Основные стили и жанры в искусстве.
Искусство – специфическая форма духовно - практического освоения человеком мира, способ духовной самореализации человека посредством чувственно-выразительных средств (звука, пластики тела, рисунка, слова, цвета, света, природного материала и т.д.).
Искусство - образное осмысление действительности; процесс и итог выражения внутреннего и внешнего мира в художественном образе; творчество, отражающее темы и явления, актуальные не только самого автора, но и других людей.
Понятие стиля, жанра, школы, течения, направления в искусстве.
Направленность и степень эстетического освоения мира человеком, которая является представителем определенной исторической общности, всегда фиксируется в стилевых знаках художественных произведений. Стиль (от лат. stilus - “палочка для письма”) отмечает своеобразие и отличает друг от друга разные явления в искусстве. Совокупность средств художественной выразительности, которые образуют определенную образную систему, дает возможность выделить искусство Античности или Возрождения, китайское или русское искусство, народное или профессиональное искусство. Художественным стилем называется единство содержания, образной системы и художественной формы, которая свойственна ряду произведений искусства, выделенных на основе общности происхождения (территориальной, эстетической, национальной, временной или авторской).
|
|
|
Стиль в искусстве выражает эстетическое отношение определённой культурной общности через ее представителей к различным элементам и аспектам бытия. А кроме исторически-культурных ценностей, произведение искусства фиксирует также индивидуально-ценностные ориентации своего автора. Это обусловливает содержательную емкость и многозначность понятия стиля. В нем выделяются различные слои, которые фиксируются понятиями национального стиля, направления, течения, школы, авторского стиля, стиля творческого периода художника, стиля произведения, стиля элементов произведения искусства.
Жизненный опыт конкретной исторической или географической общности людей формирует специфику стилевого решения созданных на его просторах художественных произведений. Искусство отдельных народов, стран, географических регионов характеризуется с помощью понятия национального стиля (например, китайский или мавританский стиль).
Национально-стадиальный стиль присущий конкретному периоду исторического и художественно-культурного развития определенного народа. Различается средневековый символизм, украинское барокко, французский романтизм и прочее.
Стиль исторической эпохи обозначает общность, сходство художественно - образных принципов, средств, способов создания художественной инновации, которая присуща многим народам в определенное время. В европейском пластическом искусстве различается, например, архаика, классика, эллинистическое искусство эпохи античности, романский стиль и готика в культуре средневековья, Возрождение, маньеризм, барокко, рококо, классицизм и др.
|
|
|
Стиль исторической эпохи чаще всего в истории искусства называется художественным направлением. Он объединяет ряд художественных произведений, сходных по принципам творчества (идейно - эстетическими ориентациями, принципами формотворчества, идейно-тематическим нагрузкой и подобным). Направление охватывает творчество художников какой-то эпохи или периода, в которых прослеживается сходство творческого метода, оригинальность системы средств художественной выразительности, сходство техники и т.п.
Художественная школа - организационно оформленное явление искусства, существование которого основывается на специфической теоретической основе (программе, манифесте, принципах и подобном). Представители школы осознают свое единство и принадлежность к формальной группе, которая очертила свои границы в художественно-культурном процессе. Как правило, начинается она одним или несколькими художниками, которыми изобретается своеобразная техника, избирается необычная тематика произведений, формулируется идейно-эстетическаяпрограмма и т.п., к которым впоследствии присоединяются единомышленники. Например, в художественной жизни Нидерландов второй половины XVII века большую роль играла так называемая делфтська школа (Эмманюэль де Витте, Питер де Хох, Карел Фабрициус, Ян Вермеер). Ее представители были сторонниками бытового жанра и проживали в небольшом городке Делфте.
|
|
|
Понятие художественного течения тоже обозначает отдельный вариант художественной концепции. Но этот вариант базируется не столько на сходстве социальных позиций и идейно-эстетических ориентаций его сторонников, сколько на формообразующем, техническом своеобразии отбора средств реализации замысла. Он складывается стихийно, не всегда автор идентифицирует себя сторонником этого течения. Так, в рамках европейского авангардизма XX века различается ряд течений: фовизм, кубизм, экспрессионизм, абстракционизм и тому подобное. Их объединяет неприятие устоявшейся художественной традиции, абсолютизация формально-технического аспекта художественного творчества. Этих же принципов придерживались приверженцы дадаизма и футуризма, которые зародились как художественные авангардистские школы.
|
|
|
Понятие национального и исторического стиля выделяют в художественном процессе прежде всего своеобразие искусства какой национально-культурной общности людей или определяют его специфику в конкретный период человеческой истории. Они характеризуют развитие художественной культуры и искусства в частности, в социально-художественном значении. Однако стиль можно рассматривать с точки зрения индивидуально-творческого процесса, в результате которого рождается произведение искусства. Именно в таком значении употребляется понятие индивидуального стиля художника или авторской манеры (от франц. maniere - “ловкость рук”). Это существеннаячерта творчества живописца, скульптора, графика, которая основывается на особенностях его мировоззрения, идейно-эстетических ориентаций, уровня технического мастерства, характера моральных качеств.
С течением времени ценностные убеждения, направленность художественного мышления, идейно-культурные ориентиры человека могут измениться. В таком случае для характеристики конкретного этапа творчества художника используется понятие “стиль периода творчества”. Например, в творческом наследии известного французского художника - постимпрессиониста Поля Гогена выделяют картины «парижского» и «гаитянского» периодов.
Основные стили и жанры в искусстве.
Общее представление о развитии европейского искусства дает анализ ведущих стилей различных эпох исторического развития данного региона: античности, средневековья и Возрождения, Просвещения и Нового времени, современности.
Культура античности развивалась в течение нескольких веков - с начала I тысячелетия до н.э. по V ст. н.э. Античное искусство - это искусство Древней Греции и Древнего Рима, первых европейских цивилизаций. Его шедевры на протяжении многих веков привлекают внимание, часто выступают образцами для подражания. В своем развитии эта культура прошла несколько этапов, среди которых наибольшее значение имеют стиле архаики и классики.
Ранний этап развития древнегреческого искусства (VII-VI вв. до н.э.) принято называть периодом архаики. В это время закладывались основы древнегреческой архитектуры и изобразительного искусства. Для этого периода свойственны массивные художественные формы. Средством художественного оформления культовых и жилых зданий является архитектурный ордер (от лат. ordo - “порядок”), то есть колонны, которые перекрыты антаблементом - верхней частью сооружения. Эти сооружения являются прямоугольными по форме. Они удивительно хорошо “вписывается” в природный ландшафт. Это фронтально неподвижные и симметричные в построении фигуры. Курос, то есть статуя обнаженного юноши атлетического телосложения, и кора, то есть статуя одетой девушки, имеют стилизованну застывшую осанку и т.н. «архаическую» улыбку.
Особого расцвета древнегреческое искусство достигло в период классики (V-IV ст. до н.э.). Статуи приобретают свою несравненную красоту, которая ценится и вызывает восхищение уже много веков. Им свойственна пластическая свобода, непринужденность, гармоничнойсть композиции и форм, техническое совершенство. Это физически развитые, совершенные, грациозные молодые тела. Многие скульптуры имеют индивидуальные, неповторимые черты. Но красоту древнегреческие скульпторы понимали несколько своеобразно, как идеальное совершенство. Овальное лицо, большие глаза, четко очерченный рот, высокий лоб, выразительный, прямой нос, идеальные пропорции фигуры - это составляющие древнегреческого канона телесной красоты. Классика пропагандировала образ героя - идеально прекрасного, гармонично развитого, доблестного воина.
В рамках классического древнегреческого искусства различают суровый стиль (первая половина IV века до н.э.), высокую классику (вторая половина V векадо н.э.) и позднюю классику (400-325 гг. до н.\.). Самым известным скульптором ранней классики был Мирон, автор всемирно известного “Дискобола”. Во времена высокой классики появилась “жемчужина” европейской архитектуры - величественный афинский Парфенон. Фидий, Кресилай, Поликлет - прославленные древнегреческие скульпторы - создают свои произведения, которые будут признаваться эталонами европейской скульптуры в течение многих веков. Одними из самых прославившихся произведений поздней классики является скульптура Jleoxapa “Аполлон Бельведерский” и обнаженный торс Афродиты Книдской, работы Праксителя.
Художественная традиция древнегреческого искусства продолжилась в искусстве Древнего Рима. Его развитие было прервано “великим переселением народов”, в результате которого пала Римская империя. На ее руинах возникла новая фаза развития европейской художественной культуры - искусство эпохи Средневековья. Романский стиль и готика раскрывают самобытность эстетических идеалов и художественных форм искусства Европы данного периода.
Романским называют западноевропейское искусство Х-ХІІІ века (от лат. romanus - “римский”). Оно было призвано возвеличивать христианскую церковь в средневековой культуре и обществе. Его основу составляла суровая, массивная архитектура: соборы, церкви, монастыри и замки феодалов. Их чаще всего строили на возвышении, как хорошо укрепленные, защищенные, надежные сооружения. Они призваны быть крепостями для защиты от врага. Это прочные и большие здания из камня.
Романская церковь имеет толстые стены, массивные опоры, узкие проемы окон, возведенное или купольное перекрытие, отделка росписью или монументальным рельефом. Внутреннее пространство храма разделено на одинаковые пространственные сегменты, живописные композиции создаются на строго симметричных основаниях. Центральный художественный образ в нем - огромная фигура Христа. Такое архитектурное и живописное своеобразие интерьера романской церкви вызвало впечатление устойчивости, прочности, надежности божественного миропорядка.
Романский замок - это неприступная крепость, красивая и надежно укрепленная. В его центре находится донжон-башня, на первом этаже которой расположились хозяйственные помещения, на втором - комнаты хозяина, на третьем - помещения для слуг, а в подвале - тюрьма.Как крепости, создавались и города, защищенные массивными, крепкими стенами и глубокими рвами. Проникнуть в них можно только через укрепленные ворота, что расположены в высоких, массивных башнях.
В романском искусстве высокого мастерства достигают монументальная живопись в храмах и миниатюрная живопись в священных книгах, ювелирное дело, резьба по кости и дереву, гравировка по металлу, искусство эмали. Живопись этой эпохи - сочная, яркая, схематизированная. Изображения плоскостные, расположенные полосками, в них отсутствует линейная перспектива. Романский стиль был распространен в искусстве Франции, Италии, Испании, Германии и Англии.
С середины ХІІ по XVI век в странах Европы начал бытовать иной художественный стиль - готический (от итал. gotico - “готский”, то есть свойственный германскому племени готов). Это понятие возникло в эпоху Возрождения. Им подчеркиваются варварские, а не античные истоки художественной традиции средневековья. Готическое искусство, как и романское, не подражает образцам античности. Оно самобытное по своимхудожественно-эстетическими идеалам и принципам. Его своеобразие лучше всего раскрывает архитектура данного периода. Готические соборы величественные и огромные, но не производят впечатления массивных сооружений. Обусловливается это новой конструкцией свода, расположенный на арках, которые опираются на каркас столбов. В таком здании стены больше не исполняют роль опоры, они потеряли свою массивность, вследствие чего увеличивается внутреннее пространство сооружения. Конструктивная особенность готических сооружений дало возможность прорезать стены огромными окнами, украшенными витражами, и придавать зданию неизвестной до тех пор высоты. Кроме разноцветного витражного живописи, готические храмы богато декорированные многими рельефами и статуями, которые раскрывают религиозные и светские сюжеты. Часто в готическом искусстве, как и в романском, встречаются изображения фантастических, причудливых созданий. Длянего свойственно новая трактовка образа Христа - страдальца, который принял муки и страдания за грехи человечества. Именно таким изображают его готические художники. В этот период сформировался и культ Матери Божьей. Изображения наделены глубоким духовным содержанием, им присущи торжественность, спокойствие осанки и жестов.
Художественная традиция искусства средневековья взрастила художников эпохи Ренессанса или Возрождения (XIV-XVI ст.), но ее основополагающие эстетические и мировоззренческие идеи, художественные каноны оказались “духовно чужими” для них. Во времена Возрождения высшей ценностью признается человек или его благо. Идеи гуманизма и антропоцентризма, которые пронизывают культуру Ренессанса, нашли наиболее яркое отражение в искусстве.
Источником знаний и образцом художественного творчества художников эпохи Ренессанса стали произведения античности, ведь “колыбелью” новой художественной традиции была Италия. Однако искусство Возрождения является вполне самобытным явлением, которое заложило основы новоевропейской художественной культуры. Архитектура, скульптура, живопись, графика приобретают новую форму. Это искусство базируется на вере в силу человеческого разума и духа. Художники эпохи Возрождения осваивают линейную воздушную перспективу, то есть, ими передается глубина пространства, удаленность предметов. В это время расширяется круг явлений, которые художественно воспроизводятся, - пейзаж, портрет, бытовые сцены. Возникает живопись масляными красками.
В целом искусство Возрождения было своеобразным “мостом”, который соединил отдельные элементы художественной традиции античной и средневековой культур. Оно заложило новый горизонт развития художественной культуры Европы, который коренным образом выделил ее среди других регионов планеты. На его основе сформировался новый общеевропейский художественный стиль - барокко.
Он возник в 80-х годах XVI века в Италии и просуществовал в искусстве Европы до середины XVIII века. Его название “странный” (от итал. bагоссо) не отражает его глубинного смысла, а сосредоточивает внимание только на внешних проявлениях искусства данного направления. Барокко основывается на принципе синтеза искусств, то есть идеи создания произведения искусства выразительными средствами разных видов искусства. Дворцы или храмы барокко является гармоничным ансамблем архитектурных, живописных и декоративных форм. Для стиля барокко важно создать именно ансамбль произведений искусства не через механическое соединение, а на основе принципа целостности в гармоничности общего образа. Он должен быть пышным в плане декора, торжественным и одновременно экзальтированным. Представление о специфике данного стиля дает, например, комплекс собора Святого Петра и Соборной площади в Риме. Это единый художественный образ, элементами которого выступают колонны, статуи, фонтаны, здания и две площади перед храмом. Фасад собора органично “переходит” в пространство трапециевидной площади, которая обрамлена галереями, отходящими от сооружения. За ней размещена овальная площадь, оформлена симметричными колоннадами. В ее центре вознесся обелиск, по обе стороны которого расположены фонтаны. Общее очертание этого ансамбля стилизовано как ключ, что напоминает слова Христа, которые он произнес св. Петру: “И дам тебе ключи Царства Небесного”.
Скульптура барокко стремится изображать своих героев в момент эмоционального напряжения. Через усложнение силуэта фигур и общей композиции скульптуры, виртуозное передачи жеста, позы, мимики человека передается драматизм или особое значение ситуации, позы, явления. Чаще всего передается не состояние человека, а какой-то момент ее действия.
Живопись барокко тоже является неординарным феноменом. Его персонажи словно живые, настолько высоким является художественное мастерство Микеланджело да Караваджо, Эль Греко, ХусепеРиберы, Диего Веласкеса, Бартоломео Эстебана Мурильйо, Питера Паулюса Рубенса, Антонисаван Дейка, Рембрандта ван Рейна. Их картины изображают человека как личность со сложным миром, независимо от жанра.
Особое стремление культуры барокко к постижению глубин человеческого духа, эмоционально-чувственных состояний, фантазии, мечты, интуиции, то есть всего непостижимого для ума, нашло глубокий отклик в художественной культуре многих народов.
Если барокко нацелено на постижение иррационального момента жизни человека, то классицизм предпочитает человеческому разуму как средству совершенной перестройки мира. Классицизм (от лат. classicus - “образцовый”) возник в XVII веке и просуществовал до середины XIX века. Им были провозглашены в качестве образцов совершенства произведения античности и искусства Возрождения. Процесс художественного творчества мыслился как соблюдение канона искусства указанных периодов.
Искусство классицизма чаще всего темой произведений выбирало изображение возвышенного и героического, черпая сюжеты из античной истории и мифологии. Ему свойственны композиции логически ясных, идеализированных, гармоничных образов. Идея верховенства общественного над личным, долга над чувством особенно проступает в живописи этого стиля.
Художественный канон требовал, чтобы сюжетом картины избиралась идея, которая способна морально воспитывать зрителя. Им могло быть только историческое событие, библейский текст или античный миф. Композиция картины делилась на четкие планы, чаще всего на три. Она должна быть простой и упорядоченной. При ее создании художник ориентировался, прежде всего, на рисунок, а не на колорит. Цвет считался только средством создания глубины пространства и передачи объемных фигур. Резкие цветовые контрасты не допускались. От художника требовалось академическое образование и стажировка в Италии. Подражания образцам античных мастеров, прежде всего древнегреческих скульпторов и художников Возрождения признавалось основой творчества.
Архитектуре классицизма свойственна геометрическая правильность объемов, регулярность планировки, монументальность, парадная торжественность, тяготение к геометрически простых форм (квадрат, прямоугольник, круг), чаще всего сдержанность декора экстерьера здания и подчеркнутая величественность и великолепие ее интерьера.
Классицизм был последним европейским художественным стилем, который распространялся на основные виды искусств и в рамках которого произведения архитектуры, скульптуры, живописи, графики и декоративно-прикладного искусства образовывали единый ансамбль. Общестилевые признаки сохраняются только в станковом искусстве.
Жанры (фр. genre – род, вид) – исторически сложившееся деление произведений изобразительного искусства, прежде всего, живописи, в соответствии с темами и объектами изображения. В современной живописи существуют следующие жанры: портрет, исторический, мифологический, батальный, бытовой, пейзаж, натюрморт, анималистический жанр.
Хотя понятие «жанр» появилось в живописи сравнительно недавно, определенные жанровые различия существовали еще с древних времен: изображения животных в пещерах эпохи палеолита, портреты Древнего Египта и Месопотамии с 3 тыс. до н.э., пейзажи и натюрморты в эллинистических и римских мозаиках и фресках. Формирование жанра как системы в станковой живописи началось в Европе в 15–16 вв. и завершилось в основном в 17 в., когда помимо разделения изобразительного искусства на жанры появляется понятие т.н. «высоких» и «низких» жанров в зависимости от предмета изображения, темы, сюжета. К «высокому» жанру относили исторический и мифологический жанры, к «низким» – портрет, пейзаж, натюрморт. Такая градация жанров просуществовала до 19 в. хотя и с исключениями.
Так, в 17 в. в Голландии в живописи ведущими стали именно «низкие» жанры (пейзаж, бытовой жанр, натюрморт), а парадный портрет, формально принадлежавший к «низкому» жанру портрета, к таковому не относился. Став формой отображения жизни, жанры живописи при всей стабильности общих черт не являются неизменными, они развиваются вместе с жизнью, меняясь по мере развития искусства. Некоторые жанры отмирают или обретают новый смысл (напр., мифологический жанр), возникают новые, обычно внутри ранее существовавших (напр., внутри пейзажного жанра появились архитектурный пейзаж и марина). Появляются произведения, соединяющие в себе различные жанры (напр., сочетание бытового жанра с пейзажем, группового портрета с историческим жанром).
Жанр изобразительного искусства, отражающий внешний и внутренний облик человека или группы людей, называют портретом. Этот жанр распространен не только в живописи, но и в скульптуре, графике и т.д. Главные требования, предъявляемые к портрету, – передача внешнего сходства и раскрытие внутреннего мира, сущности характера человека. По характеру изображения выделяются две основные группы: парадные и камерные портреты. Парадный портрет показывает человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим), на архитектурном или пейзажном фоне. В камерном портрете используется поясное или погрудное изображение на нейтральном фоне. Существуют двойной и групповой портрет. Парными называют портреты, написанные на разных холстах, но согласованные между собой по композиции, формату и колориту. Портреты могут образовывать ансамбли – портретные галереи, объединяемые по профессиональному, семейному и другим признакам (галереи портретов членов корпорации, гильдии, офицеров полка и т.д.). В особую группу выделяется автопортрет – изображение художником самого себя.
Портрет – один из древнейших жанров изобразительного искусства, первоначально он имел культовое назначение, отождествлялся с душой умершего. В античном мире портрет развивался более в скульптуре, а также в живописных портретах – фаюмских портретах 1–3 вв. В средние века понятие портрета заменяется обобщенными образами, хотя на фресках, мозаиках, иконах, миниатюрах существуют некоторые индивидуальные черты в изображении исторических лиц. Поздняя готика и Возрождение – бурный период развития портрета, когда происходит становление портретного жанра, достигающего вершин гуманистической веры в человека и понимания его духовной жизни. В 16 в. появляются следующие типы портрета: традиционный (поясной или в рост), аллегорический (с атрибутами божественного), символический (основанный на литературном произведении), автопортрет и групповой портрет.
Параллельно существует линия психологического портрета, портрета-характера, группового портрета.
Жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и персонажам, называется историческим жанром. Исторический жанр, которому свойственна монументальность, долгое время развивался в настенной живописи. Исторический жанр переплетается с другими – бытовым жанром (историко-бытовые сцены), портретом (изображение исторических деятелей прошлого, портретно-исторические композиции), пейзажем («исторический пейзаж»), смыкается с батальным жанром.
Исторический жанр находит воплощение в станковых и в монументальных формах, в миниатюрах, иллюстрациях. Зародившись в древности, исторический жанр соединял реальные исторические события с мифами. В странах Древнего Востока даже существовали типы символических композиций (апофеоз военных побед монарха, передача ему власти божеством) и повествовательных циклов росписей и рельефов.
В Древней Греции были скульптурные изображения исторических героев (Тираноубийцы, 477 до н.э.), в Древнем Риме создавались рельефы со сценами военных походов и триумфов (колонна Траяна в Риме, ок. 111–114). В средние века в Европе исторические события находили отражение в миниатюрах хроник, в иконах. Исторический жанр в станковой живописи начал складываться в Европе в эпоху Возрождения, в 17–18 вв. его рассматривали как «высокий» жанр, выдвинув на первый план (религиозные, мифологические, аллегорические, собственно исторические сюжеты). Одной из первых реалистических станковых картин была Сдача Бреды Веласкеса (1629–1631 г.). Картины исторического жанра наполняли драматическим содержанием, высокими эстетическими идеалами, глубиной человеческих отношений. Начало 19 в. – новый этап в развитии исторического жанра, который начался с возникновением романтизма. Реализм второй половины 19 в. обращается к осмыслению исторических трагедий народов и личностей: И.Е.Репин «Иван Грозный и его сын Иван» (1885 г.), В.И.Суриков «Меншиков в Березове» (1883 г.). В искусстве 20 в. проявляется интерес к старине как к источнику красоты и поэзии, в советском искусстве ведущее место заняла историко-революционая композиция.
Жанр изобразительного искусства, посвященный героям и событиям, о которых рассказывают мифы древних народов, называется мифологическим жанром (от греч. mythos – предание). Мифологический жанр соприкасается с историческим и оформляется в эпоху Возрождения, когда античные легенды дали богатейшие возможности для воплощения рассказов и персонажей со сложным этическим, зачастую аллегорическим подтекстом:С.Боттичелли «Рождение Венеры» (ок. 1484,), А.Мантенья «Парнас» (1497 г. ), Джорджоне «Спящая Венера» (ок. 1508–1510 гг.). В 17 в. – нач. 19 в. в произведениях мифологического жанра расширяется круг нравственных, эстетических проблем, которые воплощаются в высоких художественных идеалах или сближаются с жизнью, создают праздничное зрелище: Н.Пуссен «Спящая Венера» (1620-е гг.), П.П.Рубенс «Вакханалия» (1619–1620 гг.), Рембрандт «Даная» (1636 г.).
Батальным жанром (от фр. bataille – битва) называют жанр живописи, являющийся частью исторического, мифологического жанра и специализирующийся на изображении битв, военных подвигов, боевых действий, воспевающий воинские доблести, ярость сражения, торжество победы. Батальный может включать элементы других жанров – бытового, портретного, пейзажного, анималистического, натюрморта. Художники регулярно обращались к батальному жанру: Н.Пуссен, А.Ватто Тягости войны (ок. 1716), Ф.Гойя Бедствия войны (1810–1820 гг.), Т.Жерико Раненый кирасир (1814 г.)
Жанр изобразительного искусства, показывающий сцены повседневной, личной жизни человека, повседневного обихода из крестьянского и городского быта, называют бытовым жанром. Обращение к жизни и нравам людей встречаются уже в росписях и рельефах Древнего Востока, в античной вазописи и скульптуре, в средневековых иконах и часословах. Но выделился и приобрел характерные формы бытовой жанр только как явление светского станкового искусства. Его основные черты начали оформляться в 14–15 вв. в алтарных картинах, рельефах, шпалерах, миниатюрах в Нидерландах, Германии, Франции. В 16 в. в Нидерландах бытовой жанр стал бурно развиваться и обособился. Одним из его основателей был И.Босх (Семь смертных грехов, Мадрид, Прадо). На развитие бытового жанра в Европе очень большое влияние оказало творчество П.Брейгеля: он переходит к чистому бытовому жанру, показывает, что обыденная жизнь может являться объектом изучения и источником красоты. Произведения бытового жанра разнообразны: они показывали тепло домашнего быта и экзотику дальних стран, сентиментальные переживания и романтические страсти.
Жанр изобразительного искусства, где главным является изображение природы, окружающей среды, видов сельской местности, городов, исторических памятников, называется пейзажем (фр. paysage). Различают сельский, городской пейзаж (в т.ч. ведута), архитектурный, индустриальный, изображения водной стихии – морской (марина) и речной пейзаж
В древности и в средние века пейзаж появляется в росписях храмов, дворцов, в иконах и в миниатюрах. В европейском искусстве первыми обратились к изображению природы венецианские живописцы эпохи Возрождения (А.Каналетто). С 16 в. пейзаж становится самостоятельным жанром, формируются его разновидности и направления: лирический, героический, документальный пейзаж: П.Брейгель Пасмурный день (Канун весны) (1565 г.),
Марина (ит. marina, от лат. marinus – морской) – один из видов пейзажа, объектом изображения которого является море. Самостоятельным жанром марина оформляется в Голландии в начале 17 в.
Архитектурный пейзаж – разновидность пейзажа, один из видов перспективной живописи, изображение реальной или воображаемой архитектуры в природной среде. Большую роль в архитектурном пейзаже играет линейная и воздушная перспектива, связывающая природу и архитектуру. В архитектурном пейзаже выделяют городские перспективные виды, называвшиеся в 18 в. ведутами (А.Каналетто, Б.Беллотто, Ф.Гварди в Венеции), виды усадеб, парковых ансамблей с постройками, пейзажи с античными или средневековыми руинами.
Ведута (ит. veduta, букв. – увиденная) – пейзаж, документально точно изображающий вид местности, города, один из истоков искусства панорамы. Термин появился в 18 в., когда для воспроизведения видов использовалась камера-обскура. Ведущим художником, работавшим в этом жанре, был А.Каналетто: Площадь Сан Марко (1727–1728 г.).
Жанр изобразительного искусства, который показывает предметы обихода, труда, творчества, цветы, плоды, битую дичь, выловленную рыбу, размещенные в реальной бытовой среде, называется натюрмортом (фр. naturemorte – мертвая натура). Натюрморт может быть наделен сложным символическим смыслом, играть роль декоративного панно, быть т.н. «обманкой», которая дает иллюзорное воспроизведение реальных предметов или фигур, вызывающих эффект присутствия подлинной натуры.
Изображение предметов известно еще в искусстве античности и средних веков. Но первым натюрмортом в станковой живописи считается картина художника из Венеции Якопо де Барбари Куропатка со стрелой и перчатками (1504 г.). Уже в 16 в. натюрморт делится на множество типов: интерьер кухни с людьми или без них, накрытый стол в сельской обстановке, «ванитас» с символическими предметами (ваза с цветами, погашенная свеча, музыкальные инструменты). В 17 в. жанр натюрморта переживает расцвет: монументальность картин Ф.Снейдерса ,Ф.Сурбаран, составлявший простые композиции из немногочисленных предметов. Особенно богат был голландский натюрморт, скромный по колориту и по изображенным вещам, но изысканный по выразительной фактуре предметов, по игре цвета и света (П.Клас, В.Хеда, В.Калф, А.Бейерен). В 18 в. в лаконичных натюрмортах Ж.Б.Шардена утверждается ценность и достоинство, скрытые в обыденной жизни: Атрибуты искусства (1766 г.). Разнообразны натюрморты 19 в.: социальные подтексты в полотнах О.Домье; прозрачность, воздушность в картинах Э.Мане; монументальность, конструктивность, точная лепка формы цветом у П.Сезанна. В 20 в. открываются новые возможности натюрморта: П.Пикассо, Ж.Брак сделали предмет главным объектом художественного эксперимента, изучая и расчленяя его геометрическую структуру.
Жанр изобразительного искусства, показывающий животных, называется анималистическим жанром (от лат. animal – животное). Художник-анималист уделяет внимание художественно-образной характеристике животного, его повадкам, декоративной выразительности фигуры, силуэта.
Дата добавления: 2019-03-09; просмотров: 876; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!