыми. Возникают новые стили, в частности, рококо и сентиментализм.

В целом искусство XVIII в. — по сравнению с предыдущим — представляется менее глубоким и возвышенным, оно предстает более легким, воздушным и поверхностным. Оно демонстрирует ироническое и скептическое отношение к тому, что ранее считалось благородным, избранным и возвышенным. В нем заметно усиливаются эпикурейское начало, тяга к гедонизму, дух удовольствия и наслаждения. Вместе с тем искусство становится более естественным, ближе к реальной действительности. Более того, оно все больше вторгается в социальную жизнь, борьбу и политику, становится ангажированным.

Классицизм представляет в первую очередь французский художник Ж.-Л. Давид (1748-1825). В его творчестве нашли отражение большие исторические события, тема гражданского долга. Известная его картина «Клятва Горациев» звучит как призыв к борьбе против абсолютизма. Это произведение отличается строгой композицией, четким ритмом, ярким и сочным колоритом. Другое его полотно — «Смерть Марата» — посвящено Великой французской революции, в которой Давид принял активное участие. Здесь, напротив, господствует подчеркнутая лаконичность, аскетизм живописных средств. Грандиозным полотном на историческую тему стала картина «Коронация Наполеона I».

Барокко XVIII в. не дало фигур, равных по масштабу и значимости Рубенсу. Будучи «большим стилем» эпохи абсолютизма, оно постепенно утрачивает свое влияние, и к середине XVIII в. его все больше теснит стиль рококо, который иногда называют выродившимся барокко.

Наибольшее распространение рококо получило во Франции. Одним из самых известных его представителей является художник О. Фрагонар (1732-1806). Он продолжает линию Рубенса, что находит проявление в его чувственном восприятии цвета и особом внимании к красоте женской плоти, волнующим телесным формам. Ярким примером в этом плане является картина «Купальщицы», выражающая настоящий апофеоз жизни, чувственной радости и наслаждения. В го же время изображаемые Фрагонаром плоть и формы предстают как бы бестелесными, воздушными и даже эфемерными. В его произведениях на передний план выходят виртуозность, изящество, изысканность, световые и воздушные эффекты. Именно в таком духе написана картина «Качели».

Сентиментализм, возникший во второй половине XVIII в., явился первой оппозицией просветительскому обожествлению разума. Он противопоставил разуму культ естественного чувства. Одним из основателей и главных фигур сентиментализма стат Ж.-Ж. Руссо. Ему принадлежит известное высказывание: «Разум может ошибаться. чувство — никогда!». В своих произведениях — «Юлия, или Новая Элоиза», «Исповедь» и др. — он изображает жизнь и заботы простых людей, их чувства и мысли, воспевает природу, критически оценивает городскую жизнь, идеализирует патриархальный крестьянский быт.

Самые великие художники XVIII в. выходят за стилевые рамки. К ним относятся прежде всего французский художник А. Ватто (1684-1721) и испанский живописец Ф. Гойя (1746-1828).

Творчество Ватто находится ближе всего к стилю рококо. Поэтому его иногда называют гением эпохи рококо. В то же время в его произведениях ощущается влияние Рубенса и Ван Дейка, Пуссена и Тициана. Он по праву считается предшественником романтизма и первым великим романтиком в живописи. Ж. Ко кто сравнивает Ватгос Моцартом. Все это делает творчество французского художника исключительно сложным и многозначным.

Главными темами его произведений являются природа и женщина, любовь и музыка. Ватто стал одним из самых великих живописцев человеческой души, ее неизмеримых глубин и тончайших переливов. Он создал удивительно музыкальную живопись, как бы вибрирующую и пульсирующую. Она отмечена яркой театральностью. В ней сочетаются реальное и воображаемое, серьезное и смешное, радость и грусть. В картине «Утренний туалет» Ватто изобразил чудесную обнаженную девушку. Полотно «Пьеро» посвящено итальянскому комедианту. Самым знаменитым произведением художника считается картина «Паломничество на остров Киферу».

Не менее сложным и многогранным является искусство Ф. Гойи. Своим творчеством он продолжает реалистическую тенденцию Рембрандта. В его произведениях можно обнаружить влияние Пуссена, Рубенса и других великих художников. Вместе с тем его искусство органически слито с испанской живописью — в особенности с искусством Веласксса. Гойя принадлежит к числу живописцев, творчество которых имеет ярко выраженный национальный характер. Гойя успешно творил практически во всех жанрах живописи. Будучи придворным художником, он создал великолепные портреты членов королевской семьи. Среди них можно выделить «Портрет королевы Марии-Луизы». В портретном жанре им также созданы такие шедевры, как «Маха на балконе», «Портрет Сабасы Гарсия». На многих полотнах Гойи изображены простые люди-труженики, сцены из народной жизни, прекрасные испанские пейзажи, бой быков и т.д. К числу знаменитых произведений относится серия офортов «Кап- ричос», исполненных с удивительной художественной силой.

21. Русская художественная культура ХVIII века.
Художественная культура России XVIII в. также переживает глубокие изменения. Она все явственнее приобретает светский характер, испытывая растущее влияние со стороны Запада. К середине столетия в ней вполне сложились основные европейские стили: классицизм и барокко.

В литературе классицизм представляют А.Д. Кантемир, В.К. Тредиаковский и М.В.Ломоносов. Первый из них добился литературной славы своими сатирами. Из-за содержавшихся в них острот, шуток и сарказмов, направленных против власти имущих и духовенства, нажил себе влиятельных врагов при дворе, что задержало их публикацию на три десятилетия.

Тредиаковский является автором поэмы «Тилемахида». Он также внес значительный вклад в теорию литературы, разработав принципы русского стихосложения, оказал влияние на поэзию В.А. Жуковского. А.А. Дельвига, Н.И. Гнедича. Многие его последующие произведения были также написаны в форме од, имевших глубокое философское содержание и высокое гражданское звучание. Помимо этого он является автором трагедий, сатир и эпиграмм. Некоторые его произведения по стилю близки к барокко.

В архитектуре западное влияние сказалось наиболее сильно. Новая столица России - Санкт-Петербург — представляла собой резкий контраст с Москвой. Город Петра создавался на совершенно новых принципах градостроительства, имевшего ансамблевый характер, покоившегося на строгой плакировке улиц, площадей, административных зданий и дворцов. До недавнего времени именно Петербург считался настоящим современным городом, тогда как Москву часто называли «большой деревней». Некоторые почитатели красавца-Петербурга предлагали называть его «восьмым чудом света» — в дополнение к известным «семи чудесам».

Только сегодня, в связи с появлением архитектуры постмодернизма, вызвавшей переоценку ценностей, Москва по своей архитектурной значимости вновь возвысилась над Петербургом.

Русский классицизм в архитектуре XVIII в. представляли И.Е. Сгаров, Д. Кваренги, В.И. Баженов, М.Ф. Казаков. Первый из них построил Таврический дворец и Троицкий собор Александро-Невской лавры в Петербурге. Кваренги создал павильон «Концертный зал» и Александровский дворец в Царском селе (ныне Пушкин), Эрмитажный театр и Ассигнационный банк в Петербурге. Баженов и Казаков творили в Москве. Первому принадлежит великолепный дом Пашкова, а второму — старое здание Московского университета, Сенат в Кремле, Первая городская больница.

Русское барокко в архитектуре нашло яркое воплощение в творчестве Д. Трезини и В.В. Растрелли. Первый построил «здание Двенадцати коллегий» (ныне университет), Летний дворец Петра I и собор Петропавловской крепости в Петербурге. Второй — Зимний дворец (ныне Эрмитаж) и Смольный монастырь в Петербурге, большой дворец в Петергофе, Екатерининский дворец в Царском селе.

Русская живопись XVIII в.

XVIII век стал временем расцвета русской живописи. Русская портретная живопись поднимается до уровня лучших образцов европейского искусства. Основоположниками портретного жанра являются A.M. Матвеев и И.Н. Никитин. Первый написал «Автопортрет с женой» и парные портреты супругов Голицыных. Наиболее известные работы второго — «Напольный гетман», «Петр I на смертном ложе».

Наивысшего расцвета портретная живопись достигает в творчестве Ф.С. Рокотова, Д.Г. Левицкого и В.Л. Боровиковского. Первый прославился картинами «Неизвестная в розовом платье» и «В.Е. Новосильцова». Левицкий создал картины «Кокоринов», «М.А. Дьякова». Боровиковскому принадлежит известное полотно «М.И. Лопухина». Наряду с портретной успешно развивается историческая живопись. Ее представляет А.П. Лосенко. написавший картины «Владимир и Рогнеда», «Прощание Гектора с Андромахой». Художник работал также в жанре портрета.

В XVIII в. в России рождается и успешно развивается современная скульптура. Здесь также ведущее место занимает портрет. Наиболее значительные достижения связаны с творчеством Ф.И. Шубина, работавшего в духе классицизма. Он создал портреты-бюсты

A.M. Голицына, M.P. Паниной, М.В.Ломоносова. В стиле барокко творил Б. Растрелли. Лучшим его произведением является «Императрица Анна Ивановна с арапчонком». В жанре монументальной скульптуры самым известным творением является «Медный всадник», созданный Э. Фальконе.

В XVIII в. заметные изменения происходят и в музыке, хотя и не такие глубокие, как в других видах искусства. Создается новый национальный инструмент - балалайка (1715). С середины столетия получает распространение гитара. Продолжает успешно развиваться церковно-певческая. хоровая музыка. В то же время возникают новые жанры. В частности, появляется военная музыка, исполняемая духовыми оркестрами. Возникает камерно-инструментальная, оперная и симфоническая музыка. Многие аристократы заводят домашние оркестры. Особого выделения заслуживает творчество Д.С. Бортнянского, создававшего прекрасные хоровые произведения, а также оперы «Сокол», «Сын-соперник».

В XVIII в. рождается первый профессиональный русский театр. Его создателем стал великий актер Ф.Г. Волков.

Глубокие изменения затронули не только рассмотренные области культуры, но и весь уклад повседневной жизни. Здесь одно из главных изменений было связано с введением нового летоисчисления и календаря. По указу Петра вместо прежнего счета годам от «Сотворения мира» впредь предписывалось исчислять года от Рождества Христова. т.е. с 1 января 1700 г., как это было принято в европейских странах. Правда. Европа пользовалась григорианским календарем, а в России вводился юлианский. По петровскому указу устанавливалась и новая традиция - торжественно встречать «Новый год и столетний век», украшая ворота домов сосновыми, еловыми и можжевеловыми ветками, устраивая стрельбу, игры и потехи.

По другому указу Петра вводилась новая форма общения людей — ассамблеи. На них собирались представители высших слоев общества для отдыха и веселого проведения времени в танцах, непринужденных беседах, за игрой в шахматы и шашки. В повседневную жизнь придворной знати входит также традиция двуязычия. При Петре и Анне распространяется немецкий язык, а начиная с Елизаветы — французский. Влияние французской культуры проявлялось и в том. что дамы дворянского общества начинают музицировать на клавесине.

Существенные изменения происходят в одежде. Старинные русские длинные одеяния уступают место немецким кафтанам, коротким и узким европейским одеждам. У мужчин высших слоев общества исчезают бороды. Среди придворной знати утверждаются европейские правила этикета и светские манеры поведения. Правила хорошего тона среди детей дворян пропагандирует популярная в те времена книга «Юности честное зерцало, или Показание к житейскому обхождению».

Культурные преобразования и нововведения XVIII в. касались преимущественно привилегированных сословий русского общества. Низшие сословия они почти не затрагивали. Они вели к разрушению прежнего органического единства русской культуры. К тому же эти процессы проходили не без издержек и крайностей, когда некоторые представители высших кругов общества начисто забывали русский язык и культуру, русские традиции и обычаи. Тем не менее объективно они были необходимы и неизбежны. Культурные преобразования способствовали общему развитию России. Без современной светской культуры Россия не смогла бы претендовать на достойное место среди передовых стран.

22. Западноевропейская художественная культура XIX века: романтизм.
Архитектура

В архитектуре XIX в. романтизм, как уже отмечалось, не создал собственной школы, однако в индустриальных странах, особенно в Англии, начинает быстро развиваться промышленная архитектура. Построенные в 30-40-е гг. вокзалы, мосты фабрики подчас предвосхищали решения, характерные для конца XIX в. Быстрый рост городов привел к необходимости перепланировки старых кварталов и строительства новых проспектов и транспортных артерий. Так, в 1853 г. началась перепланировка Парижа, неузнаваемо изменившая его облик.

Искусствоведы считают, что в английском зодчестве утвердился романтизм, создав внушительный и импозантный неоготический стиль. Причем, в стиле готики в Англии строились и церкви, и жилые дома, и общественные здания.

В середине XIX в. архитекторами Ч. Бэрри и О. Пьюджином был сооружен грандиозный ансамбль лондонского Парламента, в который была включена средневековая капелла Генриха VII. Это эффектное и величественное сооружение на берегу Темзы стало органической частью английской столицы.

В 1861 г. в Лондоне было построено еще одно романтическое здание - Хрустальный Дворец (главный павильон на Всемирной выставке). Выстроенное из железа и стекла оно стало предвозвестником архитектуры XX столетия. В то же время ажурная конструкция дворца напоминала готику, которую так любили в Англии. Автор проекта Хрустального дворца - садовник Дж. Пакстон, использовавший опыт строительства теплиц. Этот Хрустальный дворец вызывал восхищение у архитектора-новатора XX в. Корбюзье, но в 1936 г. дворец сгорел.
Изобразительное искусство

Романтические тенденции заявили о себе и в живописи. Начало романтизма во французской живописи связано с творчеством Теодора Жерико (1791-1824). Одна из главных его работ - полотно «Плот «Медузы», на котором изображены люди, потерпевшие кораблекрушение и затерянные среди океана. Эта картина - манифест романтизма в живописи. Жерико уже был свободен от классицистического влияния и деления сюжетов и жанров на возвышенные и низменные. Поэтому художник нашел героическое и значительное в реальной жизни. И в новом искусстве он воплотил исключительную напряженность действия, которая ломала уравновешенность композиции, делала неровным рисунок. Художник находит для ее выражения стремительный ритм, интенсивность контрастов светотени. Этому способствует насыщенная живописность цвета.

В конце жизни Жерико сделал замечательные портреты душевнобольных людей, с реалистической силой отразившие боль за человека. Кроме того, он писал бытовые сцены, пейзажи («Дерби в Эпсоме»). Творчество Жерико оказало влияние на реалистов середины XIX в.

Замечательнейшее явление романтизма - живопись Эжена Делакруа (1798-1863), часто писавшего полотна на мотивы поэзии Байрона и создавшего ряд исторических композиций. Шедевр его творчества - картина «Свобода, ведущая народ», написанная в разгар революционных событий 1830 г. и воплотившая бунтарский пафос, характерный для романтизма. Делакруа отверг академические догмы, но не изменил тяге к античному искусству. В этой картине соединены черты современной парижанки с классической красотой и могучей силой Ники Самофракийской.

С 20-х гг. XIX в. Делакруа стал признанным лидером этого направления. Отстаивая неограниченную свободу творчества, романтики стремились к напряженно-выразительной, взволнованной передаче натуры. Страстный темперамент, неуемная фантазия выражены художником в произведениях, воссоздающих образы истории. Востока, классической и современной ему литературы. Это «Алжирские женщины» и лучшая из его исторических работ - «Взятие крестоносцами Константинополя».

Мечтой о свободе пронизана картина «Резня на Хиосе», в которой изображен эпизод борьбы греческого народа против турецкого ига.

Делакруа считается создателем исторической живописи Нового времени.

Романтики сделали более массовым и демократичным искусство графики, создав новые гибкие формы в литографии и книжной гравюре на дереве.

С романтической школой связано и творчество крупнейшего графика-карикатуриста Оноре Домье (1808-1879) О. Домье. Простите, сколько времени?. Его считают великим художником, творчество которого стоит на переломе от романтической эпохи к эпохе расцвета реализма в 40-70-е гг. XIX в. Благодаря введенной в искусство литографииСпособ печати, разработанный в 1798 г. Основан на принципе отделения жира от воды. Рисунок выполняется жирным мелком на абсорбирующей поверхности камня, которая затем смачивается. Мокрый камень отторгает жирную краску, нанесенную на его поверхность, и мел ее впитывает, так что рисунок можно печатать. получили широчайшее распространение такие его работы, как «Законодательное чрево», «Улица Транснопен», «Печатник, ставший на защиту свободы печати».

Полны глубокого сосредоточенного чувства его картины и акварели «Бурлак», «Суп», «Вагон III класса», посвященные суровой жизни простых людей, величию их жизненного пути («Тяжелая ноша»), чистоте их внутреннего мира («Прачка»). Народное возмущение - содержание картины «Восстание».

Домье-живописец владел монументальной цельностью и остротой восприятия, стремительной силой экспрессии и лирической нежностью.
23. Художественная культура России ХIХ века. Своеобразие русского романтизма.
Своеобразие русского романтизма. Но более или менее отчетливо собственно романтическое направление в русской литературе восторжествовало лишь в 1820—1830-е годы. В первое десятилетие XIX века преобладающее положение в русской поэзии и прозе занимает сентиментализм, ведущий успешную борьбу с отживающим свой век классицизмом и расчищающий путь романтическому движению. Однако исследователи давно обратили внимание, что определять литературный процесс начала XIX века как историю борьбы сентиментализма (или предромантиз-ма) с классицизмом можно лишь с большими натяжками, что специфика этого периода не может быть охарактеризована по аналогии с тем или другим общеевропейским художественным направлением. Ясно пока лишь одно: Батюшков и Жуковский, Вяземский и юный Пушкин — все считали себя карамзинистами. Дело в том, что перед русской литературой начала XIX века стояла задача, решенная во многих странах Западной Европы еще в эпоху Возрождения или классицизма, — задача создания зрелого и завершенного литературного языка.Генетическая связь романтизма с социально-критическими тенденциями русского классицизма, соотношение романтизма и сентиментализма.

Эмоциональная насыщенность русского романтизма, экзотические элементы, специфика трактовки идей и образов романтизма.Об этой форсированности уже говорилось выше в связи с предысторией русского романтизма - необычайно тесное переплетение предромантических и сентиментальных тенденций с тенденциями классицизма. Переоценка разума, гипертрофия чувствительности, культ природы и естественного человека, элегический меланхолизм и эпикуреизм сочетались с моментами систематизма и рациональности, особенно проявлявшимися в сфере поэтики. Упорядочивались стили и жанры, шла борьба с излишней метафоричностью и витиеватостью речи ради ее “гармонической точности”. Убыстренность развития наложила свою печать и на более зрелую стадию русского романтизма. Важную роль сыграла баллада. Резче всего же контуры русского романтизма определились с возникновением жанра романтической поэмы.
24. Западноевропейская художественная культура XIX века: критический реализм.

Критический реализм выдвинул задачу правдивого, объективного и глубокого отображения действительности. Такая позиция не означала простого копирования того, что есть. Творческий метод реализма предполагает всесторонний анализ, глубокое проникновение в суть явлений и фактов, типизацию и отбор, оценку событий. Поэтому представители реализма стремились к максимальной объективности, конкретно-историческому отражению действительности. Избегая копирования реального, преодолевая эмпирическую данность, в отличие от натурализма, реалисты находили наиболее существенные проявления бытия, подвергая факты духовному осмыслению, жесткому отбору, изображая жизнь в формах самой жизни. Они заговорили четким, ясным, твердым языком, который пришел на смену зыбким, художественным метафорическим реалиям.

 Представители этого направления привнесли в художественную культуру более трезвый, жесткий, аналитический взгляд на сущность человека, пытаясь развенчать малейшие иллюзии, мечтательность, приукрашивание, идеализацию тех или иных проявлений его внутреннего и внешнего мира, которые были свойственны романтизму и сентиментализму. Реализм тяготел к образу гармоничной личности, заброшенной в этот суровый, неистовый мир, действующей в конкретных обстоятельствах, подвергающейся испытаниям, остро переживающей коллизии своей жизни. Она пыталась сопротивляться, отстаивая свою нравственную чистоту, и либо погибала, либо побеждала в борьбе с силами зла. Этот реальный человек интересен своей многоплановостью, непредсказуемостью. На передний план выдвигается социальный роман, причем, как отмечал О. Бальзак, французская литература создала тип общественного человека в многочисленных его проявлениях (Стендаль, Ги де Мопассан, Г. Флобер и другие французские представители это­го направления). Английский социальный роман представлен такими видными мастерами как Ч. Диккенс, Д. Голсуорси, У. Теккерей, Т. Гард и др.

В поисках новых выразительных средств реалисты шли на самые смелые эксперименты. Барбизонская школа художников (Т. Руссо, Ж. Дюпре, Н. В. Диаз, Ш. Ф. Добиньи) открыла новые принципы пейзажной живописи, были найдены новые возможности передачи света и воздуха. В музыке и оперном театре также происходили стилистические изменения: драматургия музыкального действа и характеристика героев приблизились к реальной жизни, в профессиональную музыку включилась народная песенная мелодия, широко использовались современные бытовые жанры. Черты реализма нашли яркое выражение в музыкальных произведениях Дж. Верди, Ш. Ф. Гуно, Ж. Бизе и др.

25. Художественная культура России ХIХ века: критический реализм.

Этап критического реализма в русском изобразительном ис­кусстве открывает П. А. Федотов (1815-1852), по духу своего творчества близкий к Гоголю. Тонким психологизмом отличаются его портреты (портрет Н. Жданович за фортепиано и другие), но сам художник рассматривал их как подготовительную работу к будущим сложным композициям. Его славу составили работы: «Свежий кавалер», «Разборчивая невеста», «Сватовство майора», «Завтрак аристократа», «Вдовушка», «Анкор, еще анкор». Звание академика принесла художнику картина «Сватовство майора», ссы­лаясь на которую Т. Г. Шевченко писал, что для современного искусства «нужна ловкая, верная, а главное - не карикатурная (кисть), скорей драматический сарказм, чем насмешка».

Больших успехов в первой половине XIX века достигла гра­фика, разнообразная по техническим средствам и жанрам. Ее рас­цвет связан с ростом книгоиздательского дела. Традиции русской гравюры продолжал Н. И. Уткин (1780-1863). Наиболее извест­ные его работы - галерея портретов писателей: Державина, Кры­лова, Пушкина. Выдающимися графиками были А. Г. Ухтомский (1770-1852), С. Ф. Галактионов (1778-1854), А. О. Орловский (1777 - 1832) и другие.

Новым этапом явилось русское искусство второй половины XIX века, развивавшееся иод знаком эстетической теории Н. Г. Чер­нышевского (1828-1889). Основное положение его эстетики - «прекрасное есть жизнь» - выдвигало требование правды в искус­стве, обращения к реальной! действительности, к жизни народа, со­здания произведений, возникающих под влиянием идей сильных и живых, которые удовлетворяют настоятельным потребностям эпохи.

Великим историческим живописцем России был В. И. Суриков (1848-1916). Народ - глав­ный герой его картины «Утро стрелецкой каз­ни». С поистине шекспировской силой показана трагедия бывшего всемогущего вельможи в по­лотне «Меншиков в Березове». Образ сильной духом героини создал Суриков в картине «Боярыня Морозова». Оп автор ба­тальных полотен («Переход Суворова через Альпы») и других композиций. Эпическому настроению его картин соответствует бо­гатый и сложный колорит.

С народным творчеством, историей народа свя- щщню?.<- - зал свои произведения В. М. Васнецов (1848- 1926): «После побоища Игоря Святославича с половцами», навеянное «Словом о полку Игоре­ве»; «Аленушка», «Богатыри», «Баян» и другие. Значительные достижения русского искусства в батальной живописи проявились в творчестве В. В. Верещагина (1842-1904) «Апофеоз вой­ны», «На Шипке все спокойно» и другие).

Любовь к родине, родной природе воодушев­ляла творчество мастеров русского пейзажа: А. К. Саврасова (1830-1897; «Грачи прилетели»), Ф. А. Васильева (1850-1873; «Мокрый луг», «В Крымских горах»), И. И. Шишкина (1832- 1898; «Среди долины ровныя», «Утро в сосновом лесу», «Кора­бельная роща» и другие); А. И. Куинджи (1842-1910; «Ночь па Днепре»), И. И. Левитана («Над вечным покоем», «Вечерний звон», «Березовая роща», «Владимирка» и другие).

Реалистическое направление в русской скульптуре воплощал М. М. Антокольский (1843-1902), обратившийся к темам русской истории: Иван Грозный, Петр I, Нестор-летописец, Ермак.

26. Западная Европа и ее художественная культура в конце XIX – нач. XX века: импрессионизм.

Творчество Эдуарда Мане (1832-1883) предваряло новое направление в живописи – импрессионизм, но сам художник не примкнул к этому движению, хотя несколько изменил под воздействием импрессионистов свою творческую манеру. Мане декларировал свою программу: «Жить своим временем и изображать то, что видишь перед собой, открывая подлинную красоту и поэзию в повседневном течении жизни». При этом в большинстве работ Мане отсутствовало действие, даже минимальная сюжетная завязка. Постоянным мотивом творчества Мане становится Париж: городская толпа, кафе и театры, улицы столицы.
Эдуард Мане "Бар в Фоли-Бержер". Музыка в Тюильри"

Многие достижения импрессионизма связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1841-1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья». Он действительно создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов. В течение всей жизни Ренуар писал пейзажи, но его призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где с поразительной живостью воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников под открытым небом. Все эти картины, написанные на пленэре, отличает звучность цвета. Картина «Мулен де ла Галетт» (народный бал в саду монмартского танцевального зала) - шедевр ренуаровского импрессионизма. В ней угадывается живой ритм танца, мелькание юных лиц. В композиции нет резких движений, и ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен. Интересна пространственная организация картины: первый план дан сверху, сидящие фигуры не заслоняют танцующих. На многочисленных портретах преобладают дети и молодые девушки, в этих портретах раскрылось его мастерство: «Мальчик с кошкой», «Девушка с веером»

Западная Европа и ее художественная культура в конце XIX – нач. XX века: модерн.

Архитектура.
Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых материалов (металл, бетон, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно эстетичных и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы — лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861—1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — всё проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл испанский архитектор Антонио Гауди. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

ЖИВОПИСЬ
На живопись и скульптуру модерна сильное влияние оказал символизм, который стремился переходить от традиционных форм XIX века к новейшим европейским течениям, носившим порою условную принадлежность к той или иной стране.

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала «Понт-авенская школа» с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Густав Климт, Фернан Кнопф, Михаил Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Леон Бакст , Эдвард Мунк) и тонких подчёркнутых нюансов (Михаил Врубель, Александр Бенуа). Всё это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Климта. Художники модерна творили во всех странах Европы и Америки: Австрии, Великобритании, Германии, Италии, Голландии, России, США и др. (См. также список художников эпохи модерна.)

Густав Климт. "Поцелуй". 1907—1908 годы. Леон Бакст. "Ужин". 1902. Фернан Кнопф. "Искусство, или нежность сфинкса". 1896

СКУЛЬПТУРА
Основные черты скульптуры стиля модерн — это возвращение к «природным» линиям. Характерны текучесть и динамизм форм, «внутренняя энергия». Скульптура модерна декоративна, ее предназначение украшать пространство, подчинять его единому ритму. Среди скульпторов модерна особо выделяют двух французских мастеров: Огюста Родена и Аристида Майоля.

Среди десятка работ Родена самая известная — «Мыслитель». В своих работах он прославляет великую силу любви, её красоту и бессмертие. Другие его известные работы: «Первый поцелуй», «Вечная весна», «Поэт и муза».

Каталонец Аристид Майоль занялся скульптурой будучи уже хорошо известным мастером живописи. Экспериментируя с обнаженной женской натурой, он пытался создать образы естественной красоты, подчеркивал природную гармонию женского тела, чувственность и эмоциональность. Его работы — «Помона», «Ночью, Река», «Три нимфы» — находятся в лучших музеях мира, а всё его творчество по праву относится к шедеврам европейского пластического искусства.

Необычное видение мира и трактовка человека характерны для творчества чешского модерниста Франтишика Билека. Для его работ характерны полный реализм и достоверность изображения. Персонажи его работ — Моисея, Гуса — отличает новизна и нестандартная трактовка.

Другими блестящими образцами модерна в скульптуре являются работы Наума Аронсона — портреты Комиссаржевской, Толстого, Пастера. Он единственный из художников создал скульптурный портрет, который теперь хранится в одном из музеев Израиля. Его работы украшают многие музеи и галереи мира.

---

Дата добавления: 2021-01-21; просмотров: 138; Мы поможем в написании вашей работы!

Поделиться с друзьями:

---

---

Мы поможем в написании ваших работ!