Формирование жанра оперы в городах Италии (XVII – первая половина XVIII веков). Певческие голоса.

Жанр стал быстро развиваться, в первую очередь как придворная музыка. Многочисленные итальянские правители покровительствовали опере, и такая забота объяснялась не только любовью к прекрасному — процветание искусств считалось обязательным атрибутом могущества и богатства. В крупных городах Италии — Риме, Флоренции, Венеции, Неаполе — сложились свои оперные школы.

Крупнейшим представителем венецианской оперной школы является младший современник Монтеверди, композитор Франческо Кавалли (1602—1676). С 1617 года — певчий, а затем органист и капельмейстер в соборе Сан-Марко в Венеции. Ему принадлежат оперы «Дидона» (1641), «Ясон» (1649), «Орион» (1653). Среди других представителей венецианской оперной школы отметим таких композиторов, как Антонио Чести (1623—1669), автора свыше 100 опер, среди которых особенно выделялась пышностью постановки опера «Золотое яблоко» (1667) в духе итальянского барокко, и Джованни Легрен-ци (1626—1690), известного своими операми «Этеокл и Полиник» (1675) и «Тотила» (1677).

Многие итальянские оперные композиторы успешно работали за пределами Италии.

В середине XVIII века в Неаполе возник новый жанр — опера-буффа (комическая опера). Родоначальником оперы-буффа по праву считается представитель неаполитанской оперной школы, рано умерший композитор Джованни Баттиста Перго-лези (1710—1736). Его опера «Служанка-госпожа» (1733) — первый классический образец оперы-буффа.

Певческие голоса и их характеристики

Понятие о певческом голосе и характеризующих его качествах: диапазон, сила, тембр, вибрато. Классификация певческих голосов и ее исторические предпосылки. Три группы певческих голосов: детские, женские и мужские. Характеристика их исполнительских возможностей. Принципы определения типа и характера певческого голоса. Профессиональные и непрофессиональные вокальные голоса. Примеры выдающихся оперных певцов и исполняемых ими партий.

Терминология по теме:

Диапазон – объем голоса или партии по высоте.

Тембр– звуковая окраска, характерная для каждого голоса (или инструмента)

Вибрато – периодические изменения звука по высоте, силе, тембру. Звук с вибрато отличается теплотой, эмоциональным насыщением.

Дискант – высокий детский голос (мальчика), а также исполняемая им партия в хоре или вокальном ансамбле.

Альт – детский голос; партия в хоре или вокальном ансамбле.

Сопрано – высокий женский голос, диапазон до1 – до3.

Меццо-сопрано – женский голос, средний по высоте между сопрано и контральто, диапазон ля – ля2.

Контральто – самый низкий женский голос, диапазон фа – фа2.

Тенор – высокий мужской голос, диапазон до – до2.

Баритон – мужской голос среднего регистра, диапазон Соль – ля-бемоль1.

Бас – самый низкий мужской голос, диапазон Фа – фа1.

Колоратура – 1) украшение вокальной партии технически трудными пассажами, руладами, трелями; 2) способность, свойство голоса воспроизводить такого рода технические пассажи.

 

5.Музыкальные инструменты. Типы оркестров: камерный, симфонический, эстрадный , джазовый, народный.

Оркестр – многочисленный коллектив музыкальных инструментов, исполняющий произведения, специально предназначенные для данного состава.

В зависимости от состава оркестры имеют различные, выразительные, тембровые и динамические возможности и носят разные наименования:

симфонический оркестр (большой и малый),

камерный, оркестр народных инструментов,

духовой,

эстрадный,

джазовый.

В современном симфоническом оркестре инструменты делятся на следующие группы:

I. Струнно-смычковые: скрипки, альты, виолончели, контрабасы.

II. Духовые деревянные: флейты, гобои, кларнеты, фаготы.

III. Медно-духовые: валторны, трубы, тромбоны, тубы.

IV. Ударные:

а) шумовые: кастаньеты, трещотки, маракасы, бич, тамтам, барабаны (большой и малый). Их партии записываются на одной нотной линейке – “нитке”.

б) с определённой высотой звучания: литавры, тарелки, треугольник, колокольчик, ксилофон, виброфон, челеста.

V. Клавишные: фортепиано, орган, клавесин, клавикорд.

VI. Добавочная группа: арфа.

Полное звучание оркестра называется “tutti” – (“все”).

Дирижёр – (от французского – “управлять, руководить”) осуществляет руководство коллективом музыкантов – исполнителей, ему принадлежит художественная трактовка произведения.

На пульте перед дирижёром лежит – партитура (полная нотная запись всех партий оркестровых инструментов).

Партии инструментов каждой группы записываются одна под другой, начиная с самого высокого звучания инструментов и заканчивая самым низким.

Переложение оркестровой музыки для исполнителя на фортепиано называется клавиром.

Характеристика групп симфонического оркестра

I. Cтрунно-смычковые

Cтрунно-смычковые инструменты

Это инструменты, сходные по виду и окраске звука (тембру). Кроме того, звук у них извлекается смычком. Отсюда и название. Самый виртуозный и выразительный инструмент этой группы – скрипка. По звучанию она напоминает голос певца. Она отличается нежным, поющим тембром. Скрипке обычно поручают главную мелодию произведения. В оркестре есть I и II скрипки. Они играют разные партии.

Альт по виду напоминает скрипку, но по размеру он не много больше и имеет более приглушённый, матовый звук/

Виолончель можно назвать “большой скрипкой”. Этот инструмент не на плече, как скрипку или альт, а опирают на подставку, касающуюся пола. Звук виолончели низкий, но вместе с тем мягкий, бархатный, благородный.

Самый большой инструмент этой группы – контрабас. Играют на нём сидя, потому что он выше роста человека. Этот инструмент в качестве солирующего применяется редко. Звук его самый низкий, гудящий в этой группе.

Струнно-смычковая группа в оркестре является ведущей в оркестре. Она обладает огромными тембровыми и техническими возможностями.

II. Деревянные духовые

Деревянные духовые инструменты

Для изготовления деревянных инструментов используется дерево. Духовыми они называются потому, что звук у них получается путём вдувания воздуха в инструмент.

Флейта (с итальянского означает – “ветер, дуновение”). Звук флейты – прозрачный, звонкий, холодный.

Певучим, насыщенным, тёплым, но несколько гнусавым звуком обладает гобой.

Разнообразным тембром обладает кларнет. Это качество позволяет ему исполнять драматические, лирические, скерцозные картины

Басовую партию исполняет фагот – инструмент с густым чуть хрипловатым, тембром.

Самый низкий фагот имеет название контрафагот.

Группа духовых деревянных инструментов широко применяется для зарисовки картин природы, лирических эпизодов.

III. Медные духовые

Медные духовые инструменты

Для изготовления медно-духовых инструментов используются медные металлы (медь, латунь и др.).

Мощно и торжественно, блестяще и ярко в оркестре звучит вся группа медно-духовых инструментов.

Звонким “голосом” обладает труба. Громкий звук трубы слышен даже тогда, когда играет весь оркестр. Часто труба имеет солирующую партию.

Валторна (“лесной рог”) может звучать в пасторальной музыке.

В момент наивысшего напряжения в музыкальном произведении, особенно драматического характера, наряду с трубами, играют тромбоны.

Самый низкий медно-духовой инструмент в оркестре – туба. Она часто звучит в сочетании с другими инструментами.

Задача ударных инструментов – усилить звучность оркестра, сделать её более красочной, показать выразительность и разнообразие ритма.

IV. Ударные инструменты

Ударные инструменты

Это большая, пёстрая и разнохарактерная группа, которую объединяет общий способ извлечения звука – удар. То есть по своей природе они не являются мелодическими. Их главное назначение – подчёркивать ритм, усиливать общую звучность оркестра и дополнять, украшать её различными эффектами. Постоянным участником оркестра являются только литавры. Начиная с XIX века ударная группа стала быстро пополнятся. Большой и малый барабаны, тарелки и треугольники, а затем и бубен, тамтам, колокольчики и колокола, ксилофон и челеста, виброфон. Но эти инструменты употреблялись лишь эпизодически.

V. Клавишные инструменты

Клавишные инструменты

Характерным признаком ряда инструментов является наличие белых и чёрных клавиш, которые называются в совокупности клавиатурой или у органа – мануалом.

Основные клавишные инструменты: орган (родственники – портатив, позитив), клавикорд (родственные – спинет в Италии и вёрджинел в Англии), клавесин, фортепиано (разновидности – рояль и пианино).

По источнику звука клавишные инструменты делятся на две группы. К первой группе относятся инструменты со струнами, ко второму принадлежат инструменты органного типа. Вместо струн они имеют трубы разнообразной формы.

Фортепиано – это инструмент, в котором с помощью молоточков извлекались как громкие (форте), так и тихие (пиано) звуки. Отсюда и название инструмента.

Тембр клавесина – серебристый, звук – негромкий, одинаковой силы.

Орган – самый большой музыкальный инструмент. Играют на нем, как и на фортепиано, нажимая клавиши. Всю переднюю часть органа украшали в старину тонкой художественной резьбой. Позади его – тысячи труб различной формы, и каждая имеет свой особый тембр. Следовательно, орган издаёт и самые высокие, и самые низкие звуки, которые только способно уловить человеческое ухо.

VI. Частым участником в симфоническом оркестре является струнно-щипковый инструмент – арфа, представляющий собой позолоченную раму с натянутыми струнами. Арфа обладает нежным, прозрачным тембром. Звучание её создаёт волшебный колорит.

Тембровые характеристики инструментов

Скрипка         Нежный, светлый, яркий, певучий, ясный, тёплый

Альт Матовый, мягкий

Виолончель Насыщенный, густой

Контрабас    Глуховатый, суровый, мрачный, густой

Флейта           Свистящий, холодный

Гобой Носовой, гнусавый

Кларнет         Матовый, носовой

Фагот Сдавленный, густой

Труба Блестящий, яркий, светлый, металлический

Валторна      Округлый, мягкий

Тромбон       Металлический, резкий, мощный

Туба Суровый, густой, тяжёлый

Виды оркестров

Оркестр русских народных инструментов

Состав такого оркестра включает основные группы:

Струнные щипковые:

домры, балалайки, гусли

Духовые:

свирель, жалейка, рожки владимирские

Пневматические язычковые:

баяны, гармоники

Ударные инструменты:

бубны и барабаны

Дополнительные инструменты:

флейта, гобой и их разновидности

Оркестр белорусских народных инструментов

Примерный состав:

Струнные инструменты:

гусли, скрипка, басетля

Духовые инструменты:

Свирель, жалейка, дуда, дудка, рог

Ударные инструменты:

бубны и цимбалы

Баян – (или многотембровый, готововыборный баян) это язычковый, пневматический (“воздушный”) клавишный инструмент. Своё название он получил по имени дрене – русского легендарного певца – сказителя Баяна. Этот инструмент имеет с двух сторон кнопки, на которых с правой стоны исполнитель играет мелодию, а с левой – сопровождение, аккомпанемент.

В современном концертном исполнительстве наибольшее распространение получили баяны. Имеющие в левой клавиатуре специальные переключатели тембровых регистров, дающие возможность изменять тембр инструмента, изменять окраску звука.

Есть также электронные баяны, у которых неограниченная мощь звучания и очень большое количество тембровых красок.

Балалайка – родственница лютни, мандолины, гитары. Музыкальный символ русского народа. Это струнный щипковый инструмент. У неё деревянный треугольный корпус и длинный гриф, на который натягивают струны. Звук извлекается ударом указательного пальца по всем струнам сразу или щипком. Существует несколько видов балалаек: пикколо, прима, секунда, альт, бас и контрабас.

Гармоника (гармонь, гармошка) – духовой музыкальный инструмент, получивший распространение во многих странах.

Она снабжена мехами и кнопочной клавиатурой. Характерная особенность инструмента: возможность изменения высоты звучания за счёт смены напряжения движения мехов.

Другой разновидностью гармоники является аккордеон. С одной стороны аккордеона находятся клавиши, как у фортепиано, на них играют мелодию, с другой – несколько рядов кнопок для сопровождения. При нажимании нескольких из них звучит целый аккорд. Отсюда и название аккордеон.

Домра – немного похожа на балалайку, только корпус у неё овальный, грушевидный, и струны настроены по квартам.

Цимбалы – струнный ударный инструмент, представляет собой низкий ящик в форме трапеции или деревянную раму , над которой натянуты струны. Играют на инструменте при помощи палочек или молоточков. Нежное звучание цимбал по тембру напоминает звучание гуслей.

Гитара – один из немногих музыкальных инструментов, на котором звук подготавливается и извлекается пальцами.

Гусли – старинный русский струнно-щипковый инструмент.

Духовой оркестр

Духовой оркестр – это коллектив музыкантов, играющий на различных духовых и ударных инструментах.

По своему составу инструменты современного духового оркестра делятся на малый медный оркестр, малый смешанный, средний смешанный и большой смешанный.

Основу малого медного оркестра составляют: корнеты, альты, тенора, баритоны, басы.

С присоединением к этой группе духовых деревянных (флейт, гобоев, кларнетов, саксофонов, фаготов), а также, труб, валторн, тромбонов и ударных инструментов, образуется малый смешанный, средний, большой смешанный составы.

Эстрадный оркестр

В состав этого оркестра входят традиционные группы инструментов симфонического оркестра – духовые деревянные – валторны и струнные (скрипка, альт, виолончели).

Джазовый оркестр (джаз-бенд)

В состав данного оркестра входят трубы, кларнеты, тромбоны и “ритм – секция” (банджо, гитара, контрабас, ударные и фортепиано).

 

Венская классическая школа и её представители И.Гайдн, В.Моцарт, Л.Бетховен. Состав симфонического оркестра. Инструментальная музыка: симфония, соната, классический концерт, квартет.

Композиторы Венской классической школы

Когда сегодня говорят о классицизме в музыкальном искусстве, в большинстве случаев имеют в виду творчество композиторов XVIII в. — Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена, которых мы называем венскими классиками или представителями Венской классической школы. Это новое на­правление в музыке стало одним из самых плодотворных в истории музыкальной культуры.

Национальная австрийская музыкальная культура того вре­мени оказалась замечательной средой для создания такого пласта в музыкальном искусстве, который отвечал новым идеям и настроениям. Венские композиторы-классики сумели не только подытожить всё лучшее, чего достигла европейская музыка, но и воплотить в музыке эстетические идеалы эпохи Просвещения, сделать собственные творческие открытия. Наивысшим достижением музыкальной культуры этого времени стало формирование классических музыкальных жанров и принципов симфонизма в произведениях Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена.

Классический симфонизм Гайдна

В историю мировой музыкальной культуры Йозеф Гайдн (1732—1809) вошёл как создатель классической симфонии. Ему также принадлежит заслуга в создании инструментальной музыки и формировании устойчивого состава симфонического оркестра.

Творческое наследие Гайдна поистине ошеломляюще! Он является автором 104 симфоний, 83 струнных квартетов, 52 клавирных сонат, 24 опер... Кроме того, им создано 14 месс и несколько ораторий. Во всём, что написано известным австрийским композитором, чувствуется непревзойдённый талант и блестящее мастерство. Не случайно его не менее знаменитый соотечественник и друг Моцарт с восхищением говорил:

«Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн».

Творчество Гайдна уже при жизни композитора приобрело европейскую известность и по достоинству было оценено современниками. Музыка Гайдна — это «музыка радости и досуга», она полна оптимизма и действенной энергии, светла и естественна, лирична и изысканна. Композиторская фантазия Гайдна, казалось, не знала границ. Его музыка богата контрастами, па­узами и неожиданными сюрпризами. Так, в 94-й симфонии (1791), в середине второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются мощные удары литавр только для того, чтобы зритель «не скучал»...

Симфонии Гайдна — подлинная вершина его творчества. Не сразу складывалась музыкальная форма симфонии. Первоначально количество её частей варьировалось, и лишь Гайдну уда­лось создать её классический тип в четырёх частях, каждая из которых различалась характером звучащей музыки, темпом и приёмами развития темы. При этом четыре контрастные части симфонии взаимно дополняли друг друга.

Первая часть симфонии (греч. symphonia — созвучие) обычно исполнялась в быстром, стремительном темпе. Она активна и драматична, обычно в ней передан основной конфликт двух образов тем. В обобщённой форме в ней передавалась атмосфера жизни главного героя. Вторая — медленная, лиричная, навеянная созерцанием прекрасных картин природы — проникала во внутренний мир героя. Она способна вызвать в душе размышления, сладостные мечты и грёзы воспоминаний. В третьей, рас­сказывающей о часах досуга и отдыха героя, его общении с людьми, звучала живая, подвижная музыка, первоначально восходившая своими ритмами к менуэту — спокойному салонному танцу XVIII в., позднее — к скерцо — веселой танцевальной му­зыке шутливого характера. Быстрая четвёртая часть подводила своеобразный итог размышлений героя, выделяла главное в его понимании смысла жизни человека. По форме она напоминала рондо с чередованиями неизменной темы — рефрена (припева) и постоянно обновляемых эпизодов.

Общий характер музыки симфоний Гайдна образно и поэтично выразил немецкий писатель Э. Т. А. Гофман (1776—1822):

«В сочинениях Гайдна господствует выражение детски радостной души; его симфонии ведут нас в необозримые зелёные рощи, в весёлую пёструю толпу счастливых людей, перед нами проносятся в хоровых плясках юноши и девушки; смеющиеся дети прячутся за деревьями, за розовыми кустами, шутливо перебрасываясь цветами. Жизнь, полная любви, полная блаженств и вечной юности, как до грехопадения; ни страданий, ни скорби — одно только сладостно элегическое стремление к любимому образу, который носится вдали, в розовом мерцании вечера, не приближаясь и не исчезая, и пока он находится там, ночь не наступает, ибо он сам — вечерняя заря, горящая над горою и над рощею».

В симфонической музыке Гайдн нередко использовал приём звукоподражания: пения птиц, журчания ручья, давал зримые зарисовки восхода солнца, «портретов» животных. Музыка композитора вбирала словацкие, чешские, хорватские, украинские, тирольские, венгерские, цыганские мелодии и ритмы. В музыке Гайдна нет ничего лишнего и случайного, она пленяет слушателей своей грациозностью, лёг­костью и изяществом.

В последние годы жизни Гайдн создал свои самые значительные музыкальные произведения. В двенадцати «Лондонских симфониях», написанных в 1790-е гг. под впечатлением от поездок в Лондон, нашли выражение жизненная философия и мировоззрение композитора. Под влиянием музыки Генделя он создал две величественные оратории — «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801), приумножившие и без того шумную славу композитора.

Последние годы жизни Гайдн провёл в уединении, в маленьком домике на окраине Вены. Он почти ничего не писал. Чаще предавался воспоминаниям о своей жизни, полной смелых начинаний и экспериментаторских поисков.

Музыкальный мир Моцарта

Путь Вольфганга Амадея Моцарта (1756—1791) в музыке начинался ярко и блистательно. С самых ранних лет жизни его имя стало легендой. В четыре года ему требовалось полчаса, что­бы разучить менуэт и тут же сыграть его. В шесть лет он вместе с отцом Леопольдом Моцартом, талантливым музыкантом капеллы архиепископа города Зальцбурга, гастролировал с концертами по Европе. В одиннадцать — сочинил первую оперу, а в четырнадцать — дирижировал на премьере собственной оперы в театре Милана. В том же году он получил почётное звание академика музыки Болоньи.

Однако дальнейшая жизнь талантливого композитора сложилась непросто. Положение придворного музыканта мало чем отличалось от положения услужливого лакея, выполнявшего любые прихоти своего хозяина. Не таков был характер Моцарта, человека независимого и решительного, больше всего в жизни ценившего честь и достоинство. Пройдя многие жизненные испытания, он ни в чём не изменил своим взглядам и убеждениям.

В историю музыкальной культуры Моцарт вошёл как блистательный сочинитель симфонической му­зыки, создатель жанра классиче­ского концерта, автор «Реквиема» и двадцати опер, среди которых двадцати опер, среди которых особую известность получили «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».

В оперном искусстве Моцарт прокладывал собственную дорогу, отличную от своих знаменитых предшественников и современников. Редко используя мифологические сюжеты, он главным образом обращался к литературным источникам: средневековым легендам и пьесам известных драматургов. Моцарт впервые соединил в опере драматическое и комическое начала. В его оперных произведениях не было чёткого деления персонажей на положительные и отрицательные; герои то и дело попа­дали в самые различные жизненные ситуации, в которых и проявлялась суть их характеров.

Моцарт придавал первостепенное значение музыке, а не вы­двигал на первый план роль звучащего слова. Его творческим принципом стали собственные слова о том, что «поэзия должна быть послушной дочерью музыки». В операх Моцарта возросла роль оркестра, с помощью которого автор мог выразить своё отношение к действующим лицам. Нередко он проявлял сочувствие к отрицательным героям, а над положительными не прочь был от души посмеяться.

«Свадьба Фигаро» (1786) была поставлена по пьесе французского драматурга Бомарше (1732—1799) «Безумный день, или Женитьба Фигаро». Моцарт сильно рисковал, выбирая для постановки запрещённую цензурой пьесу. В результате появилась весёлая опера в стиле итальянской комической оперы-буфф. Энергичная, лёгкая музыка, звучащая в этом произведении, заставляла зрителей серьёзно задуматься над жизнью. Один из первых биографов композитора очень точно подметил:

«Моцарт сплавил воедино комическое и лирическое, низкое и возвышенное, смешное и трогательное и создал невиданное по своей новизне творение — “Свадьбу Фигаро”».

Цирюльник Фигаро, человек без рода и племени, хитростью и умом побеждает сиятельного графа Альмавиву, который не прочь приударить за невестой простолюдина. Но Фигаро хорошо усвоил нравы высшего света, а потому его не провести утончёнными жестами и словесной паутиной. За свое счастье он борется до конца.

В опере «Дон Жуан» (1787) трагическое и комическое, фантастическое и реальное переплетены не менее прочно. Сам Моцарт дал ей подзаголовок «Весёлая драма». Следует подчеркнуть, что тема донжуанства была не нова в музыке, но в её раскрытии Моцарт нашёл особые подходы. Если раньше в центре внимания композиторов были дерзкие похождения и любовные авантюры Дон Жуана, то теперь перед зрителями представал обаятельный человек, преисполненный рыцарской отваги, благородства и мужества. С большим сочувствием Моцарт отнёсся и к раскрытию душевных переживаний оскорблённых Дон Жуаном женщин, ставших жертвами его любовных интриг. Серьёзные и величественные арии Командора сменялись весёлыми и озорными мелодиями хитроумного Лепорелло, слуги Дон Жуана.

«Музыка оперы полна движения, блеска, необычайно динамична и ажурна. В этом произведении царствует мелодия — гибкая, выразительная, пленительная в своей свежести и красоте. Партитура изобилует чудесными, виртуозно разработанными ансамблями, великолепными ариями, дающими певцам широчайшие возможности выявить все богатства голосов, продемонстрировать высокую вокальную технику» (Б. Кремнев).

Опера-сказка «Волшебная флейта» (1791) — любимое произведение Моцарта, его «лебединая песня» — стала своеобразным эпилогом жизни великого композитора (была поставлена в Вене за два месяца до его смерти). В лёгкой и увлекательной форме Моцарт воплотил в ней тему неизбежной победы светлого и разумно­го начала жизни над силами разрушения и зла. Волшебник Заратро и его верные помощники, преодолев множество жестоких испытаний, всё же создают мир Мудрости, Природы и Разума. Чёрная месть, злоба и коварство Царицы Ночи оказываются бес­сильными перед всепобеждающими чарами любви.

Опера имела потрясающий успех. В ней звучали мелодии сказочных игр, волшебных опер, народных ярмарочных балаганов и кукольных спектаклей.

В симфонической музыке Моцарт достиг не меньших высот. Особой популярностью пользуются три последние симфонии Моцарта: ми-бемоль мажор (1788), соль минор (1789) и до мажор, или «Юпитер» (1789). В них прозвучала лирическая исповедь композитора, его философское осмысление пройденного жизненного пути.

Моцарту принадлежит заслуга в создании жан­ра классического концерта для различных музыкальных инструментов. Среди них 27 концертов для фортепиано с оркестром, 7 — для скрипки с оркестром, 19 сонат для фортепиано, сочинения в жанре фантазий, в основе которых лежала свободная импровизация. С ранних лет, играя почти ежедневно, он выработал виртуозную манеру исполнения. Всякий раз он предлагал слушателям новые сочинения, поражая их творческой фантазией и неистощимой силой вдохновения. Одно из лучших сочинений Моцарта в этом жанре — «Концерт для фортепиано с оркестром ре минор» (1786).

Творчество Моцарта представлено также вы­дающимися сочинениями духовной музыки: мессами, кантатами, ораториями. Вершиной его духовной музыки стал «Реквием» (1791) — грандиозное произведение для хора, солистов и симфонического оркестра. Музыка реквиема глубоко трагична, полна сдержанной и благородной скорби. Лейтмотив произведения — судьба страдающего человека, предстающего перед лицом сурового Божьего суда. С потрясающей драматической силой он раскрывает во втором хоре «Dies irae» («День гнева») картины смерти и разрушения, контрастирующие со скорбной мольбой и трогательными жалобами. Лирической кульминацией «Реквиема» стала «Lacrimosa» («Лакримоза» — «Слёзный день этот»), музыка, проникнутая трепетным волнением и просветлённой печалью. Необычайная красота этой мелодии сделала её широко известной и популярной во все времена.

Смертельно больной Моцарт не успел закончить это произведение. По наброскам композитора оно было доработано одним из его учеников.

«Музыка, высекающая огонь из людских сердец». Людвиг ван Бетховен

Весной 1787 г. в двери маленького бедного дома на окраине Вены, где жил знаменитый Моцарт, постучался подросток, одетый в костюм придворного музыканта. Он скромно попросил великого маэстро послушать его импровизации на заданную тему. Моцарт, поглощённый работой над оперой «Дон Жуан», дал гостю две строчки полифонического изложения. Мальчик не растерялся и отлично справился с заданием, поразив прославленного композитора своими необычайными способностями. Присутствующим здесь же друзьям Моцарт сказал: «Обратите внимание на этого юношу, придёт время, о нём заговорит весь мир». Эти слова оказались пророческими. Музыку великого немецкого композитора Людвига ван Бетховена (1770—1827) сегодня действительно знает весь мир.

Путь Бетховена в музыке — это путь от классицизма к новому стилю, романтизму, путь смелого эксперимента и творческих поисков. Музыкальное наследие Бетховена огромно и удивительно разнообразно: 9 симфоний, 32 сонаты для фортепиано, 10 — для скрипки, ряд увертюр, в том числе к драме И. В. Гёте «Эгмонт», 16 струнных квартетов, 5 концертов для фортепиано с оркестром, «Торжественная месса», кантаты, опера «Фиделио», романсы, обработки на­родных песен (их около 160, в том числе и русских) и др.

Недосягаемых вершин достиг Бетховен в симфонической музыке, раздвинув рамки сонатно-симфони­ческой формы. Гимном стойкости человеческого духа, утверждению победы света и разума стала Третья «Героическая» симфония (1802— 1804). Это грандиозное творение, превышающее известные до того времени симфонии своими масшта­бами, количеством тем и эпизодов, отражает бурную эпоху Француз­ской революции. Первоначально Бетховен хотел посвятить это про­изведение своему кумиру Наполеону Бонапарту. Но когда «гене­рал революции» провозгласил себя императором, стало очевидно, что им движет жажда власти и славы. Бетховен вычеркнул посвящение с титульного листа, написав одно слово — «Героическая» Симфония состоит из четырёх частей. В первой звучит быстрая музыка, передающая дух героической борьбы, стремление к победе. Во второй, медленной части, звучит траурный марш, полный возвышенной скорби. Впервые менуэт третьей части заменён стремительным скерцо, призывающим к жизни, свету и радости. Финальная, четвёртая часть насыщена драматическими и лирическими вариациями. Публика приняла «Героическую» симфонию Бетховена более чем сдержанно: произведение показалось слишком длинным и трудным для восприятия.

Шестая «Пасторальная» симфония (1808) была написана под впечатлением народных песен и весёлых плясовых наигрышей. Она имела подзаголовок «Воспоминание о сельской жизни». Солирующие виолончели воссоздавали картину журчания ручья, в ней слышались голоса птиц: соловья, перепела, кукушки, притопывание танцующих под весёлую деревенскую песенку. Но внезапный раскат грома нарушает народное гулянье. Картины бури и разразившейся грозы поражают воображение слушателей.

«Гроза, буря... Прислушайтесь к порывам ветра, несущего дождь, к глухим раскатам басов, к пронзительному свисту малых флейт... Ураган приближается, растет... Тогда вступают тромбоны, гром литавр усиливается вдвое, это уже не дождь, не ветер, а ужасное наводнение» (Г. Л. Берлиоз). Картины ненастья сменялись светлой и радостной мелодией пастушеского рожка и свирели.

Вершиной симфонического творчества Бетховена является «Девятая симфония» (1822—1824). Образы житейских бурь, горестных утрат, мирные картины природы и сельской жизни стали своеобразным прологом к необычному финалу, написанному на текст оды немецкого поэта И. Ф. Шиллера (1759—1805).

Впервые в симфонической музыке звучание оркестра и звучание хора слились воедино, провозглашая гимн добру, истине и красоте, призывая к братству всех людей на земле.

Сонаты Бетховена также вошли в сокровищницу мировой музыкальной культуры. Лучшие из них — скрипичная «Крейцерова» (№ 9), фортепианные «Лунная» (№ 14), «Аврора» (№ 21), «Аппассионата» (№ 23).

«Лунная» соната (название было дано уже после смерти композитора) посвящена Джульетте Гвиччарди, неразделённая любовь к которой оставила глубокий след в душе Бетховена. Лирическая, мечтательная музыка, передающая настроение глубокой печали, а затем наслаждение красотой мира, сменяется в финале бурным драматическим порывом чувств.

Не менее известна «Аппассионата» (итал. appassionato— страстно), посвящённая одному из близких друзей композитора. По своим масштабам она максимально приближена к симфонии, но включает не четыре, а три части, составляющие единое целое. Музыку этой сонаты пронизывает дух страстной, беззаветной борьбы, могущество стихийных сил природы, воля человека, укрощающего и усмиряющего природную стихию.

Соната «Аврора», имеющая подзаголовок «Соната солнечно­го восхода», дышит радостью и солнечной энергией. Её первая часть передаёт впечатление оживлённого и шумного дня, которому приходит на смену тихая ночь. Вторая рисует картину разгорающейся зари нового утра.

В последние годы жизни Бетховен сочинял сравнительно мало и медленно. Полная глухота, постигшая его в середине творческого пути, не позволяла ему выйти из состояния глубокой депрессии. И всё-таки то, что написано в это время, было также отмечено чудесным взлётом его таланта.

· Сона́та (итал. sonare — звучать) — жанр инструментальной музыки, а также музыкальная форма, называемая сонатной формой. Сочиняется для камерного состава инструментов и фортепиано. Как правило, соло или дуэта. Ряд инструментальных пьес, написанных для многих оркестровых составов, принято называть не сонатой, а большим концертом (итал. concerto grosso). Также словом «соната» может называться собрание пьес в одно целое, потому что некоторые из этих пьес написаны в сонатной форме.

Название «соната» произошло от итальянского глагола «sonare», что переводится как «звучать». Соната состоит из трех частей. Классическая (самая общая) схема сонаты такова: первая часть обычно быстрая, написанная в форме сонатного аллегро, то есть с определенным типом развития музыкального материала и соотношения тем; вторая, наоборот, выдержана в медленном темпе; ей на смену приходит заключительная часть (конец), которой присущ быстрый темп. Однако встречается много исключений из этого правила: например, из десяти сонат Скрябина ни одна не является трехчастной.

· Симфо́ния (др.-греч. συμφωνία — «созвучие, стройное звучание, стройность») — музыкальное произведение для оркестра. Как правило, симфонии пишутся для большого оркестра смешанного состава (симфонического), но существуют и симфонии для струнного, камерного, духового и других оркестров; в симфонию могут вводиться хор и сольные вокальные голоса. Известны и такие разновидности жанра, как симфония-концерт (для оркестра с солирующим инструментом) и концертная симфония (от двух до девяти солирующих инструментов), родственные по своему строению концерту. По аналогии могут принимать название «симфония», вместе с элементами жанровой структуры, произведения для хора (хоровая симфония) или инструмента (особенно органа, реже — фортепиано). Симфония может сближаться с другими музыкальными жанрами, образуя такие гибридные жанры, как симфония-сюита, симфония-фантазия, симфония-поэма, симфония-кантата[1].

Классическая симфония (созданная композиторами венской классической школы) состоит, как правило, из четырёх частей, написанных в сонатной циклической форме; в XIX—XX веках широкое распространение получили композиции как с бо́льшим, так и с меньшим количеством частей[1].

В академической музыке симфония занимает то же место, какое в литературе принадлежит драме или роману[1]. Она дала название новому, неизвестному прежде составу оркестра и самой значительной области инструментальной музыки — широкому спектру её форм и жанров, объединяемых понятием «симфоническая музыка»[2].

От сюиты соната отличается тесной взаимосвязью частей, которые, однако, построены по принципу контраста (конфликтности), как и музыкальный материал сонатного аллегро.

· Конце́рт (нем. Konzert от итал. concerto — гармония, согласие и от лат. concertare — состязаться) — музыкальное произведение, чаще всего для одного или нескольких солирующих инструментов с оркестром. Существуют также концерты для одного инструмента — без оркестра, концерты для оркестра — без строго определённых сольных партий, концерты для голоса (или голосов) с оркестром и концерты для хора а cappella[1].

· Кварте́т — музыкальный ансамбль из 4 музыкантов, вокалистов или инструменталистов. По составу исполнителей различают вокальный, инструментальный и вокально-инструментальный ансамбли.

---

Дата добавления: 2018-11-24; просмотров: 520; Мы поможем в написании вашей работы!

Поделиться с друзьями:

---

---

Мы поможем в написании ваших работ!