Тест по теме: «Искусство итальянского Высокого Возрождения».
01.04.2020
Здравствуйте учащиеся группы № 505-СП.
Сегодня у нас тема урока: «Искусство итальянского Высокого Возрождения»
Задание:
1- изучить теоретический материал по теме;
2- составить краткий конспект в тетради;
3- выполнить тестовое задание в конспекте;
4- выполнить самостоятельную работу №4;
Задание предоставить на проверку 13.04.20(по выходу на занятия).
Конспект урока №14
Тема 2.3
Искусство эпохи Возрождения в Европе. Декоративно-прикладное искусство.
Тема урока: Искусство итальянского Высокого Возрождения.
СРС № 4
Подготовка докладов или презентаций с использованием конспекта, дополнительной учебной литературы, ресурсов интернет по теме: Европейское искусство эпохи Возрождения (Творчество Г. и Я. Ван Эйков, И. Босха, П. Брейгеля старшего, А. Дюрера, Г. Гольбейна; Микеланджело, Рафаэля, Леонардо да Винчи, Джорджоне, Тициана, Караваджо).
План.
1. Высшая, классическая фаза в развитии художественной культуры Возрождения.
2. Искусство главных представителей Высокого Возрождения.
2.1 Архитектор Браманте - основоположник архитектуры Высокого Возрождения.
2.2 Леонардо да Винчи - ученый-энциклопедист, художник, мыслитель. Новаторство в живописи, техника «сфуманто».
2.3 Рафаэль Санти. Умбрийский, флорентийский, римский периоды творчества.
2.4 Микеланджело Буонарроти - скульптор, живописец, архитектор, поэт. Живописные работы, портретное творчество, фрески Сикстинской капеллы.
|
|
|
2.5 Джорджоне - живописец венецианской школы, один из основоположников искусства Высокого Возрождения.
2.6 Тициан Вечеллио - глава Венецианской школы живописи. Разработка различных жанров и тем (лирических и драматических).
Высшая, классическая фаза в развитии художественной культуры Возрождения
Искусство Высокого Возрождения охватывает довольно краткий период — конец XV в. — первые три десятилетия XVI в. Только в Венеции этот период продолжался до середины столетия.
Главная особенность Возрождения – целостность и разносторонность в понимании человека, жизни и культуры. Резкое возрастание авторитета искусства не вело к его противопоставлению науке и ремеслу, а осознавалось как равноценность и равноправность различных форм человеческой деятельности. В эту эпоху высокого уровня достигли прикладные искусства и архитектура, соединившие художественное творчество с техническим конструированием и ремеслом. Особенность искусства Возрождения в том, что оно носит ярко выраженный демократический и реалистический характер, в центре его стоят человек и природа. Художники достигают широкого охвата действительности и умеют правдиво отобразить основные тенденции своего времени. Они ищут наиболее эффективные средства и способы для воспроизведения богатства и разнообразия форм проявления реального мира. Красота, гармония, изящество рассматриваются как свойства действительного мира.
|
|
|
Мастера Высокого Возрождения были универсальными личностями — учеными, инженерами, музыкантами, архитекторами, скульпторами, живописцами.
В это время новое мировоззрение воплотилось в творчестве художников, которых с полным правом называют гениями: Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне и Тициана.
Искусство главных представителей Высокого Возрождения.
Крупнейшим представителем архитектуры Высокого Возрождения стал Донато Браманте (1444—1514). Постройки Браманте отличаются монументальностью и величием, гармоничным совершенством пропорций, цельностью и ясностью композиционных и пространственных решений, свободным, творческим использованием классических форм. Наивысшим творческим достижением Браманте является реконструкция Ватикана (зодчий фактически создал новое сооружение, органически включив в него разрозненные старые строения). Браманте принадлежит также авторство проекта собора Св. Петра в Риме. Своим творчеством Браманте определил пути 
развития архитектуры XVI в.
|
|
|
Купол Браманте Рим. Ансамбль собора св. Петра в Ватикане
Дом Браманте, построенный, по-видимому, в 1509—1510 гг. и известный также, как дом Рафаэля (который прожил последние годы своей жизни и умер в этом доме), был снесен в XVII в. при возведении колоннады перед собором св. Петра. Гравюра Лафрери 1549 г.) и зарисовка Палладио (около 1544 г.) сохранили для нас только главный фасад дворца. Он позволяет угадать и некоторые черты композиции, отчасти объясняющие важное значение этого произведения, не только ставшего родоначальником нового типа фасада итальянского дворца, но и оказавшего широкое влияние на развитие богатого городского жилого дома.
Рим. «Дом Рафаэля», 1509—1510 гг., Браманте. Гравюра Лафрери 1549 г.
Леонардо да Винчи (1452—1519) родился в Анкиано, недалеко от селения Винчи. Он был сыном нотариуса Пьеро да Винчи, который имел практику во Флоренции. Там отец отдал мальчика в мастерскую А. Верроккьо, где Леонардо удалось познакомиться со всеми достижениями раннего Возрождения, попробовать себя в архитектуре, строительном деле, ювелирном искусстве, скульптуре и живописи. Он оказался в центре художественной жизни Флоренции. В ранний период творчества Леонардо да Винчи более известен как живописец, автор «Мадонны с цветком», «Поклонения волхвов», «Святого Иеронима».
|
|
|
«Мадонна с цветком» (называемая также по имени ее прежнего владельца «Мадонна Бенуа», 1478) отличается особой нежностью и поэтичностью. Совсем еще юная мать естественно и непринужденно протягивает ребенку цветок, четыре лепестка которого напоминают крест. Внешне простая композиция продумана до мельчайших подробностей. Неяркие краски поражают гармонией цветовых сочетаний.
Тонкие светотеневые переходы, благодаря которым изображение как бы оказывается окутано воздушной дымкой, составляют знаменитое леонардовское сфумато (Сфумато — смягчение очертаний предметов с помощью живописного воссоздания окружающей их световоздушной среды).
В 1482 г. Леонардо первый раз приезжает в Милан. При миланском дворе он разрабатывает монументальную фреску и алтарную картину, создает конный монумент Франческо Сфорца, названный современниками «великим колоссом», пишет «Мадонну в скалах» (1483— 1494), «Мадонну Литта» (середина 1480-х) и «Даму с горностаем» (1483), проектирует идеальный город — мечту архитекторов Возрождения, проводит научные изыскания, решает инженерные задачи.
«Мадонна с младенцем» получила свое второе название — «Мадонна Литта» по имени первого владельца — герцога Антонио Литта в Милане. Выразительна уравновешенная композиция: между двух симметрично расположенных окон выделяется изящный светлый силуэт женской полуфигуры, который хорошо заметен на фоне темной стены. Величественность облику Марии придает голубой горный пейзаж, изображенный в окнах. Образ Мадонны обобщен и идеализирован.
Молодая женщина, кормящая грудью ребенка, пребывает в умиротворенном спокойном состоянии. Лицо с тонкими чертами, полуопущенным взором и едва уловимой улыбкой написано с помощью сфумато. Идеально прекрасные образы Мадонны и младенца отличаются проникновенной человечностью.
Удивительно написаны кудрявые золотистые волосы младенца, его не по-детски серьезный взгляд устремлен на зрителя. Гармоничные цветовые сочетания голубого, золотистого, охристого и красного цветов создают яркий колорит картины.
В 90-х годах XV в. Леонардо да Винчи начал работу над своим главным произведением этого периода — фреской «Тайная вечеря» в монастыре Санта-Мария делле Грацие в Милане.
В центре композиции изображен Иисус Христос. Особую одухотворенность его лицу придает игра светотени. Художник очень точно рассчитал кульминационный момент драмы. В реакции на слова Христа: «Один из вас предаст меня» просматриваются судьба и характер всех апостолов. Пропорции, перспектива композиции «Тайной вечери» подчеркивают душевное состояние апостолов и Христа, в котором зритель постепенно замечает все новые и новые оттенки переживаний.
Во фреске при выразительности каждого действующего лица есть удивительная цельность и единство.
В начале XVI в. Леонардо создал портрет Моны Лизы {Джоконды), который стал величайшим творением художника. Он стремился воплотить на полотне идеал женщины. До сих пор точно неизвестно, кто был моделью для этого портрета — жена флорентийского банкира Франческо дель
Джокондо или другая женщина, однако за картиной закрепилось второе название — «Джоконда». Утопающий в дымке горный пейзаж, написанный в качестве фона, делает улыбку Моны Лизы, еле тронувшую уголки ее губ и глаз, еще более загадочной. Замечательны простота и естественность облика Моны Лизы. Поразителен ее внимательный взгляд. Кажется, что она все время смотрит на зрителя, даже если он перемещается перед картиной.
Портрет Джоконды словно светится изнутри благодаря многочисленным полупрозрачным слоям краски, накладываемым один поверх другого. Техника живописи столь совершенна, что мазки кисти абсолютно незаметны.
С этим портретом мастер не расставался до конца своих дней, постоянно совершенствуя его: он был очень дорог Леонардо. Можно предположить, что в Джоконде, как в зеркале, каждый человек, каждый век видит свое отражение. Поэтому XX век, например, дал широкий диапазон мнений о портрете, активно эксплуатировал этот образ при создании новых произведений искусства. В настоящее время картина хранится в Лувре.
В своих теоретических работах Леонардо да Винчи писал о том, что живопись должна была стать новым видом философии, инструментом познания, сочетающим в себе умозрительное исследование и визуальное наблюдение.
Леонардо изучал анатомию человека, особенно его мускульный аппарат, с точки зрения изобразительного искусства. Художник разработал теорию идеальных пропорций человеческого тела, соотнеся фигуру человека с квадратом и кругом.
Леонардо оставил огромную коллекцию рисунков. Немногие мастера могли сравниться с ним способностью создать трехмерный эффект графическими методами. На любом из его эскизов видно, как простое утолщение линии передает объем. Художник использовал все известные в его дни технические приемы графики и даже изобретал новые. Некоторые рисунки он делал остро заточенным красным мелом (сангиной), другие — серебряным карандашом на тонированной бумаге разных цветов. Любимым материалом художника были перо и чернила, которые позволяли ему от рисования переходить прямо к написанию комментариев. Все свои научные записи Леонардо сопровождал иллюстрациями.
По всей вероятности, Леонардо да Винчи было 62 года, когда он нарисовал свой автопортрет. Он предстает старцем с длинной бородой, уставшим от жизни, так как в конце своего творческого пути оказался без дома, без покровителя, почти всеми забытым.
Рафаэль Санти (1483— 1520) с наибольшей полнотой воплотил в своем творчестве представления о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма Возрождения.
Рафаэль родился в городе Урбино в семье придворного художника и поэта Джованни Санти, который и был его первым учителем. В 17 лег он отправился в Перуджу учиться у известного 
мастера Перуджино. Через четыре года Рафаэль уже был во Флоренции — центре художественных исканий Высокого Возрождения. Достижения мастеров предыдущих веков и великих современников проходят перед его глазами.
В это время Рафаэль создал серию прекрасных мадонн («Мадонна Конестабиле», «Мадонна с щегленком») и одно из лучших своих произведений — «Обручение Марии» (1504). Действие картины разворачивается в перспективе площади, ведущей к храму. На переднем плане показано, как священник совершает обручение Марии и Иосифа. Красноречива выразительность поз, движений, жестов. В картине нет второстепенных деталей. Праздничный колорит, подчеркивающий торжественность момента, возникает из сочетания красных, темно-зеленых, голубых и охристых цветов.
Наиболее важен римский период творчества Рафаэля, когда им были созданы росписи Ватиканского дворца. Рафаэль расписал станцы — помещения для официальных приемов и церемоний. Здесь видно, на какой титанический размах был способен художник.
Крупномасштабные композиции, населенные десятками фигур, покрывают все стены трех залов. В одном из них — четыре фрески, посвященные богословию, философии, поэзии и правосудию. Художник задумал отобразить идею синтеза христианской религии и античной культуры. Каждая фреска занимает целую стену. Достигнуто абсолютное согласие между архитектурным пространством и иллюзорным пространством росписей.
Лучшая из фресок — «Афинская школа». Под высокими сводами на ступенях широкой лестницы Рафаэль расположил непринужденные группы афинских мудрецов и поэтов, занятых беседой или погруженных в ученые занятия и размышления. В центре, на верху лестницы — Платон и Аристотель. Сохраняя мудрое достоинство и дружелюбие, они ведут извечный спор о том, что же первично — трансцендентное или материальное: старец Платон указывает перстом на небо, молодой Аристотель — на землю. В облике философов можно узнать черты современников художника. Например, в образе Платона предстает Леонардо да Винчи, сидящий на первом плане задумавшийся Демокрит напоминает Микеланджело, справа, рядом с группой астрономов, Рафаэль изобразил самого себя.
Большая алтарная композиция Рафаэля «Сикстинская Мадонна» в истории искусства считается эталоном красоты. Поразительна одухотворенность матери и ребенка. В лице младенца есть нечто недетское — прозорливое и глубокое, а во взгляде матери — младенческая чистота. Босые ноги и простая одежда подчеркивают человеческое в облике Святой Девы, тогда как парение в заоблачных сферах и взирающие на нее херувимы напоминают о ее роли матери Спасителя. 
Композицию уравновешивают коленопреклоненные святой Сикст и святая Варвара, снизу на них задумчиво взирают пухлые ангелочки.
Существует мнение, что если бы Рафаэль никогда ничего не написал, кроме этой картины, то он все равно был бы величайшим художником.
В отличие от своих прославленных современников Леонардо да Винчи и Микеланджело Рафаэль прожил недолгую жизнь и умер сравнительно молодым, но успел оставить значительный след в истории мирового искусства.
Величайший мастер Возрождения Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564) был титанической личностью. В своем творчестве он закрепил достижения Ренессанса и наметил пути маньеризму и стилям последующих веков — барокко и классицизму. Микеланджело прошел почти семидесятилетний творческий путь. Свои идеи Микеланджело реализовал почти во всех видах искусства: графике, живописи, скульптуре, архитектуре.
Одной из первых его работ была «Пъета» (1497—1498) — большая круглая скульптура скорбящей Богоматери с мертвым Христом на коленях, выполненная с совершенным мастерством.
Удивительно тонко проработаны черты лица и складки одежд. Микеланджело изваял эту скульптуру из мрамора изумительного молочного оттенка. «Пьета» — одна из немногих работ, помеченная инициалами художника, она находится в соборе Св. Петра в Ватикане.
Монументальность, пластичность и драматизм образов, воспевание красоты тела человека характерны для живописных произведений художника (роспись плафона Сикстинской капеллы в Ватикане, фреска «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы, статуи «Давид», «Моисей»).
Работая в Сикстинской капелле, Микеланджело совершил беспримерный подвиг: всю роспись потолка он выполнил один, отказавшись от помощников. Ему приходилось работать, стоя на лесах и запрокидывая голову так, что краска капала на лицо, — и так изо дня в день несколько лет.
В общей сложности несколько сотен фигур написано на площади в 600 квадратных метров: целый народ, целое поколение титанов, где есть и старики, и юноши, и женщины, и младенцы. В фигурах пророков, сивилл и юношей Микеланджело развернул своего рода энциклопедию пластики, неистощимое разнообразие поз и ракурсов.
Среди сюжетных росписей наибольшей славой пользуется «Сотворение Адама». Эта лаконичная композиция остается вечным символом созидания и одухотворения. Бог едва касается протянутых ему навстречу еще неподвижных пальцев Адама. Эти две руки, между которыми как бы пробегает искра жизни, оставляют неизгладимое впечатление.
Мы видим, как оживает тело Адама, как просыпаются дремлющие силы жизни.
Уже в старости Микеланджело было вновь суждено вернуться к росписям Сикстинской капеллы: на этот раз он написал на стене фреску «Страшный суд». Здесь ярче всего проявился гений художника. Вверху восседает Христос, непреклонный Судия. Он поднял правую руку, вынося приговор всем смертным. Рядом с ним изображена смиренная и безропотная Мадонна. Вместе с Христом в суде участвуют пророки, апостолы и мученики. Справа от Спасителя находятся избранные, слева — грешные. В небе собрались ангелы. Праведники возносятся на небо. Грешники проваливаются в ад. В центре несколько ангелов держат в руках приговор, на их трубный глас из разверзшихся могил встают умершие. «Страшный суд» потребовал шести лет работы: он был начат Микеланджело в 1535 г. и закончен в 1541 г.
Скульптура Микеланджело «Давид» — прекрасный герой, символизирующий свободу. Микеланджело создал статую этого библейского героя в виде юноши, обнаженного подобно античным статуям. Он стоит гордо, приподняв голову, твердо опираясь на правую ногу и слегка отставив левую. Давид изображен накануне боя. Расслабив мощные мышцы, он готов в следующее мгновение напрячь их, взмахнув пращой, зажатой в левой руке. Могучая голова с вьющимися волосами повернута влево, в сторону противника. На отважном лице брови сдвинуты, около носа и углов рта залегли складки. Широко раскрытые глаза зорко следят за противником. Непреклонная воля чувствуется в этом юноше, он властен и грозен.
Широко известно высказывание Микеланджело о том, что в каждом камне заключена статуя, нужно только убрать все лишнее и извлечь ее на свет. Именно так он работал над «Давидом». Еще до Микеланджело некий скульптор пытался высечь гиганта из огромной глыбы мрамора, но только испортил и продырявил ее. Измерив все заново и рассудив, над какой фигурой удобнее было бы работать, Микеланджело взялся за создание своего «Давида». Воистину нужно было обладать гениальностью Микеланджело, чтобы настолько точно почувствовать и рассчитать соотношение отдельных частей гигантской фигуры. В мраморной глыбе скульптор разглядел образ мужественного 
героя, вселяющего веру во всепобеждающую силу человека.
Микеланджело много лет работал над проектом гробницы папы Юлия II. Для нее скульптор исполнил «Моисея» и фигуры двух рабов, находящиеся ныне в Лувре в Париже. Эти статуи известны под названиями «Связанный раб» и «Умирающий раб». Они не вошли в окончательный вариант надгробия.
«Моисей» (1513—1516) — одна из самых прославленных статуй Микеланджело. Грандиозный по своим размерам (около 2,5 м в высоту) «Моисей» отполирован до полного блеска даже мельчайших деталей. Это старец атлетического сложения с длинной, спадающей ниже пояса бородой. Многочисленные драпировки окутывают его фигуру, оставляя обнаженными шею и руки с выступающими мускулами.
Под правой рукой у Моисея — две скрижали Завета, его обычный атрибут. Над лбом — маленькие рожки, обозначающие лучи. Так было принято изображать Моисея в эпоху Возрождения.
Хотя эта статуя помешена довольно глубоко в нише и, следовательно, рассчитана главным образом на рассматривание спереди, очевидно, что Микеланджело не только предусмотрел возможность некоей «дуги обхода», но и построил композицию так, что вид с той и другой стороны оказывается разным. При обходе слева Моисей кажется невозмутимым, а при взгляде справа — встревоженным и суровым.
Лицо этого мудрого и грозного старца выражает неукротимую страсть. По сравнению со «Связанным рабом» в «Моисее» образ борца значительно усложнился, стал глубже и полнее. Если в статуе Давида Микеланджело хотел показать мужество защитника родины, то в образ Моисея он вложил более сложную идею. Согласно библейскому мифу Моисей увидел, как его народ, которому он нес законы праведной жизни, отступился от Бога и стал поклоняться золотому тельцу. Поэтому он был вынужден бороться не только с внешним врагом, как Давид, но и с собственным народом ради его спасения.
Однако есть все основания думать, что библейские предания служили Микеланджело лишь поводом для создания статуи. Существует мнение, что в «Моисее» он художественно 
воплотил мечты о мудром, сильном, решительном и смелом герое — объединителе Италии.
«Связанный раб» — статуя юноши, старающегося разорвать путы на связанных сзади руках. Его мощное и прекрасное тело напряжено, его лицо отражает решимость и несломленную силу духа. Неслучайно современники называли эту статую «Восставшим рабом».
Скульптура «Умирающий раб» изображает молодого раба как бы засыпающего, а не умирающего. Неслучайно эта статуя имеет другое название — «Засыпающий раб». Его лицо с закрытыми глазами выражает не муку, а забытье, избавляющее от страданий. Сон и смерть равно несут освобождение юному рабу. «Умирающий раб» — одно из самых совершенных созданий великого скульптора.
Микеланджело посвятил своему «Умирающему рабу» такие строки:
Я словно б мертв, но миру в утешенье
Я тысячами душ живу в сердцах
Всех любящих, и, знай, что я не прах,
И смертное меня не тронет тленье.
У искусствоведов вызвала споры технология обработки мрамора, примененная Микеланджело при создании статуй рабов. Они не обработаны до зеркального блеска, как ранние вещи, а отличаются шершавой, неровной поверхностью. Одни искусствоведы считают, что скульптор не закончил рабов, а другие видят в этом новый подход к творчеству.
Для капеллы Медичи во Флоренции Микеланджело выполнил скульптуры, условно обозначающие герцогов Джулиано и Лоренцо. Он поместил их в высоких и неглубоких нишах в стене, оформленных, как фасад дворца. Они были закончены до малейших деталей и имели одинаковые размеры. Джулиано и Лоренцо скульптор изобразил в доспехах античных военачальников, так как они носили звание папских полководцев. Они сидят на триумфальных колесницах: Джулиано — с непокрытой головой и жезлом в руках, Лоренцо — в шлеме, со шкатулкой под локтем. Джулиано застыл в красивой и немного меланхолической позе, у него мужественный профиль, замечательно моделированные кисти рук, едва придерживающие жезл полководца, идеальный мускулистый торс, прикрытый тонким панцирем с декоративными украшениями.
Фигуру Лоренцо еще в XVI в. Назвали «Мыслителем». Действительно, Лоренцо сидит в позе глубоко задумавшегося человека, как Пророк Иеремия на плафоне Сикстинской капеллы: так же скрещены ноги, так же опущена на руку голова. При этом задумчивость Лоренцо производит совсем другое впечатление: глаза его раскрыты, но он словно ничего не видит перед собой. Это — поза человека, уставшего от мыслей, ничего не желающего, ни к чему не стремящегося. Статуя Лоренцо, несомненно, очень красива — у него правильные черты лица, изящная поза, богато декорированные шлем и панцирь.
Перед нишами со скульптурами стояли саркофаги на высоких подставках. Овальные линии их крышек, образованные из двух волют, были украшены аллегорическими фигурами времен суток: «Ночи» и «Дня» — на гробнице Джулиано, «Вечера» и «Утра» — на гробнице благородного и задумчивого Лоренцо. По меткому определению искусствоведов, эти фигуры слишком величественны, чтобы быть людьми, и слишком человечны, чтобы быть богами.
Томительно засыпает «Вечер», с усилием и нехотя пробуждается женская фигура «Утра», про которую Вазари сказал, что «она в горести изгибается и скорбит, все же сохраняя свою красоту», мучительно бодрствует энергичный и мускулистый «День». Джованни Строцци написал стихотворение, посвященное статуе «Ночи»:
Ночь, что так сладко пред тобою спит,
То — ангелом одушевленный камень:
Он недвижим, но в нем есть жизни пламень.
Лишь разбуди — и он заговорит.
Микеланджело ответил ему от имени «Ночи»:
Отрадно спать, отрадней камнем быть,
О, в этот век, преступный и постыдный.
Не жить, не чувствовать — удел завидный.
Прошу, молчи, не смей меня будить.
Позы всех четырех скульптур почти тождественны: все они лежат, опершись на локоть, одна нога вытянута, другая — согнута. Несмотря на неестественность положений этих каменных тел, они поразительны по своей жизненности.
Позы их построены на контрасте, т. е. сопоставлении противоположных движений, неоднократно встречавшемся у Микеланджело и раньше, например в росписях потолка Сикстинской капеллы. Но мощные изваяния в капелле Медичи выражают не скрытые силы человека, не напряженную волю, не бурный темперамент, а томление, усталость, глубокую грусть. Особенно замечательна голова «Ночи». Здесь Микеланджело создал своеобразный и полный значительности женский образ.
Сохранилось свидетельство Вазари, что Микеланджело этими фигурами хотел указать на быстротечность времени. Действительно, фигуры расположены на саркофагах так, что у зрителя создается впечатление неустойчивости: они как бы соскальзывают вниз.
Скульптура Мадонны Медичи играет очень важную композиционную роль во всей капелле: она объединяет статуи, к ней обращены фигуры Лоренцо и Джулиано. Внутренне сосредоточенный образ Мадонны воплощает идею жизни.
Одним из самых знаменитых архитектурных сооружений, построенных по проекту Микеланджело, стал грандиозный собор Св. Петра в Риме. В его создании принимали участие многие мастера, но главную роль играл Микеланджело. Он разработал центрический план собора, продумал движение и ритм масс. Мощный купол, покоящийся на массивном барабане и увенчанный фонарем, достраивался уже после его смерти.
В искусстве Италии после 1530-х годов распространились явления, чуждые культуре Возрождения, получившие впоследствии название маньеризм.
В произведениях маньеристов (Я. Понтормо, Ф. Пармиджанино, Б. Челлини) нарастали ощущения тревоги, беспокойства, внутреннего разлада. Созданные ими образы в большинстве своем отличались хрупкостью, удлиненными пропорциями, опустошенностью и холодностью. Все это было вызвано кризисом идей гуманизма.
В XVI столетии гуманистическое искусство Высокого Возрождения продолжало развиваться только на севере Италии, в Венеции. Праздничным блеском сверкали белокаменные дворцы и храмы по сторонам главной водной дороги Венеции — Большого канала.
В это время были проведены градостроительные работы по изменению центра города. Получил свое завершение прекрасный архитектурный ансамбль, включающий грандиозный собор Св. Марка (Сан-Марко), построенный в XI в., площадь перед ним, Дворец дожей (IX в.) — правителей Венеции, церковь и колокольню на противоположной стороне лагуны, на острове Сан-Джорджоне Маджоре.
Особого расцвета в период Высокого Возрождения достигла венецианская живопись, отличавшаяся богатством и насыщенностью колорита. Преклонение перед физической красотой человека сочеталось в ней с интересом к его духовной жизни.
Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476/77— 1510), писал картины на мифологические и литературные сюжеты. Его живопись пронизана лиризмом и созерцательностью.
В теории искусства Джорджоне волновали в основном проблемы воздушной перспективы и колорита. Важное место в его творчестве занимал пейзаж, помогающий раскрытию поэтичности и гармонии образов. Наиболее прославленные живописные работы художника — «Юдифь», «Сельский концерт» и «Спящая Венера».
«Юдифь» привлекает тонким лиризмом. Прекрасная библейская героиня изображена на фоне спокойной природы. Умиротворенное настроение картины не нарушают большой меч в руке Юдифи и отрубленная голова врага у ее ног.
В картине «Сельский концерт» настроение создают не только музицирующие и слушающие музыку люди, но и спокойно-лучезарная природа.
Полотно «Спящая Венера» (ок. 1508 — 1510) — вершина творчества Джорджоне. В нем нашла воплощение идея о свободном, ничем не омраченном существовании человека среди природы.
Все в ней гармония, все диво.
Все выше мира и страстей,
Она покоится стыдливо
В красе торжественной своей.
(А. С. Пушкин)
Богиня любви и красоты спит на цветущем лугу. Сон ее полон безмятежного покоя, вечерняя тишина и гармония пронизывают всю природу. Плавные линии тела Венеры перекликаются с окружающим пейзажем: уходят вдаль мягкие очертания пологих холмов, вдали на пригорке виднеется деревушка, за ней зеленеет равнина с одиноким стройным деревом. Лучи заходящего солнца окрашивают в золотистые тона замершее в неподвижности облако, и теплый свет как бы сгущается в золотисто-рыжих волосах Венеры. Черты ее нежного и задумчивого лица передают тонкую одухотворенность.
Эта картина итальянского Возрождения имела много повторений и вариантов.
Тициан Вечеллио (ок. 1476/77 или 1489/90— 1576) — патриарх венецианского Возрождения. Ему были подвластны все жанры живописи — от тематической картины до пейзажа и портрета.
Тициан работал в Венеции, учился у Беллини, испытал большое влияние Джорджоне. Ранние поэтичные праздничные картины («Любовь земная и небесная») сменяются у него в 1520-х годах более сложными героическими образами («Мадонна семейства Пезаро»), С 1530-х годов в искусстве Тициана усиливается драматичность.
Особой психологической сложностью отличаются портреты этих лет («Портрет урбинского герцога Франческо Марии делла Ровере», «Мужской портрет»). С середины XVI в. в творчестве художника часто встречается трагическая тема одиночества страдающего героя («Святой Себастьян», «Кающаяся Мария Магдалина»). Тициан привнес в живопись принцип децентрализующей композиции и то удивительное чувство цвета, которое поражает зрителей до сих пор — от звучной красочной гаммы раннего периода до монохромных цветов в поздних работах.
Шедевры художника — «Мадонна семейства Пезаро», «Введение Марии во храм», варианты греческого мифа о Данае, «Бичевание Христа», «Кающаяся Мария Магдалина», «Святой Себастьян», «Вознесение Девы Марии» («Ассунта»), «Динарий кесаря», «Венера».
Картина Тициана «Динарий кесаря» (1516—1518) была написана в соответствии с известной евангельской притчей. Политическая мораль этой притчи сводилась к признанию независимости светской власти от церковной.
Слова Христа «Отдавайте кесарю кесарево, а Богу богово» для заказчика картины — феррарского герцога, боровшегося с папой римским, звучали как подтверждение свободы от клирикальных авторитетов.
На полотне Тициана лица Спасителя и фарисея контрастируют друг с другом: такая композиция выявляет напряженный нравственный конфликт между ними. Лик Спасителя написан в три четверти поворота направо и сильно освещен — лицо фарисея изображено в профиль, и на него положены глубокие тени. Сопоставление тонких, благородных пальцев Спасителя с грубой, узловатой рукой фарисея дает яркое представление о различии их облика. Стихиями цвета и света передает Тициан духовное благородство Христа и низменное коварство фарисея.
«Венера» (ок. 1538) Тициана близка по композиции джорджоневской, но замена пейзажа бытовой сценой в интерьере подчеркивает ощущение реальности происходящего. На это указывает и такая деталь, как мирно спящая собачка у ног женщины. Венера явно гордится своей красотой и смотрит на зрителя широко раскрытыми глазами в отличие от своей предшественницы.
Мифологический сюжет для Тициана — лишь повод создать эмоционально открытый и чувственный образ. Иногда эту Венеру называют Урбинской, так как есть свидетельства, что под видом богини красоты Тициан изобразил Элеонору Гонзага, супругу герцога урбинского Федериго да Монтефельтро, по всеобщему мнению, прекраснейшую женщину во всей Италии.
В последний период творчества Тициан достигает особого совершенства живописной техники, сочетая свободную манеру письма с точной лепкой объема и колористическим богатством. Его драматические композиции отражают глубокие раздумья художника о смысле жизни.
Задание к уроку:
1. Прочитать теоретический материал.
2. Составить краткий конспект по теме урока.
3. Ответить на вопросы теста (в тетради).
4. Выполнить самостоятельную работу №4.
Тест по теме: «Искусство итальянского Высокого Возрождения».
| 1 | Для какой семьи Микеланджело создал статуи в капелле церкви Сан-Лоренцо во Флоренции? | ||
| A) Медичи B) Буонарроти | C) Санти D) Капулетти | ||
| 2 | Выберите из представленных скульптур надгробие Джулиано Немурского со статуями Ночи и Дня | ||
A) 
| B)
| ||
| 3 | Кто написал эти слова о статуе Ночи? "Ночь, что так сладко пред тобою спит, То ангелом одушевленный камень: Он недвижим, но в нем есть жизни пламень, Лишь разбуди - и он заговорит." | A) Джованни Строцци B) Микеланджело С) А.С. Пушкин | |
| 4 | Кого из деятелей эпохи Возрождения относят к Титанам Высокого Возрождения? | ||
| А) Леонардо да Винчи | D) Микеланджело Буонаротти | ||
| В) Донателло | Е) Джорджоне | ||
| С) Рафаэль Санти | F) Тициан | ||
| 5 | Какой художественный прием разработал Леонардо да Винчи? | ||
| А) светотени В) обратной перспективы | С) линейной перспективы D) сфумато | ||
| 6 | Какая Венера принадлежит кисти Тициана? | ||
 А)
|
| ||
| 7 | Как называется мадонна Рафаэля? А) «Мадонна в зелени» В) «Мадонна со щеглом» D) «Сикстинская Мадонна» Е) «Мадонна Грандука»
| 
| |
В)
Дата добавления: 2020-04-25; просмотров: 212; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!