Найбільш визначні твори Леонардо да Вінчі

«Мадонна в гроті» (Париж, Лувр) – перший цілком зрілий твір Леонардо – утверджує торжество нового мистецтва.

Зроблена погодженість усіх частин, що створює міцно спаяне єдине ціле. Це ціле, тобто сукупність чотирьох фігур, обрису яких чудово зм'якшені світлотінню, утворить струнку піраміду, плавно і м'яко, у повній волі виростаючу перед нами. Поглядами і розташуванням усі фігури об'єднані нерозривно, і це об'єднання виконане чарівної гармонії, тому що навіть погляд ангела, звернений не до інших фігур, а до глядача, як би підсилює єдиний музичний акорд композиції. Погляд цей і посмішка, що ледве опромінює обличчя ангела, виконані глибокого і загадкового змісту.

Світло і тіні створюють у картині деякий неповторний настрій. Наш погляд несеться в її глибини, у вабливі просвіти серед темних скель, під покровом яких знайшли притулок фігури, створені Леонардо. І таємниця, леонардівська таємниця, протягає й у їхніх обличчях, і в синюватих ущелинах, і в півмороку навислих скель. А з якою добірністю, з якою проникливою майстерністю і з якою любов'ю розписані іриси, фіалки, анемони, папороті, усілякі трави.

«Хіба ти не бачиш, – повчав Леонардо художника, – як багато існує тварин, дерев, трав, квітів, яке розмаїтість гористих і рівних місцевостей, потоків, рік, міст...».

«Таємна вечеря» – найбільший утвір Леонардо й один з найбільших добутків живопису всіх часів – дійшла до нас у напівзруйнованому виді.

Цю композицію він писав на стіні трапезної міланського монастиря Санта Марія делле Граціє. Прагнучи до найбільшої барвистої виразності в стінописі, він зробив невдалі експерименти над фарбами і ґрунтом, що і викликало її швидке ушкодження. А потім довершили справа грубі реставрації і... солдати Бонапарта. Після захоплення Мілана французами в 1796 р. Трапезна була перетворена в стайню, випари кінського гною покрили живопис густою цвіллю, а солдати, що заходили в стайню, забавлялися, шпурляючи цеглинами в голови леонардівських фігур.

Доля виявилася жорстокою до багатьох творів великого майстра. А тим часом, скільки часу, скільки натхненного мистецтва і скільки полум'яної любові вклав Леонардо в створення цього шедевра.

Але, незважаючи на це, навіть у напівзруйнованому стані «Таємна вечеря» робить неперевершене враження.

На стіні, як би переборюючи її і несучи глядача у світ гармонії і величних бачень, розгортається древня євангельська драма обманутої довіри. І драма ця знаходить своє вирішення у загальному пориві, спрямованому до головної дійової особи – чоловіку зі скорботним обличчям, що приймає що здійснюється як неминуче.

Христос тільки що сказав своїм учням: «Один з вас зрадить мене». Зрадник сидить разом з іншими; старі майстри зображували Іуду сидячим окремо, але Леонардо виявив його похмуру відособленість куди більш переконливо, тінню огорнувши його риси.

Христос покірний своїй долі, виконаний свідомості жертовності свого подвигу. Його нахилена голова з опущеними очима, жест рук нескінченно прекрасні і величні. Чарівний пейзаж відкривається через вікно за його фігурою. Христос – центр усієї композиції, усього того виру пристрастей, що бушують навколо. Сум його і спокій як би споконвічні, закономірні – і в цьому глибокий зміст показаної драми.

Побачивши «Таємну вечерю» Леонардо, французький король Людовік XII так захопився нею, що тільки острах зіпсувати великий твір мистецтва перешкодила йому вирізувати частину стіни миланского монастиря, щоб доставити фреску у Францію.

Портрет, написаний Леонардо разом з досвідченим міланським художником Амброджо да Предісом, називається «Дама з горностаєм». Портрет чудово відбиває ті якості, якими ця жінка, спокушена Сфорца, коли їй було всього сімнадцять років, володіли: вираження її інтелігентного обличчя проникливі і зосереджене, пальці в неї довгі і чуттєві – такі бувають у музикантів.

Ще один портрет, написаний Леонардо в ранні роки перебування в Мілані, можливо, найменш значний із всіх і гірше всього документований, однак по іронії долі найкраще збережений. Це «Потрет музиканта». У портреті закінчене тільки обличчя; по типі воно близько обличчям ангелів Леонардо. Кілька років назад живопис був розчищений, і на клаптику папера в руці зображеної людини виявилося кілька нотних знаків. Дослідники Леонардо, що знають його схильність до загадок і секретів, поки безрезультатно намагалися прочитати це нотне послання.

Леонардо почав писати свій «Трактат про живопис» саме в Мілані, як свідчать джерела, на прохання Сфорца, що побажав довідатися, яке з мистецтв – чи скульптура живопис - більш шляхетно. Також Леонардо захопився вивченням анатомії людського тіла, а в останні роки перебування в Сфорца він віддавав значну частину свого часу математиці. Роки служіння в Сфорца закінчилися тим, що Лодовик був скинутий і доставлений у Францію як бранця. Після цього Леонардо ще якийсь час залишався в Мілане. Потім разом з Лукою Пачолі і Салаино - своїм учнем - Леонардо відправився у Флоренцію, по шляху загорнувши в Мантую і Венецію для огляду визначних пам'яток.

Першою великою художньою роботою Леонардо у Флоренції був розпис для залу Великої Ради в Палаццо Веккіо. Як сюжет Леонардо обрав битву під Ангиари, що закінчилася перемогою флорентійців над ломбардськими військами. Розпис він залишив незакінченої до моменту свого від'їзду в Мілан.

У 1480 році Леонардо згадується як має «casasua», тобто свою власну майстерню. Приблизно, приблизно в тому ж році виникла картина «Мадонна Літта», що зберігається в Державному Ермітажі. Ця картина написана темперою, тобто фарбами, розведеними на яєчному жовтку. До цієї техніки Леонардо прибігав лише у виді виключення, що пояснює трохи не звичайну для нього манеру листа - менш м'яку і більш деталізовану.

Приблизно в тому ж 1503 році була написана одна з найвідоміших картин Леонардо - «Мона Лиза». Мона Ліза не була, як багато хто вважають, ідеалом краси для Леонардо: його ідеал скоріше проглядається в ангелі з «Мадонною в скелях». Все ж таки Леонардо вважав Мону Лізу особливою людиною: вона зробила на нього настільки сильне враження, що він відмовився від інших вигідних пропозицій і протягом трьох років працював над її портретом. Портрет відбив своєрідний людський характер. Мона Ліза (скорочення від мадонна Ліза) була третьою дружиною флорентійського купця по імені Франческо ді Бартоломео делу Джокондо (звідси і вульгарна друга назва картини «Джоконда»).

На наступний рік він укладає з ченцями монастиря Сан Донато а Скопето договір на вівтарний образ «Поклоніння волхвів». Ця картина, як і більшість Леонардових речей, залишилася незакінченої.

У серпні 1507 року він приїжджає у Флоренцію, щоб врегулювати справи зі спадщиною, що залишилася йому після дядька, але незабаром знову повертається в Мілан, де залишається до 1513 року. Ці Міланские роки життя Леонардо мало досліджені. Відомо тільки, що він як і раніше цікавився науковими проблемами, приділяючи особливо багато часу проектуванню гідравлічних споруджень, геометрії, механіці, анатомії, геології, метеорології, космографії, математиці й астрономії.

Рафаель Санті народився 28 березня 1483 в містечку Урбіно, столиці невеликого герцогства.

Батько Рафаеля - Джованні Санті, придворний художник Урбінського герцога,мецената Гвідубальдо Монтефельтро, був першим вчителем свого сина. Восьми років Рафаель втратив матір, одинадцяти-батька, і турботи про нього взяла на себе дружина герцога Єлизавета Гонзага.

В1500 році Рафаель відправився в Перуджу і вступив до майстерні П'єтро Перуджіно, провідного майстра умбрійской живописної школи. Ліричне мистецтво Перуджіно справило значний вплив на весь ранній період творчості Рафаеля.

У 1504 році Рафаель приїхав у Флоренцію, де перед ним відкрилися широкі можливості долучитися до кращих образів флорентійського Ренесансу.

Вже була написана «Джоконда» Леонардо, а «Давид» Мікеланджело стояв на площі Синьйорії; над містом височів купол собору Санта Марія дель Фьоре,творіння Брунеллески, про який навіть суворий Мікеланджело говорив, що «Важко зробити так само добре. Не можна зробити краще ». Тут вперше з’являється щасливий дар Рафаеля - легко засвоювати кращі досягнення художньої культури, творчо переробивши отримані враження,збагачувати ними своє мистецтво.

Його приваблював реалізм майстрів флорентійського кватроченто, але він,творець нового стилю, відмовляється від дріб'язкової деталізації, за допомогою якої ці майстри прагнули досягти переконливості, і йде по лінії синтезу, по лінії типових узагальнень.

Картини флорентійського періоду в більшості своїй зображують мадонн.

Вони поетичні і підкуповують живий виразністю образів і кришталевої ясністю композиції.

Мадонна зображували багато майстрів Ренесансу, але ніхто з них не досяг тієї багатогранності, тих тонких відтінків в трактуванні образу жінки --матері, як Рафаель. Це стає очевидним при порівнянні двох шедеврів - «Мадонни Грандука» (1504-1505) і «Мадонни делла Седіа» (1514-1518. Обидві Галерея Пітті, Флоренція). У першому випадку юна Марія зображена зануреною у свій внутрішній світ, нескінченно далекий від навколишнього, і стримане прояв материнського почуття передає м'який жест її рук,бережно тримають немовляти. Поруч з нею «Мадонна делла Седіа» здається зовсім земної і, можливо, навіть кілька повсякденним. Але все обличчя її виконаний істинно людської гідності і спокійного благородства. У мадонни гарне обличчя італійської селянки, вона притискає до себе сина, прагнучи вберегти його від бід. Молода мати зображена не в традиційному вбранні мадонн, а в сукні, яке носили сучасниці художника, голову її покриває смугастий шарф.

В одному з листів графу Кастільйоне Рафаель розкрив сутність свого творчого методу: «Для того щоб написати прекрасну жінку, треба було б мені безліч прекрасних жінок,... але так як прекрасних жінок... мало, ТОВ беру в вожаті собі якусь ідею... ». Ідеальний тип персонажів його картин,висловлюючи синтез окремих реальних рис, спостереження в дійсності,відповідав гуманістичним уявленням епохи ( «якоїсь ідеї») про високу значимості людської особистості.

У 1508 році за сприяння свого земляка Браманте, провідного архітектора Риму, Рафаель з'являється при Ватиканському дворі і за замовленням папи Юлія II починає монументальний цикл розпису палацових залів (станц - ит.).

Рафаель Санті народився 28 березня 1483 в містечку Урбіно, столиці невеликого герцогства.

Картини флорентійського періоду в більшості своїй зображують мадонн.

Вони поетичні і підкуповують живий виразністю образів і кришталевої ясністю композиції.

В одному з листів графу Кастільйоне Рафаель розкрив сутність свого творчого методу: «Для того щоб написати прекрасну жінку, треба було б мені безліч прекрасних жінок,... але так як прекрасних жінок... мало, то я беру в вожаті собі якусь ідею... ». Ідеальний тип персонажів його картин,висловлюючи синтез окремих реальних рис, спостереження в дійсності,відповідав гуманістичним уявленням епохи ( «якоїсь ідеї») про високу значимості людської особистості.

У розписах станц Рафаель виступив як геніальний майстер композиції та чудовий монументаліст.

Станція Рафаеля - чотири невеликі склепінні кімнати з вікнами у двір. Перший зал - станція делла Інчендіо, за нею розташована станція делла Сіньятура, станц д'Еліодоро і станції Костянтина.

Свою роботу Рафаель почав з розписів станц делла Сіньятура. Тут він помістив що згодом стали всесвітньо відомими фрески «Диспут», «Парнас»і «Афінська школа» (1508-1512).

Основна ідея об'єднує цей монументальний цикл, - торжество розуму і краси - відповідало прагненням передових умов Італії епохи Відродження.

Першою була описана фреска «Диспут». На ній представлено уявний теологічний суперечка, учасниками якого є не тільки «батьки церкви»,а й мешканці небес. У цій композиції проявилося приголомшливе вміння Рафаеля передати саме туманне зміст живим і ясною мовою.

Фреска «Парнас» - алегорія царства поезії - зображає покровителя мистецтв, бога Аполлона, в оточенні муз. У світлому світі натхнення і краси, у колі муз перебувають Гомер та інші поети старовини - Піндар, Сафо, Вергілій, Горацій; тут-таки й великі італійці Данте, Петрарка, Боккаччо. «Парнас», як і деякі фрески, розташована над вікном;вклинюючись в площину, призначену для картини, воно створювало композиційні додаткові труднощі. Рафаель проявив винахідливість,помістивши вершину гори над вікном, а по його боках збігають вниз пологі схили.

Найбільш знаменита «Афінська школа». На тлі перспективи відкриваються вглиб величних аркад художник представив грецьких філософів різних шкіл і поколінь. У центрі - Платон і Арістотель; розмовляючи, вони наближаються до глядача. У запалі полеміки Платон, закликаючи в свідки вищу силу,вказує пальцем на небо, Арістотель ж, заперечуючи свого вчителя,жестом руки, опущеною долу, стверджує земне початок. Абстрактне поняття протиріччя ідей з граничною ясністю виражено в цих реальних образах. У фігурах філософів, що оточують Платона і Арістотеля, прийнято бачити конкретні особи: Сократ розмовляє з молодим воїном, на сходах сидить затоплений в задумі Геракліт, неподалік від нього при столі Діоген. Справа - Евклід, оточений учнями, схилившись, креслить геометричну фігуру,поруч - група астрономів. За ними, в темному берете - сам автор.

Чудова ренесансна архітектура, архітектура, на тлі якої в спокійно-величавій ритмі, вільно і природно розміщені фігури і групи, «розводячи» стіни насправді невеликого приміщення, створює враження надзвичайного простору.

Наступний зал-станції д'Еліодоро (1512 - 1514) прикрашають чотири фрески «Вигнання Еліодора», «Чудо в Больсене», «Звільнення апостола Петра з темниці »і« Зустріч Атілла ».

З них найбільш відома перша, так як у неї, хоча і в алегоричній формі, висловлена думка, що хвилювали тоді уми. Сюжетом послужила біблійна легенда: воїн Еліадор намагався заволодіти казною Єрусалимського храму, за що був повалений на землю і розтоптаний конем раптово з'явився небесного воїна. Композиція Рафаеля сприймалася сучасниками як заклик до звільнення Італії від іноземних загарбників.

Присутність на картині Юлія II (його вносять на кріслі до храму в той момент,коли небесна кара настигла Еліодора) - поборника вигнання ворога, та й об’єднання країни під владою пап-не залишала сумніву в тому, що мова йде не про далеке минуле, а про Італію XVI століття.

Тематично з «Вигнанням Еліодора» перегукується «Зустріч Атілла» --фреска, мабуть, виконана учнями великого майстра. Вони ж розписали дві інші станції і галерею, так звані Лоджії Рафаеля, за його проектами і під його керівництвом.

У той час, як Рафаель створював ясні, спокійні, гармонійні композиції станц, Мікеланджело працював над плафоном Сікстинської капели.

Вазарі розповідає, що якось під час відсутності Мікеланджело, Браманте,зберігав ключі від капели, дав можливість своєму другові подивитися незакінчені розпису, і Рафаель багато почерпнув тут для своїх робіт, «... Під впливом Мікеланджело, помітно поліпшивши свій стиль».

Рафаель любив і розумів античне мистецтво широко й різноманітно. Античність у язичницькому, чуттєво-радісному аспекті овіяні розпису вілли Фарнезіни (1514 - 1517), де серед інших фресок, частково виконаних учнями, є «Тріумф Галатеї» і поетичні композиції за мотивами історії Амура і Психеї, написані ним самим.

Мабуть, в період роботи над станцією була створена «Сікстинськамадонна »(Картинна галерея, Дрезден). Довгі роки вона служила вівтарним чином у церкві св. Сикста (звідси і назва картини) в невеликому італійському містечку П'яченці. Дивна її подальша доля. У 1754 році картина була куплена у ченців для Дрезденської картинної галереї за двадцять тисяч цехінів.

У роки другої світової війни за особливим наказом гітлерівського уряду художні цінності були вивезені і заховані в декількох схованках, абсолютно непридатних для зберігання живопису.

У травні 1945 року «Сікстинська мадонна», а з нею ряд шедеврів в результаті пошуків були виявлені радянськими солдатами в курній штольні занедбаних каменоломень неподалік від Дрездена. Вхід в тунель гітлерівці замурували, а навколо з метою маскування посіяли траву. Врятована від загибелі «Сікстинська мадонна» була вивезена до Москви, а 1956 повернута в Дрезден.

У цьому творі гранична ясність, величава простота художньої мови поєднуються з глибиною ідейного задуму. Раптово відкрив завісу - і очам глядача з'явилася мати з дитиною на руках.

Спокійний, «литий» силует мадонни чітко вимальовується на тлі світлого сяючого неба. Вона рухається легкої рішучою ходою, зустрічний вітер розвіває складки одягу, від чого її фігура видається ще більш відчутною.

Маленькі босі ноги впевнено ступають за пухнастим хмар, у білій масі яких потопають уклінні фігури Сикста і Варвари. Незграбний, в важкому вбранні, старий Сікст вказує рукою на землю, куди слід мадонна; світська витончена св. Варвара застигла в благоговійному мовчанні. Ці фігури несуть певну смислову і композиційну навантаження: підкреслюючи піднесений характер образу мадонни, вони врівноважують композицію.

Прекрасне обличчя молодої жінки висловлює великої внутрішньої сили. У ньому і любов до немовляти, і тривога за його долю, і непохитна твердість і усвідомлення величі що здійснюється подвигу - мати жертвує своїм єдиним сином в ім'я порятунку людей. Немовля широко відкритими очима дивиться нащо лежить перед ним світ.

Крамськой говорив, що «... мадонна Рафаеля дійсно - твір велике й справді?? вічне... сама мадонна є створення уяви народу ».

У творчості Рафаеля з найбільшою повнотою виразився стиль мистецтва Високого Відродження періоду найвищого розквіту. Він був визнаним главою римської художньої школи того часу, коли вона займала провідне становище в культурному житті Італії.

Працездатність майстра дорівнювала його генію. За його ескізами працювали архітектори та скульптори, сам він був автором низки архітектурних проектів, а після смерті Браманте з 1515 року керував будівництвом собору св. Петра. Він вів археологічні розкопки, зокрема, терм Тита, і з мотивами відкритих там стародавнього розпису створив чудовий декоративний ансамбль ватиканських лоджій. Він виконав 10 величезних картонів-малюнків, із ним у Брюсселі виткали килими, призначені для прикраси Сікстинської капели. Він піднімає питання про охорону архітектурних пам'яток римської старовини, які безжально руйнувалися, і стародавні камені використовувалися в’юк будівельний матеріал.

Рафаель залишив ряд портретів своїх сучасників, в них тонко помічені риси людини епохи Відродження. Такі портрети Аньоло Доні,кардинала Інгірамі, графа Кастільйоне, папи Льва X і ін..

Папа Лев X хотів нагородити художника кардинальської шапкою, кардинал Біббі плекав думка одружити його на своїй племінниці, але Рафаель з притаманною йому м'якістю, не відмовляючись прямо, всіляко це відтягував. Майже нічого не відомо про особисте життя художника. Вазарі стверджує, що «Рафаель відрізнявся влюбливість, доглядав за жінками і завжди готовий був їм служити... »; риси обличчя його напів міфічної коханої (в XVIII столітті їй дали ім’я Фарнаріни) вбачають і в «Мадонни делла Седіа», і в портреті «Донни Велати ».

Свою останню картину« Преображення »(Ватикан) Рафаель не встиг закінчити, вона була дописана його улюбленим учнем Джуліо Романо.

Він помер 6 квітня 1520 тридцяти семи років від роду в повному розквіті творчих сил.

Могила Рафаеля - в римському Пантеоні. Її прикрашає мармурова статуя мадонни, виконана його учнем скульптором Лоренцо Лоренцетто.

Епітафія латинською мовою, складена одним з друзів великого художника, говорить:

Тут покоїться той Рафаель, при житті якого велика природа боялася бути переможеною, а після його смерті вона боялася вмерти.

Творчість Мікеланджело його витвори мистецтва надихають і зачаровують багатьох людей. Творчість Мікеланджело коротко Мікеланджело в своєму мистецтві відбив всі ідеали епохи: від героїчного пафосу до кризового стану гуманістичного світорозуміння. Ще в ранніх творах визначилися основні риси та ідеї його творчості — пластична міць, драматизм образів, внутрішня напруженість, монументальність і схиляння перед людською красою. Творчість Мікеланджело Буонарроті можна розділити на 2 періоди — римський і флорентійський: Римський період У Римі Мікеланджело створив статую «Вакх», віддаючи данину античності. У той час панувала готична схема в скульптурній області. Але художнику вдалося внести в неї нові ідеї — переконливість і яскравість образів, гуманістичний глибокий зміст. Папа римський Юлій II 1505 року доручає йому проект власної гробниці. Він створив багато начерків, і вона була завершена аж в 1545 році. Спеціально для неї Буонаротті створив велику кількість скульптур. Особливу увагу заслуговує статуя «Мойсей», що виражає титанічну силу, могутню волю і темперамент. У циклі живопису римського періоду наокрему увагу заслуговує розпис Сікстинської Капели Мікеланджело 1508 — 1512 років. Це грандіозне творіння включає в себе сцени біблійної книги Буття, композиції фігур сивіли і пророків, зображення Христа і його предків. Його фрески повні чіткими і пластичними лініями, напруженої виразністю, барвистою гамою, вишуканими кольорами. Останні 30 років життя він провів в Римі. У 1536 — 1541 року Буонаротті займався створенням фрески «Страшний суд», яка зображує трагічну силу образів. Ідеї марноти людських зусиль, болісної безнадійності в пошуках істини знайшли своє відображення у фресках Паолінськой капели. Останні твори художника сповнені пластичності, внутрішнього динамізму, напруженості мас. До кінця життя він займався проектуванням ансамблю Капітолія. флорентійський період У Флоренції Буонаротті виконав грандіозну роботу — статую «Давид» (1501-1504 роки). У ній втілилися ідеї героїчного пориву і громадянської доблесті. Також він виконав розпис Палаццо Веккьо (1504 — 1506 роки), в якому висловив прагнення і готовність громадян Флоренції захищати республіку. У період 1516 — 1534 років художник працює над проектом фасадної частини церкви Сан-Лоренцо, архітектурним і скульптурним ансамблем усипальниці Медічі. Всі роботи Мікеланджело Буонарроті флорентійського періоду сповнені глибокого песимізму, тяжких роздумів, безцільного руху. Його статуї позбавлені портретних рис і зображують плинність часу. В цілому, творчість великого генія Мікеланджело є блискучим і заключним етапом в італійського Відродження. Він заклав основи для розвитку маньєризму і складання головних принципів бароко.

КультураНідерландів, Німеччини, Франції, Англії XV—XVI ст. — ПівнічнийРенесанс, який "запізнивсящодоіталійськогонапівтора —двастоліття. Дотогожкультурауцихкраїнахбуларелігійнішою, більшепов'язаноюзготикоюі, природно, щогеографічнаїхвіддаленістьвідантичногосвітуспричиниламеншийвпливВідродження. Однак у той час у північних країнах відбувалася складна соціально-політична боротьба, вони ставали центрами прогресивних рухів, виборювали свою незалежність, натомість італійські її втрачали. Кожна з північноєвропейських країн має "свій" Ренесанс, зумовлений національними та історичними особливостями. Видатні гуманісти Північного Відродження — Еразм Роттердамський, У. фон Гуттен, Т. Мор.

Найхарактернішими досягненнями нідерландського Відродження є книжкова мініатюра і живопис. Нідерландські майстри малювали світ так, наче вперше його бачили, — дуже ретельно і детально. Кожна билинка була для них предметом мистецтва. Нідерландське Відродження починається з "Гентського вівтаря" братів Г. та Я. ван Ейків, в якому багато справжнього релігійного почуття і схвильованості. Вони вдосконалили олійну техніку, що надало їх картинам особливої яскравості. Наступні за братами ван Ейками художники втратили їх багатофарбність і гармонійну ясність, але глибше розкрили людську душу. Останнім нідерландське мистецтво зобов'язане передусім Р. ван дер Вейдену, хоча його картини зберігають ще деякі риси середньовічного мистецтва: "позачасовість", виключність із середовища, золоте тло у вівтарних образах. Майстер виняткового таланту Г. ван дер Гус у грандіозному і монументальному за розмірами вівтарі Порті-нарі (за ім'ям замовника) передав сильне душевне потрясіння пастухів і ангелів у сцені поклоніння новонародженому Христу. Однак ця подія була художником перенесена в Нідерланди XV ст., тому люди за вікном, які йдуть у своїх справах, — його сучасники.

В умовах нідерландського життя другої половини XV — початку XVI ст., сповнених гострих конфліктів, народилося складне мистецтво І. Босха, в якому алегоризм йде поруч з дотепними народними образами, демонологія — з тонким відчуттям природи. Проте переважають гротеск, холодний аналіз людських вад, які художник вважає невиправними і невигойними ("Корабель дурнів", "Сад насолод", "Стіг сіна")- Нідерландське мистецтво XVI ст. уже повністю вийшло з тенет середньовіччя у творчості П. Брейгеля-старшого, якого прозивали Мужицьким. Саме з ним у живописі утвердився особливий пейзаж, що містив узагальнення і філософію ("Мисливці на снігу", "Сліпці'' та ін.).

Найвидатнішою постаттю німецького Відродження є Альбрехт Дюрер. За різнобічністю і масштабом обдарованості, за широтою інтересів (живописець, математик, анатом, перспективіст, інженер) він — типова ренесансна людина, водночас і людина свого часу, і патріот батьківщини. Його портрети — глибоко національні образи, сповнені не лише сили, а й сумнівів і тяжких роздумів, в них немає ясної гармонії Леонардо да Вінчі та Рафаеля Санті. Тема смерті — часта тема його графіки. Найбільш відомі його гравюри ("Вершник, смерть і диявол", "Св. Ієронім" та "Меланхолія") прийнято тлумачити як такі, що навіяні важкими настроями сучасного художнику світу Німеччини напередодні Реформації та селянських воєн. Ще один художник — Г. Гольбейн-молодший — писав реалістичні портрети, завжди з натури, іноді безжалісні у своїй правдивості (портрети бургомістра Майєра, Т. Мора, сера де Моретта, Генріха XVIII та ін.). Тонким і ліричним майстром був А. Альтдорфер та близький до нього за світовідчуттям друг М. Лютера Л. Кранах-старший.

Один з тих небагатьох письменників, якого за життя називали великим, мудрим і пророчим, був Ф. Рабле — автор роману "Гаргантюа та Пантагрюель". Це найяскравіша постать французького Відродження, як пише М.М. Бахтін, "основне завдання Рабле — зруйнувати офіційну картину доби та її подій, подивитися на них по-новому, висвітлити трагедію чи комедію доби з погляду народного хору на площі, який сміється... Рабле не вірить на слово своїй добі стосовно того, що вона говорить про себе і що вона уявляє про себе, — він хоче розкрити її справжній сенс". Увесь інший французький Ренесанс мав характер придворної культури, що відрізнявся від народного характеру раблезіанських образів, насичених типовою галльською дотепністю та життєрадісністю. Відомими художниками французького Ренесансу є Жан Фуке, автор портретів (Карла VIII) і релігійних композицій, а також численних мініатюр (Боккаччо "Життя відомих чоловіків і жінок"), та Жан Клуе. Перемога ренесансних мотивів у французькій пластиці пов'язана з ім'ям Жана Гужона, найвідоміший твір якого — рельєфи фонтана Німф у Парижі.

Для англійського Відродження характерним був бурхливий розвиток науки, особливо філософії. Ф. Бекон, Т. Гоббс стали ідеологами Нового часу. Наприкінці XVI ст. Англія справедливо вважалася першою країною у світі у галузі літератури, драматургії та театру завдяки Е. Спенсеру, Т. Еліоту, К. Марло, Б. Джонсону й особливо У. Шекспіру — геніальному драматургу, який відчув і передав основні духовні колізії Ренесансу. Уславлення сильної, відважної людини, яка відчуває, сміливо думає, повага до якої ґрунтується не на званні і вбранні, а на її розумі, хоробрості, благородстві душі, проймає всі ранні п'єси Шекспіра ("Приборкання норовливої", "Комедія помилок" та ін.). Відкриття цінності індивідуальності та її права на особисті вчинки (тобто подолання корпоративної етики середніх віків) виявляється у бунті Ромео та Джульєтти. Криза ренесансного гуманізму, що призводила до песимізму та меланхолії багатьох мислячих людей, передана "героєм того часу" — Гамлетом. У трагедії "Макбет" герой вважає, що для нього немає нічого неможливого (навіть злочину); у трагедії "Отелло" зображено різні полюси нещодавно визволеної людської енергії, яка метнулася у протилежні сторони: її світлий знак — "небо Ренесансу" — Дездемона; її похмура, ница "земля" — хитрий розрахунок, виправданість усіх засобів — Яго. Загалом Північне Відродження було ближчим до нової доби, важливим кроком якого стала Реформація.

Дата добавления: 2018-05-12; просмотров: 439; Мы поможем в написании вашей работы!

Поделиться с друзьями:

⇐ Предыдущая 12

Мы поможем в написании ваших работ!